Ayer nevó en Silsoe

Antesdeayer. Homenaje a Pedro San Martín y todos en La Buena Vida

2011-05-17T18:04:00.000+02:00

El domingo 15 de mayo nos despertamos con una de esas noticias que nunca quieres oír. Pedro San Martín, bajista y compositor de La Buena Vida fallecía en una accidente de tráfico. Esta entrada de blog es mi sincero homenaje a Pedro y en general a toda la banda, porque es uno de esos grupos que parece que han estado ahí desde siempre y me han marcado mucho para bien. No voy a hacer un repaso exhaustivo de su discografía como hice con the Lucksmiths o the Divine Comedy, simplemente voy a hacer un repaso de recuerdos que tengo relacionados con La Buena Vida, que creo que es la mejor forma de recordar sus canciones.

La Buena Vida es uno de esos grupos que conocí en plena adolescencia, y creo que eso ayuda a que las canciones te lleguen mucho más adentro y te identifiques de una forma u otra con lo que escuches. Si no me falla la memoria, conocí al grupo con el disco que popularmente se conoce como “Los mejores momentos”, aunque no tenga título oficial. No sé porqué, pero mis recuerdos de los primeros discos de LBV son de días de verano, ya sea de verano en la ciudad, con las persianas bajadas casi del todo a mediodía, sin aire acondicionado, tratando de evitar que los rayos del sol convirtieran la salita en una caldera. A pesar de eso, yo escuchaba “Cinco días de invierno” pensando que era una pena que nunca nevara en mi ciudad, para que la pareja que se encuentra, discute y luego se reconcilia estuvieran por ahí cerca.

Ese disco de LBV me fascinó en su momento e hizo que me acercara mucho más a ese tipo de pop aparentemente amable y delicado. Recuerdo que en esa época, Irantzu aún no había encontrado la forma de cantar que luego le haría sentir más cómoda, pero a mi me encanta su voz en esas canciones, tan optimista, tan llena de luz y casi despreocupada. Mucha gente dice que le gustan más las canciones que cantaba Irantzu que las que cantaba Mikel, pero a mí siempre me han gustado las canciones de ambos, y mucho mejor cuando cantaban juntos, como “Cada día y cada día más”, “Un vestido de tul” o “Los mejores momentos”.

Ese fue el primer disco que yo conocí de LBV, pero ya tenían un disco anterior y no tardé en escucharlo. De ese primer disco recuerdo que “Antesdeayer” abría una de esas cintas recopilatorias que con tanto cariño grababa en aquella época para tener juntas algunas de mis canciones favoritas. Recuerdo como escuchaba la historia del Señor Sommer y me lo imaginaba andando con paso cansino, con su gran bastón. “En bicicleta” (aunque la versión del Magnesia E.P. fue aún mejor) me transportaba directamente a veranos en la playa, sin nada que hacer aparte de pedalear todo el tiempo. Los parapapá de “Por la mañana” y los misterios que se encierran en la canción daban sensación de alegría sin fin y yo pensaba que yo también prometía ser bueno, prometía ser mejor, para quedarme a escuchar a los Love.

LBV se hicieron adultos con “Soidemersol”, su mejor disco probablemente para casi todo el mundo, y quizá lo sea de forma objetiva, pero yo me sigo quedando con “Los mejores momentos”. Mis recuerdos del “Soidemersol” me vuelven a llevar a aquella habitación oscura en verano sin aire acondicionado, compitiendo para ver quien se alzaba con el trofeo de campeón de la casa en el Fifa de Megadrive, mientras Irantzu cantaba con voz más pausada “Se están mojando las nubes, será de tanto llorar, porque les pesa el recuerdo de haber nadado en el mar”. Uno de los puntos fuertes que siempre han tenido LBV son sus letras, es muy difícil hacer buenas letras en castellano, que te lleguen y que no queden ñoñas, y en eso ellos eran los reyes.

Además, ya comentó Xurxo en su muy recomendable blog “El jardín de Octopus” que “La buena vida lo hicieron antes (1993) que Belle & Sebastian (1996)” y tiene toda la razón. De hecho creo que para mí, LBV abrió un camino que luego me llevó hasta B&S.

Mis recuerdos de “Panorama” me llevan al año de C.O.U., confuso y lleno de preocupaciones sobre qué haría al año siguiente. En esos recuerdos, la misma salita que antes estaba oscura, ahora tiene aire acondicionado y está llena de luz, y en una mesa revuelta con libros y apuntes está la portada del disco. En los momentos más complicados me dejaba llevar por la “Tormenta en la mañana de la vida” los más optimistas por “Surquemos un cielo entero”. Dos cosas me hicieron llevar mejor ese año de exámenes y selectividad, la música (con LBV muy presente) y el Real Murcia, que después de perder una primera oportunidad en casa (justo el fin de semana antes del inicio de la selectividad, y allí estaba yo), a la siguiente no falló y al fin conseguía salir del pozo de la segunda división B, tras marcar Aguilar un golazo en Granada, la misma tarde en la que Raúl mandaba un penalty a las nubes contra Francia y España se volvía a quedar en cuartos de una competición. Pero ese día importó menos, y después de que España perdiera nosotros nos fuimos a celebrar el ascenso del Murcia.

Creo que fue en la época de “Panorama” o quizá con “Hallelujah” cuando mis hermanos y yo decidimos hacer otra fiesta del Fanzine de Colores y el grupo elegido fue LBV. Hacía años que no tocaban en Murcia y el resultado fue impresionante. Recuerdo salir a la calle casi a las 12 de la noche de un día entre semana, con un cubo de fregona, agua, cola y un cepillo a empapelar el centro de la ciudad con carteles del concierto, depurando nuestra técnica poco a poco con cada cartel que pegábamos. También recuerdo como dos días antes del concierto nos llamaron de una tienda de discos para decirnos que las entradas se habían agotado y que llevásemos más. Al final fui muchísima gente al concierto, el grupo estuvo genial, uno de los mejores de mi vida, y conocimos a un montón de gente, tan apasionados con la música como nosotros, con la que seguimos en contacto.

Luego llegó Halellujah! y LBV demostraba que seguía en plena forma. En un mundo ideal “¿Que nos va a pasar?” hubiera sido número uno, habría sonado en todas las radios el país una y otra vez y el grupo se habría hecho más famoso que Alejandro Sanz, pero no estamos en un mundo ideal, por mucho que el disco se cerrase con una canción que decía que el mundo era al fin de ellos y que lo habían conquistado.

Con “Álbum”, y el single “Los planetas” en el que también cantaba Jota consiguieron finalmente un número uno en singles, pero no les llevó al estrellato. No obstante ellos seguían a lo suyo, que era hacer canciones maravillosas y nosotros también queríamos ser un actor mejicano. LBV nunca han dicho quien escribía cada canción, pero parece ser que una de las caras b del single “los planetas”, “La calle del Carmen” sí que la escribió Pedro. Recuerdo que mi hermano Carlos me dijo que era por la Calle del Carmen que hay en Madrid, una de las que sale de la Puerta del Sol y yo cada vez que pasaba por allí no podía dejar de preguntarme cual sería aquel balcón, ese que decía viva viva el amor, y viva todo a su alrededor.

Su último disco largo fue “Vidania” y tengo que reconocer que no me llegó tanto como los anteriores, pero eso no evitó que, estando viviendo durante un año en Inglaterra, aprovechase una visita fugaz a España para comprar el disco, que en las islas no podía, y no quería esperar a regresar para poder escucharlo. Porque LBV es uno de esos grupos que para mí tienen tanto crédito, que me compraría cualquier disco que sacaran sin necesidad de escucharlo previamente, porque siempre se pueden sacar cosas buenas de sus discos. El single de ese disco era “La mitad de nuestras vidas” y lo cierto es que en aquel entonces LBV ya llevaba conmigo casi la mitad de mi vida, y eso te marca de algún modo u otro.

Hace un par de años el grupo sacaba un último e.p. y anunciaba que, aunque Iranzu dejaba el grupo, la banda seguiría sin ella, aunque al final el disco largo que anunciaron nunca llegó a salir. Ahora, sin Pedro, que parecía el más activo intentando mantener la banda en funcionamiento, con sus comentarios sobre la discografía de la banda en su web oficial (una delicia para los fans) parece aún más lejos la idea de tener nuevas canciones de LBV, pero nunca se sabe, yo estaré atento.

Tengo una entrada de uno de los conciertos de LBV en Murcia firmada por Javier y por Pedro que no puedo evitar mirar ahora y sentir mucho más lo que ha ocurrido. Cuando oigo una noticia así, de alguien joven y lleno de vida que se va, es inevitable de que me acuerde de cuando murió mi hermano Carlos. Él era amigo de Pedro, y de algún otro miembro de LBV, de hecho cuando tocaron en directo en Murcia en la gira del Vidania (aunque yo no pude ir porque estaba en Inglaterra) se acordaron de él y le dedicaron una canción, así que lo más justo es que le dedique yo esta entra a Pedro.. Ahora, aunque yo no sea muy creyente, quizá Pedro y él se han vuelto a encontrar, si es así seguro que se lo estarán pasando genial los dos.

Hubo un época, en los 90, en la que, aunque te pudieran gustar ambo grupos, siempre estaba la pregunta de “¿tú a quien prefieres? ¿A LBV o a Le Mans?” Yo siempre fui de LBV.

A Pedro, y a todos en La Buena Vida, por algunos de “los mejores momentos” de mi vida.

“Fue antesdeayer, que él marchó a un sitio perdido”

Our Mutual Friend [Absent Friends, 2004, The Divine Comedy]

2011-04-19T10:50:00.005+02:00

En la primavera de 2004 Niel Hannon ya tenía en su inventario 7 discos y 14 años de música, y yo andaba por aquel entonces con poco más que los caramelos y los jirones de corazón propios y ajenos que son propios de las primaveras del sur.

Es entonces cuando aparece el octavo disco de Neil Hannon, Absent Friends, y con él la canción Our Mutual Friend. En ella Neil Hannon, habla de la historia de una noche de copas en la que chico-conoce-a-chica, en la variante común de amigo presenta a chico y chica.
La diferencia de ésta con la mayoría de este tipo de historias es que esta vez todo funciona a la primera, sin mensajes ni estrategias de por medio, sin forzar encuentros en el metro ni conversaciones del tipo estudias-o-trabajas.

Sólo Neil Hannon y la mujer de su vida hablando de lo molesto que es el ruido de los bares y de tropecientas cosas más, hablando hasta acabar borrachos y felices y volviendo a casa de su amigo común para bailar lento música de viejos vinilos y canciones favoritas, besándose hasta perder el equilibrio y la noción de la realidad.

Tú, en esa misma primavera, en el bar Quatro, también escuchando a Neil Hannon y pensado que a ti te pasa lo mismo, siendo esa noche de viernes el tipo más feliz del mundo porque por fin tus estrategias han funcionado y te has encontrado con ella, con "ella", que a pesar de las sandeces que has podido decir sigue toda la noche contigo hablando durante horas, nadie puede creerlo, y tú menos que nadie.

Tú siendo feliz feliz por dos, por Hannon y por ti.

Al final de la canción Neil Hannon se despierta de resaca encontrándose a su chica tendida y abrazada a su "amigo" común, con la cabeza a punto de estallar por la resaca y el estómago a 5 metros por encima de su cabeza, de la impresión.

Ya está, demasiado bonito para ser verdad, no sólo pierde a la mujer de su vida sino que pierde además a su amigo.

¿Y si le ha pasado eso al dandi de Hannon cómo no va a pasarte a ti?

Te quedas con cara de cenutrio pensando que a ti ya te ha pasado eso antes en alguna noche de borrachera, tú ya has perdido a tres o cuatro mujeres-de-tu-vida y esta vez te toca ganar, te lo repites con confianza mientras miras con desconfianza el tocadiscos y el sonido a orquesta de las canciones.

Echándote a temblar en cuanto ella mueve la aguja del tocadiscos.

Al final te vuelve a pasar, y te vas con la misma resaca que Hannon de vuelta a casa pero con mucho menos estilo, aumentando la cuenta de las mujeres de tu vida que has perdido y sumando a tu inventario otro jirón, pensando en si no convendría pedir tu parte del canon por todos que escuchan tu historia en la pista trampa del disco de The Divine Comedy.

Y para colmo de males tú caminas sin todos los componentes de una orquesta acompañándote en la vuelta a casa, intentando darle un poco de sentido al asunto.

http://www.goear.com/listen/0b3c19a/Our-Mutual-Friend-The-Divine-Comedy

Entrevista: Kathryn Calder

2011-04-09T18:19:00.001+02:00

(If you want to read this interview in English please click here)

Kathryn Calder empezó su carrera musical en Inmaculate Machine, grupo que dejó después de 2 discos y 4 Eps, dejó este proyecto porque era imposible de compatibilizar con tocar con the New Pornographers, grupo al que se incorporó antes del “Twin Cinema” y con el que lleva desde entonces. Durante 2009 sacó tiempo también para grabar su primer disco en solitario, que vería la luz en el año 2010, con el título “Are you my mother” y que fue el segundo mejor disco del año para este blog. Todos esos proyectos musicales merecen mucho la pena y obviamente tenemos ganas de escuchas sus nuevas canciones en solitario. Ahora, justo antes de embarcarse en la primera gira de presentación de su disco en solitario, por ahora sólo en Estados Unidos, ha sido tan amable de responder a las preguntas de este blog. Aquí tenéis el resultado.

Empezaste tu carrera musical en el grupo Inmaculate Machine, que dejaste en el año 2008, ¿qué recuerdas de esa etapa?

Les tengo muchísimo cariño y crecí en esa banda. Tuvimos tantas experiencias locas y viajamos tanto juntos que nos convertimos en una familia.

En el disco “Fables” Alex Kapranos de Franz Ferdinand y los chicos de The Cribs os hicieron los coros de “Jarhand”, ¿cómo lo conseguisteis?

The Cribs estaban grabando en Vancouver con Alex Kapranos como productor y nuestros productores les invitaron a ver el estudio en el que estábamos grabando. Necesitábamos un grupo de chicos para que nos hicieran los coros y quedó perfecto. Estábamos contentísimos de que estuvieran dispuestos a cantar en nuestro disco.

Vi un comic en la web de Inmaculate Machine en el que, después de ser desafiados por un programa de radio, decidisteis cantar una canción en chino, así que lo siento, pero creo que debo retarte a cantar una canción en castellano (¡Vamos! ¡Estoy seguro de que será más fácil que en chino! Y no te estoy pidiendo que me cantes tecno español Nota del Traductor: chiste tonto en inglés con la canción de The New Pornographers “Sing me Spanish Techno” que es aún menos gracioso en castellano)

¡Jaja! ¡Fue una broma estúpida! Todavía no me puedo creer que llegáramos a hacerlo, pero me alegro. Es difícil cantar en un idioma que no es el tuyo.

Tocas la guitarra, los teclados, el piano, el acordeón, haces percusiones… ¿Tuviste formación musical o aprendiste a tocar todo eso por tu cuenta?

Di clases de piano, de canto y de guitarra. El acordeón lo aprendí yo. Me gustan las clases, me mantienen en la dirección correcta.

Creo que ya estabas en un grupo indie antes pero, ¿no fue una enorme coincidencia averiguar que el hermano biológico de tu madre estaba en un grupo Indie también?

No estaba en una banda cuando conocí a Carl, ¡tenía 14 o 15 años y aún no sabía nada de música rock! Me encanta cantar, y conocer a Carl fue inspirador para mí, pero nunca creí que yo haría lo mismo. Tal y como ha resultado, todas las decisiones inconscientes que estaba haciendo entonces me dirigieron hacia el camino en el que estoy ahora.

Supongo que, como the New Pornographers ya eran una banda más importante, encontrarías algunas diferencias entre tocar con Inmaculate Machine y tocar con the New Pornographers, ¿que cosas te sorprendieron más?

Eran bandas tan distintas… ¡me sorprendió lo difícil que era estar en los dos grupos a la vez! Pensé que sería fácil, pero no lo era.

Entraste en the New Pornographers como miembro temporal, solo para las giras, pero al final has estado en el grupo desde “Twin Cinema” y estás totalmente involucrada, ¿estás escribiendo canciones para la banda o prefieres quedártelas para tu proyecto en solitario?

Estuve en periodo de prueba durante 5 conciertos, y después de eso ya era miembro del grupo a tiempo completo. No escribo canciones, eso se lo dejo a Carl y Dan, pero contribuyo creativamente tocando en el disco y aportando ideas.

He visto un par de entrevistas en las que Carl Newman afirma que, aunque él piensa que “Challengers” era el disco adecuado para hacer en su momento, entiende que a mucha gente no le gustara, pero a mí me encanta, ¿soy el único? ¿Cuál es tu opinión sobre este disco ahora?

Creo que a mucha gente le gustó y a otra gente no. Me encanta ese disco, algunas de mis canciones favoritas para tocar están en ese disco, pero al final no importa. Mientras haya gente a la que le guste, creo que es suficiente.

Como miembro de The New Pornographers, y también con tu carrera en solitario, has colaborado en campañas con Oxfam y otras ONGs, ¿crees que la música puede ser una buena forma de hacer llegar a un público mayor las actividades de esas organizaciones?

Creo que es una gran oportunidad, ¡por supuesto! Muchos artistas apoyan todo tipo de proyectos benéficos y todos esos proyectos siempre necesitan mucho apoyo.

Sobre tu disco en solitario, incluso habiéndolo grabado mientras estabas cuidando de tu madre, y que no se puede hablar exactamente de un disco de pop alegre y brillante, tampoco es triste o deprimente (aunque haya algunas canciones tristes). Creo que al final el disco te hace sentir y bien y, de algún modo, optimista, ¿era esa tu intención o es sólo lo que me parece a mí?

Definitivamente esa era la intención. No quería hacer un disco deprimente, porque no es así como yo veo la vida. Veo la vida con sus momentos buenos y malos que intentamos entender. Así que aunque haya canciones tristes, y momentos tristes en nuestras vidas, la vida no es unidimensional, así que intenté que el disco reflejara eso.

El título del disco “Are you my mother?” está basado en un libro para niños, ¿fue un libro importante para ti en algún sentido o simplemente te parecía el título adecuado para el disco?

Simplemente me encanta ese libro, y creo que es una historia muy dulce. Apareció en cabeza como el título adecuado para el disco, así que se lo puse. ¡Lo analizaré con detalle dentro de algunos años!

Grabaste todo el disco en casa, pero el sonido es muy bueno y no parece una grabación amateur o algo por el estilo, además usasteis algunos objetos como cajas de Kleenex o archivadores para hacer percusiones, y un piano desafinado tocado al revés, ¿qué recuerdas de la grabación?

Recuerdo que nos divertimos mucho con cualquier instrumento que encontráramos por ahí. Me encanta ser creativa en cosas así. Me parece fascinante. Grabamos casi todo en el salón de mi madre, ¡pero tenía un profesional conmigo para hacer que sonase bien!

Creo que estás grabando canciones nuevas, ¿el proceso de grabación es como el del primer disco, grabándolo en casa con mucha imaginación e improvisación, o estás grabando en un estudio?

El proceso fue muy similar al del anterior disco, excepto que estaba más preparada esta vez. Además usamos los estudios Hive en Vancouver, y otro estudio en Victoria para grabar la batería y otros instrumentos. Me encanta grabar en casa, lo prefiero, ¡pero avanzas mucho más en estudio porque no hay distracciones como hacer la compra o la colada!

Vas a empezar a hacer una gira de verdad para promocionar “Are you my mother”, y leí en tu Facebook que era altamente improbable que tocases en Europa porque tu disco no ha sido publicado aquí. El caso es que yo lo tengo, y seguro que mucha gente más también (Internet facilita hoy día comprar discos de cualquier lugar del mundo) ¡así que podrías replantártelo y tocar en Europa también! (podrías talonear a The New Pornographers en vuestros próximos conciertos europeos?

¡Eres encantador! ¡Creo que intentaré dar algunos conciertos en Europa este año! Pero no hay nada confirmado, está todo todavía en proceso. Dentro de un mes iré bajando la costa de Estados Unidos, para un par de semanas de conciertos y tengo otras fechas planeadas.

Hiciste el diseño de tu disco y está genial, y los dos vídeos, para “Arrow” y “Slip Away” son muy bonitos también. ¿Participaste en ellos o simplemente te pusiste en manos de la gente adecuada para producirlos?

¡Gracias! Tuve gente fastinante para hacer esos vídeos. Dean Tzenos dirigió “Slip Away”, y John Busby dirigió “Arrow”. Yo ayudé con ideas, pero ellos hicieron todo el trabajo de realizarlos.

Has tocado algunas veces en España con The New Pornographers, ¿que recuerdas de esos conciertos?

¡Que la comida era fantástica y el público era increíble! Me encanta España.

¿Qué grupos actuales escuchas?

Últimamente estoy disfrutando del nuevo disco de PJ Harvey “Let England Shake”, también el nuevo disco de The Dodo’s “No colour”, también es maravilloso.

¿Qué canción de cualquier artista de cualquier época, te gustaría haber escrito?

Cualquier canción de Paul Simon. Estoy intentando pensar en alguna particular. Es difícil, ¡tiene tantas canciones buenas!

A veces has usado tu facebook para pedir recomendaciones de libros a tus seguidores, así que ahora te toca a ti; por favor, recomiéndanos tres libros para leer.

Salman Rushdie – La encantadora de Florencia

Haruki Murakami – Crónica del pájaro que da cuerda al mundo.

Angela Carter – Niños sabios

¿Hay algo más que quieras decir a tus seguidores para acabar esta entrevista?

¡Gracias por escuchar!

Interview: Kathryn Calder

2011-04-09T18:14:00.003+02:00

Kathryn Calder started her musical career in the band Inmaculate Machine, which she left after 2 albums and 4 Eps because it was impossible to coordinate with her new role in the New Pornographers, band that she joined before “Twin Cinema” and she is still with them. During 2009 she saved some time for the recording of her first solo album which was released in 2010, called “Are you my mother?” and that was the second best album of the year for this blog. All those musical projects are worth listening and we are also looking forward for her new songs. Now, just before the start of her first proper tour to promote her first solo album in the US, she has been kind enough to answer the questions of this blog. Here is the result.

You started your music career in the band Inmaculate Machine, which you left in 2008, what are your views about that stage?

I love those guys and I grew up in that band. We had so many crazy experiences and did so much travelling together, we became family.

In the album “Fables” you got Alex Kapranos from Franz Ferdinand and the Cribs to do the backing vocals of “Jarhand, how did that happen? Do you still keep in touch with them?

The Cribs were recording in Vancouver with Alex Kapranos producing, and our producers invited them to get a tour of the studio where we were recording. We needed a gang vocal done, and it was perfect. We were so happy they were willing to sing on our album.

I saw a comic in Inmaculate Machine’s website in which, after being challenged by a radio program, you decided to sing a song in Chinese, so sorry, but I really think I ought to challenge you to sing a song in Spanish (come on! I’m sure it would be easier than Chinese! And I’m not asking you to “Sing me Spanish Techno”)

Ha! It was a silly joke! I still can't believe we went through with it but I'm glad we did. It's hard to sing in a language that you don't know!

You play guitar, keyboard, piano, accordion, percussion… did you have musical formation or did you learn all that by yourself?

I took piano lessons, singing lessons, guitar lessons. The accordion I just figured out. I like lessons, it keeps me on track.

You were in an indie band before, but wasn’t it such a nice coincidence finding out that the biological brother of your mother was in an indie band too?

I wasn't in a band yet when I met Carl, I was 14 or 15 and I hadn't learned about rock music yet! I really loved to sing, and meeting Carl was inspiring to me, but I never thought I'd be doing the same thing. As it turns out, the subconscious decisions I was making at the time were all leading me to the path I'm on now.

I suppose, as the New Pornographers were already a bigger band, that you found some differences in playing for Inmaculate Machine and playing for the New Pornographers, what things surprised you more?

Oh they were just such different bands. I was surprised by how difficult trying to be in both bands at the same time was! I thought it would be easy, it was not.

You joined the New Pornographers as a part time member, only for touring, but in the end you have been in the band since “Twin Cinema” and are now totally involved with the band, are you writing songs for the band or do you prefer to keep them for your solo project?

I was on a trial period for about 5 shows, and after that I was a full time member of the band. I don't contribute to the song writing, I leave that to Carl and Dan, but I do contribute creatively by playing on the record and coming up with ideas.

I’ve seen a couple of interviews in which Carl Newman states that, even if he thinks that “Challengers” was the right record to make at that time, he understands that a lot of people didn’t like it, but I like it a lot, am I the only one? What are your views about that record now?

I think a lot of people did like it and some people didn't. I love that record, some of my favourite songs to play are on that record, but in the end it doesn't matter. As long as some people love it, then that's enough.

You (as the New Pornographers and as your solo project) have contributed to campaign with Oxfam and other non profitable organisations; do you think that music can be a good way to make a wider audience notice the activities of those organisations?

Oh I think it's a great opportunity, of course! Lots of musicians support all kinds of charities, and those charities always need support.

About your solo album, even if you recorded it while you were taking care of your mother, and that you can’t exactly call it a happy-shiny-pop record, it isn’t sad or depressing in anyway (even if there are some sad songs). I think that in the end the record makes you feel nice and kind of optimistic was that the intention or it is just something that I see on it?

That was definitely the intention. I didn't want to make a depressing record, because that's not how I see life. I see life as ups and downs that we try to make sense of. So although there are some sad songs, and sad times in our lives, life isn't one dimensional, so I tried to make the record reflect that.

The title of you album “Are you my mother” is inspired by a children’s book, was that book important to you in some way or it was just that you thought the name was right for the album?

I just love that book, and think it's such a sweet story. It popped into my head as the right name for the album, so I went with it. I'll analyse it fully in another few years!

You recorded the whole record at home, but the sound is great and doesn’t sound amateur or anything like that, you also used some items like Kleenex boxes and fling cabinets for percussion, and out of tune piano backwards, what do you recall about the recording?

I recall us having a lot of fun with whatever instruments we had lying around. I love being creative like that. I find it amusing. We recorded it mostly in my mom's living room, but I did have a professional with me to make it sound fancy and good!

I think you are recording new songs, is the recording process like the first one, recording it at home with a lot of imagination and or improvisation or are you recording it a the studio? Will you release a new album or single anytime soon?

The process was very similar to the last record, except I was more prepared this time around. We also used the Hive Studios in Vancouver, and another studio in Victoria to record drums and other instruments. I love recording at home, I prefer it, but you do definitely get more done in a studio because there aren't distractions like laundry and groceries!

You are going to start a proper tour to support “Are you my mother”, and I read once in your facebook that it was highly unlikely to play in Europe because your record is not out here, well I have it, and I’m sure a lot people more too (internet makes it easy to buy records from around the world) so please reconsider it and play in Europe too! (you could support the New Pornographers at least in you next European shows)

You're sweet! I think I will be trying to come to Europe this year! Nothing is confirmed yet, but there's lots in the works. I'm heading out down the coast of the US in a month, for a couple weeks of shows, and I have other dates planned.

You made the original artwork of your record and it’s amazing, and the two videos for “Slip Away”and “Arrow are really beautiful as well. Do you participate in them or did you just rely on the right people to produce them?

Thanks! I had really amazing people making those videos. Dean Tzenos directed Slip Away, and Jon Busby directed Arrow. I helped with the ideas, but they did all the work executing them.

You have played a few times in Spain with the New Pornographers, what are your memories about that shows?

That the food was fantastic and the crowd was really amazing! I love Spain.

Which bands from nowadays do you listen?

I've been really enjoying PJ Harvey's new album 'Let England Shake', also The Dodo's new record,'No Colour', is wonderful too.

Which song, from any other artist of all time, do you wish you had written?

Any number of Paul Simon songs. I'm trying to think of one in particular. That's hard, he has so many amazing songs!

You sometimes use your Facebook to ask for book recommendations by your fans, so now it is your turn; please recommend us three books to read.

Salman Rushdie - The Enchantress Of Florence

Haruki Murakami - The Wind Up Bird Chronicle

Angela Carter - Wise Children

Anything else you would like to tell to your fans to end this interview?

Thanks for listening!

Belong. The Pains of Being Pure at Heart

2011-03-30T20:00:00.001+02:00

No lo tenían nada fácil The pains of being pure at heart. El problema de hacer un primer disco que guste tanto a la gente, que acapare tantos elogios y que aparezca en todas las listas de lo mejor del año es que luego, cuando saques el segundo disco, las expectativas van a estar muy altas y todo el mundo lo va comparar con el primero. El segundo disco es el de la reválida, el que sirve para juzgar si un grupo se va a quedar en un hype o si puede tener continuidad. En mi opinión, TPOBPAH han aprobado, y con nota.

Supongo (aún no he leído críticas del disco por ahí para que no me influyan en esta reseña) que habrá gente que diga que este disco no es tan bueno, que han perdido la inmediatez y que se echan de menos canciones tan pegadizas como las del primer disco. Es cierto que quizá no hay hits tan obvios y direcots como lo eran “Young adult friction” o “Come Saturday”, pero eso no quiere decir que estas nuevas canciones no sean pegadizas.

Si en el disco anterior TPOBPAH bebían mucho de “the Field mice” y del indie pop de toda la vida, aquí las influencias son más variadas.

El álbum lo abre “Belong” tema que adelantaron online unas semanas antes de la publicación del disco y que recuerda y mucho a Smashing Pumpkins (pero los Smashing de “Mellon Collie and the infinite sadness”, no los pseudo smashing pumpkins que siguen por ahí en la actualidad) aunque el resto del disco no sigue tanto ese camino.

“Heaven’s gonna happen now” se abre con unas distorsiones al más puro estilo “Sensitive” de “the Field mice” y demuestra que la inmediatez sigue ahí.

“Heart in your heartbreak” fue publicada en un 7” hace algunos meses y se convierte en una de las canciones más pegadizas del disco, es un single claro, de hecho acaban de sacar un vídeo de la canción (por cierto, que se echa en falta “Say no to love” en el disco, que también era de las pegadizas, pero siempre está bien que no la metan para darle valor al 7” en el que salió). Siguiendo con las influencias “Even in dreams” y, sobretodo, “Girl of a thousand dreams” recuerdan a los primeros discos de Ash y un poquito a Weezer (y esto es un cumplido enorme para las canciones).

Pero mi canción favorita del disco es “My terrible friend” con esos teclados tan adictivos (al estilo de las canciones alegres de “the Cure”) que la convierten en candidata para ser el próximo single de la banda. Otra vez el aire de “The field mice” también está presente, sobre todo en las distorsiones del puente.

En definitiva, a mi me parece que este disco es un gran disco. Todas las influencias que he citado no son una crítica hacia él, sino un elogio, porque a pesar de que todos esos grupos se vean reflejados en “Belong”, TPOBPAH tienen suficiente personalidad como para sonar a ellos mismos y hacer que te preguntes porqué no sacarán otro disco ya.

Queda mucho de 2011, pero me da a mí que este disco estará en la lista de discos del año para este blog.

La única pregunta que queda por contestar es si este disco es mejor que el primero o no, pero creo que es pronto para contestar a eso. Los discos hay que juzgarlos también con el paso del tiempo. El primer disco lo lleva bastante bien y, a pesar de las tropecientas escuchas que le he dado desde que salió, sigue sin aburrirme y pareciéndome una maravilla. Este segundo disco aún no ha tenido tiempo de pasar esa prueba, pero por ahora va por buen camino.

Además, otra buena noticia es que TPOBPAH estarán en España el verano que viene, al menos en el festival Vigo Transforma, así que allí podremos escuchar estas canciones en directo y ver si han mejorado en vivo, porque ese ha sido siempre uno de los puntos que se le ha criticado a la banda

Esta noche volamos (Discografía de The Divine Comedy parte II)

2011-03-23T08:00:00.006+01:00

Tal y como habíamos prometido, seguimos con el repaso a la discografía de The Divine Comedy, si queréis leer la primera parte de este artículo podéis pinchar aquí.

Absent friends

“Levantad vuestras copas por los amigos ausentes”

El título de este disco, el primero desde que Neil Hannon separa su banda y sigue su carrera en solitario no puede ser más claro, “amigos ausentes”. Aunque en la canción “Too young to die” publicada en el recopilatorio “A secret history” Neil Hannon decía que era hora de cambiar, de decir adiós a sus trajes y sus corbatas, después de Regeneration parece que se lo pensó un poco mejor y decidió volver a lo que mejor se le daba, hacer canciones bonitas y dar imagen de eterno seductor y caballero inglés. En este disco los trajes vuelven a aparecer, dejando atrás la imagen de grupo Indie del montón que aparecía en “Regeneration” . Es cierto que aún así la imagen es más desenfadada que antes, sin corbata y con camisas con más colorido y grandes solapas, mucho más solemne que en "Regeneration", pero ese aire que impregnaba sus discos anteriores vuelve a estar ahí. Y la vuelta atrás no es sólo en cuestión de imagen, también en lo musical, “Absent friends”, canción que abre el disco, mira hacia los tiempo de “In pursuit of happiness, “Come home Billy Bird” trata, sin conseguirlo del todo, de conseguir el single instántaneo que fue “Something for the weekend” y “Our mutual friend” podría haber formado parte de “Fin de Siecle” sin ningún problema, y pronto se convertiría en un clásico de sus conciertos gracias a la historia que narra su letra. También destaca la colaboración al acordeón de su amigo Yann Tiersen en “Sticks and Stones". Probablemente este no fuera el mejor disco de The Divine Comedy (“Leaving today” o “the wreck of the beautiful” son canciones que te dejan un poco frío) pero incluía suficientes temas interesantes para confirmar que aún podíamos seguir esperando mucho de los discos de Neil Hannon.

Victory for the comic muse

“Araré mi propio sendero, seguiré mi propio camino”

Este disco es otro pasito adelante hacia los mejores discos de Neil Hannon, ya el título es un guiño a sus inicios, recordando ese primer disco del que siempre ha renegado que fue “Fanfare for the comic muse”. En general es un album mucho más animado y menos solemne que el anterior. Se abre con “To die a Virgin” que, como podéis imaginar va sobre los intentos desesperados de un adolescente por perder la virginidad y desde el principio se ve que el disco es más desenfadado, con más optimismo. Luego “The Light of day” recupera la línea de las mejores canciones de amor del grupo, y podría haber entrada fácilmente en “Casanova” o “A short album about love”. “A lady of a certain age” es probablemente la mejor canción del disco, y una de las mejores canciones de la carrera reciente de Neil Hannon; la canción narra la historia de una señora de la alta sociedad venida a menos y que sólo sobrevivie gracias al recuerdo de los tiempos pasados y a los halagos de los hombres más jóvenes que aún se sienten atraídos por ella y por su halo de grandeza, la letra no tiene desperdicio. “The Plough” también tiene una letra de esas que sólo Hannon sabe hacer, sobre un hombre que intenta salir hacia delante siguiendo su propio camino, encontrándose una y otra vez perdido y cambiando de dirección por culpa de la estupidez de la gente que le rodea. La historia te mantiene pegado a la canción mientras las cuerdas aumentan la tensión y el tono solemne de la canción, al estilo de “Our mutual friend” en el anterior disco. Quizá lo más flojo del disco son los singles, en los que parece que Neil Hannon sigue buscando un hit que le devuelva a lo más alto de las listas británicas sin conseguirlo, pero el disco seguía manteniendo fresco nuestro interés en sus canciones.

Bang goes the knigthood

“Algún bajareis la guardia y volveré a aparecer de nuevo”

Este disco me parece, sin duda, su mejor disco desde “Fin de Siecle”, y eso es mucho decir. Quizá influya el hecho de que el grupo abandone Parlophone y pase a autoeditar sus discos baja su propio sello, concediéndole una mayor libertad. Los anteriores dos discos de los que he hablado en esta segunda parte de la discografía del grupo creo que son discos que te gustarán mucho si ya eras fan de antes, pero quizá no conseguirían crear nuevos fans. En cambio este disco sí que creo que es capaz de crear nuevos fans. Porque “Down in the street below” recuerda a las canciones a piano del “Promenade”, “Neopolitan girl” hace que te den ganas de bailar desde los primeros acordes y “At the Indie Disco” vuelve a ser ese single pegadizo que Neil Hannon llevaba buscando desde hace tanto tiempo. No en vano, son ya muchos años en el mundo de la música y hace ya tiempo que dejó de experimentar y se dedica a lo mejor que sabe hacer, bonitas canciones, pose de caballero inglés y exquisitos arreglos para embellecer todo el conjunto. En Bang goes the knighthood hay canciones sobre los banqueros que provocaron la crisis económica, un caballero inglés que esconde un oscuro secreto, las discotecas indies, la vida de una chica en la Italia de la postguerra y, como no, canciones de amor que podrían haber formado parte del antiguo disco “A short album about love” como “Have you ever been in love” o “I like”. Bang goes the knighthood es un disco que se disfruta de principio a fin, que suena mucho más fresco de lo que cabría imaginar de un música que lleva tantos años de carrera. En este disco vuelve la corbata, acompañada además por el bombín y el maletín típicos de un banquera de la city de Londres del siglo pasado. Además fue el número 8 de nuestra lista de los mejores discos del año 2010 para este blog, y os aseguro que cualquiera de esos 10 discos, merecen mucho la pena.

Francis MacDonald: Maculate Conception

2011-03-21T21:24:00.002+01:00

Francis MacDonald, actual batería de Teenage Fanclub, ex-miembro de BMX Bandits y que sacó dos discos en solitario bajo el pseudónimo de Nice Man (como veis, todo cosas muy recomendables, de hecho sus dos discos en solitario son de esos que pasaron más desapercibidos de lo que merecían) , representante de artistas y jefe de la discográfica Shoeshine, saca ahora con su propio nombre un disco instrumental llamado "Maculate Conception". El disco ha sido grabado durante la última gira por Europa de Teenage Fanclub, autobuses y habitaciones de hoteles(lo que demuestra lo bien que se pueden grabar cosas hoy día con un ordenador y talento), y, en cada canción, rinde un homenaje a algunas de las etapas de dicha gira, sirviendo de banda sonora perfecta para los desplazamientos.

Lo mejor de todo, es que el disco se puede descargar de forma gratuita, durante una semana al menos, en el siguiente enlace:

http://www.francismacdonald.com/

A continuación copio el tracklist del disco, nosotros ya lo hemos descargado:

1. Bremen 04:46

2. Aarhus 02:34

3. Oslo 02:35

4. Paris 01:04

5. Helsinki 02:54

6. Gothenburg 2 02:06

7. Aarhus 2 03:56

8. Croatia 03:22

9. Toulouse-Barcelona 01:25

10. Paris 3 02:27

11. Malmo 02:22

12. Weissenhauser 2 03:08

Esta noche volamos (Discografía de The Divine Comedy parte I)

2011-03-18T21:47:00.010+01:00

Allá por el año 2002, cuando los fanzines en papel aún tenían cierta distribución, participé en el fanzine Starshy con una retrospectiva de la discografía de The Divine Comedy, bajo el título de “Esta noche volamos”.

El motivo era que después de sacar Regeneration como una banda, en lugar de cómo el proyecto personal y exlusivo de Neil Hannon, éste daba marcha atrás y decidía volver a seguir por su cuenta. Desde entonces The Divine Comedy ha sacado tres discos más que obviamente no están en esta retrospectiva, así que he decidio actualizarla y completarla.

Neil Hannon toca el próximo viernes en 25 en Toledo y el sábado 26 de marzo en Santiago de Compostela, en la sala Capitol, (si quereis haceros una idea de qué podéis encontraros en esos conciertos podéis leer aquí la reseña que hicimos de su concierton en noviembre en Guimareaes) así que creo que es un buen momento para echar la vista atrás en el tiempo y ver qué puede ofrecer. Es algo parecido a lo que hicimos en diciembre con la discografía de the Lucksmiths (aquí y aquí).

Como The Divine Comedy tiene un montón de discos, voy a hacer esta entrada en dos partes, publicando hoy el artículo que publicó Starshy en 2002 (no he tocado nada, aunque después de tantos años quizá cambiaría algún detalle) y en un par de días hablaré de los últimos discos del grupo. Tened en cuenta que este artículo es de 2002, así que cuando hablo de último disco y otras referencias temporales, hay que pensar en el contexto del artículo.

Pues nada, os dejo con la primera parte de la discografía de The Divine Comedy, en un par de días, vendrá el resto.

ESTA NOCHE VOLAMOS (Discografía de The Divine Comedy parte I)

A finales de 2001 se confirmaba la noticia de la separación de “the divine comedy”, algo que en realidad no tiene mucha importancia, ya que sólo se ha disuelto la banda, pero Neil Hannon va a seguir sacando discos bajo el nombre de “the divine comedy” y por mucho que digan ellos, “the divine comedy” es Neil Hannon, así que sus discos seguirán teniendo grandes canciones.

Neil Hannon es un norirlandés, rubio, bajito, multiinstrumentista, con una voz impresionante, y sobretodo un gran compositor, capaz de evolucionar disco tras disco, vamos a hablar de esa evolución, empezando por “Liberation”, ya que aunque hay un disco anterior “Fanfare for the comic muse”, está totalmente descatalogado y Neil Hannon no tiene ninguna intención de reeditarlo; ese disco se grabó como un grupo, pero luego Neil Hannon se quedó sólo, se puso un traje y empezó la historia “oficial” de “the divine comedy”.

Liberation

“La llave gira y el motor se pone en marcha”

Primer disco oficioso de “the divine comedy”, a pesar de algunas colaboraciones, Neil Hannon toca casi todos los instrumentos él mismo. Son trece canciones que ya empiezan a presagiar lo que iba a ser el futuro del grupo, con canciones inmensas como “your daddy´s car” o “the pop singers fear of the pollen count”, regrabada después como single del recopilatorio de la banda. También hay una primera versión de “Timewatching” que aparecería después en “a short album about love” en una versión distinta. Por lo demás, canciones muy variadas entre si como “queen of the south”, “Bernice bobs her hair” o la sorprendente “europop”, primer acercamiento al pop electrónico, que tendrá continuidad después en la discografía del grupo.

El disco apenas tiene repercusión, pero enseguida Neil Hannon se pone a trabajar en otro disco, con más colaboraciones, metiendo más orquesta y sonando más y mejor.

Promenade

“Es un poco extraño volver aquí otra vez”

“Promenade” tiene once canciones, que en su gran mayoría tienen como nexo común el mar. A pesar de una mejora en los arreglos, sigue sonando un poco amateur, como “Liberation”. En “Promenade” se encuentra una canción que es, para mí, una de las mejores del grupo, “the summerhouse”, canción tranquila, con una bonita historia y en la que Neil Hannon demuestra que tiene una de las mejores voces del pop británico. “The booklovers” se centra más en la música, siendo casi una canción instrumental, aunque tiene una letra, en la cual Neil Hannon pasa lista a un montón de escritores que le responden de distinta manera (“Edgar Alan Poe: Aaaargh!!” “Gabriel García Márquez: Mi casa es su casa”): No tan intelectual resulta “a drinking song”, en la que ensalza la bebida y a los borrachos, pero eso sí, con clase. El disco se cierra con “tonight we fly” (mi canción favorita del grupo), preciosa canción con el ritmo muy marcado por el piano y la percusión, dónde llega a la conclusión de que si lo que hay tras la muerte nos decepciona no nos importa porque esta vida es la mejor que hemos tenido.

Este disco tuvo más repercusión en Francia, donde “the divine comedy” empezó a llenar teatros antes de que los ingleses se diesen cuenta de que había un músico en una pequeña discográfica independiente (Setanta) que crecía disco tras disco. No tardaron mucho los británicos en percatarse de su presencia, tuvieron que esperar a escuchar “something for the weekend”.

Casanova

“Canciones de amor”

“Casanova” muestra a un Neil Hannon totalmente maduro y apoyado ya por un buen número de músicos. Posiblemente sea el mejor disco del grupo, y no sólo por “something for the weekend”, primer single que tuvo repercusión en las islas, pero el disco se abre con esa canción, con esas risas( de dos chicas que hacían prácticas en Setanta) y Neil Hannon relatando la historia de una pareja, en la que en un principio el hombre engaña a la mujer, pero al final es ella quien le engaña, haciéndole ir al cobertizo donde le golpean y le roban su dinero y su coche. Como decía el disco no es sólo esa canción, “songs of love”(canción que abría la serie inglesa “father Ted”) o “ a woman of the world” reafirman que “casanova” es un gran disco. Un gran disco que se cierra que se cierra con tres canciones que deben ser escuchadas seguidas, porque sino pierden bastante; son tres canciones que representan todos los registros de “the divine comedy”( a excepción quizá de su lado electrónico, aunque éste es más reducido). La primera de éste trío es “trough a long and sleepless night”, que refleja el lado más oscuro de la banda, al igual que temas como “charge” o “Eric the gardener”; al final de de “trough a long and sleepless night” la voz de Neil Hannon se eleva sobre la orquesta para dar paso a una canción instrumental “theme from casanova”, y cuando definitivamente se apagan las trompetas, los violines, el piano y los demás instrumentos, empiezan a oírse ladridos y el galopar de caballos, con los primeros acordes de “the dog and the horses”, canción dedicada a sus amigos de cuatro patas(los agradecimientos del disco los cierran “all the four-legged friends), Neil Hannon despide el disco(“goodbye” es la última palabra).

A parte de las canciones mencionadas, también aparecían en este disco “becoming more like Alfie” y “the frog princess”, que también fueron singles, además de “in and out in Paris and London” y “Middle class heroes”.

Después de este disco tan intenso, había que serenar un poco el ritmo, y esto ocurrió con la publicación de un mini-album.

A short album about love

“Persiguiendo la felicidad”

Este disco es, sin duda, un disco espléndido, lo único que hace que “Casanova” me guste más es que al escuchar las siete canciones que lo componen, me quedo con ganas de oír más temas; por suerte esto fue resuelto con una reedición del disco que incluía cuatro temas extra. El disco, como su nombre indica, está formado por canciones de amor, de amor alegre (“in pursuit of happiness”), desesperado (“everybody knows (except you)”), exagerado (“if”), solemne (“timewatching”) o presuntuoso (“I´m all you need”). Desde el principio te engancha, con unos textos irónicos, divertidos, casi perfectos. El “éxito” de este disco fue “everybody knows (except you)”, pero no se pueden olvidar canciones como “if I were you (I´d be trough with me)” o “I´m all you need” de la que el dueño de Setanta dijo que era tan buena, que en vez de sacarla como single, tuvieron que publicar un mini-album alrededor de ella.

La reedición completa el disco con “motorway to Damascus”, que la verdad es que una de las canciones que menos me gustan del grupo, pero las oras tres si que merecen la pena; “Love is lighter than air” primera versión de “the Magnetic Fields” que hizo Neil Hannon( luego seguirían “Famous”, “Whith whom to dance” o “the dead only quickly”, no sé si me dejo alguna), la versión está muy lograda, con un ritmo que la de Stephin Merrit. Tras esta versión viene “the birds of paradise farm”, y finalmente cierra el disco otra versión, en este caso de “make it easy on yourself”, grabada en directo, y en la que Neil Hannon vuelve a mostrar su gran voz, arropada por una orquesta que suena genial, y dejando en buen lugar la canción de Burt Bacharach.

Tras este disco se acabó la serenidad, se acercaba el fin de siglo, y Neil Hannon preparaba algo grande y con mucha fuerza.

Fin de siecle

“Un rayo de esperanza”

Este disco fue el que peores críticas recibió, aunque probablemente no las merecía; sin duda es un gran disco, pero más difícil que los anteriores, exceptuando quizás “Generation sex” o “National express”, el resto no son canciones que a la primera escucha te dejen un estribillo grabado en la mente. Se le achacó, y se le achaca, que aquí los arreglos, la instrumentación, eran excesivos; yo no lo creo, este disco es la inquietud, la paranoia ante ente la llegada del fin de siglo, una cumbre en la discografía de “the divine comedy”, un tope que no se podía sobrepasar; en general es un disco pesimista, y los arreglos tratan de trasmitir ese pesimismo, cierto temor e inquietud. A excepción de los dos singles antes señalados, “Commuter love” sigue la línea de las canciones de amor de discos anteriores aunque con un tono mucho más oscuro, pero esta canción es muy buena, y los arreglos también, sobretodo los coros finales de Hillary Summers elevándose sobre las guitarras; ese tono oscuro continúa en temas como “Sweden”, “Thrillseeker”, “Life on Earth” o “Eric the gardener”. El pesimismo del disco se muestra en “The certainty of chance” y definitivamente en “Here comes the flood”, se acerca el diluvio universal, el fin de la vida, como se relata en el pasaje hablado de la canción, con una carrera que terminará con todas las razas, una carrera entre el sida, el niño, la falla de San Andrés, la guerra química, la recesión global y los conflictos interraciales. Pero no todo iba a ser pesimista, a pesar de todo lo expuesto anteriormente en el disco, al final hay un rayo de esperanza, un rayo de luz en la oscuridad, es el sol que se levanta; en esta última canción, “Sunrise”, Neil Hannon, a pesar de haber crecido en la convulsa Irlanda del Norte, todavía confía en que las cosas van a mejorar; esta es otra canción en la que la voz de Neil Hannon prácticamente enmudece al acompañamiento instrumental.

El disco se completa con la ya mencionada “Generation sex”, que se abre con un monólogo feminista tomado del Show de Jerry Springer, y en la que destacan los arreglos de cuerda finales, y “National express” canción que ha sido el single que más alto ha llegado en las listas británicas.

¿Ahora que? Era la pregunta, este disco, como decía, era un tope, la orquesta alcanzó su punto máximo, no se podía seguir por ese camino; había dos opciones, volver a los discos anteriores o seguir evolucionando, pero con un cambio radical en su estilo, al final se inclinó por la segunda opción.

A secret history. The best of the divine comedy

“Quizá sea el momento para cambiar”

“The divine comedy” iba a cambiar de compañía, finalmente firmaba por una multinacional, pero antes Setanta tuvo su disco de despedida, un recopilatorio (que además era la referencia número 100 del sello) y que publicó en una edición limitada con un cd de rarezas y un libro lleno de fotos y textos sobre la historia y los discos del grupo. Pero en lo que es el recopilatorio en sí, “A secret history”, se incluyen dos canciones nuevas “The gin soaked boy” y “Too young to die”, especialmente significativa es esta última; en ella, Neil Hannon nos avisaba que se acercaba un cambio y nos explicaba sus razones, a partir de ahora no habría más trajes, camisas y corbatas, porque él no era así, según el propio texto de la canción, vivía en una mentira desde el día en que llegó y se tenía que liberar de esa parte de él, que valora el arte sobre la humanidad. Otra cosa es lo que pensemos sus seguidores, a los que nos gustaban esos trajes, esa comunicación en los conciertos, esa actitud (aunque no me guste la palabra), eso era “the divine comedy” y nos gustaba ¿a quién le importa que todo fuese mentira?

El disco de rarezas contiene canciones muy reseñables como “National express” en directo(que gana muchos enteros respecto a su versión en disco), la versión de “Life on Mars” de David Bowie (en la que colabora Yann Tiersen), “Bleak Landscape” (demo de la época de “Liberation” de una canción del “Fanfare for the comic muse”), “Bernice bobs her hair”( en una versión mucho más enérgica en directo) o “Soul destroyer” (sorprendente canción que formaba parte de la maqueta que recibió Setanta de “the divine comedy”); además el cd se cierra con Neil Hannon y su guitarra cantando el “Moon River” que compusiera Henry Mancini para Audrey Hepburn en “Desayuno con diamantes”.

El cambio era ya casi un hecho, luego habría que valorar si era un cambio para mejor o para peor.

Regeneration

“Ama lo que haces”

Personalmente opino que el cambio fue para peor; esto no quiere decir que el disco sea malo, es un disco con canciones de Neil Hannon y como tal es un buen disco, pero ese es el problema, que es un disco con canciones de Neil Hannon y no un disco de “the divine comedy”. Si el “Fanfare for the comic muse” era el primer disco pero no se considera como tal, con este me pasa lo mismo, para mí el último disco de “the divine comedy” ha sido “fin de siecle”(el recopilatorio no lo cuento porque no es un disco con canciones nuevas) y este disco es de otro grupo. Porque muchas cosas han cambiado desde “fin de siecle”, ahora están en otra compañía, con otro productor(Neil Godrich, que va muy bien para Radiohead pero no para “the divine comedy”); ahora es un grupo(no Neil Hannon y colaboradores) y trabajan de otra manera, Neil Hannon hace la base de las canciones con la guitarra y todos aportan cosas para conseguir el resultado final., con lo cual ya no es un disco personal de Neil Hannon, y también ha cambiado el diseño, siendo un grupo no es lógico que aparezca Neil Hannon sólo en la portada. En los anteriores disco, Neil Hannon había trabajado con el fotógrafo Kevin Westenberg para realizar las portadas y libretos de los discos, así “liberation” recoge fotos en un parque de Londres, “Promenade” en París, “Casanova” en Venecia, “A short album about love” en Nueva York y “Fin de siecle” en Viena; en “Regeneration” la portada no es una foto de Neil Hannon y las fotos del grupo en la contraportada y en el interior no las hace Kevin Westenberg.

En cuanto a la música, es más oscura, la voz de Neil Hannon y la gran orquestación que eran los elementos que sobresalían en los discos anteriores quedan ahora en un discreto segundo plano. A pesar de todo hay canciones muy buenas, como “The perfect lovesong”, que es la canción que más recuerda a los discos anteriores, “Love what you do”, acercamiento a “the magnetic fields”, “Mastermind” o “The beauty regime”.

El cambio también se nota en directo, no sólo en el hacho de que ya no vaya vestido de traje, sino en la forma de tratar al público, antes era comunicativo, hablaba con él entre canciones, lo animaba, ahora como mucho dice el título de la canción. Su último concierto en el FIB no me gustó demasiado, pero siempre nos quedará el recuerdo de grandes conciertos a quienes los vimos en ocasiones anteriores.

Continuará

Un Soplo En El Corazón [Family, 1994]

2011-03-15T16:55:00.014+01:00

En la primavera de 2004 las portadas de los periódicos estaban copadas, entre otras cosas, por la polémica peli de M.Gibson sobre la pasión de cristo, y, sobre todo por el desastre del 11-M.

En ese ambiente agitado nosotros nos movíamos entre asignaturas de informática haciendo cálculos para ver cuál de ellas nos iba a hacer quedarnos aquel agosto en la ciudad, perdiendo más tiempo en hacer números que en estudiar realmente para evitarlo, utilizando el viejo ordenador de sobremesa para navegar por los - todavía casi desconocidos - blogs que hablaban de música, películas y libros en los que querrías aparecer. Saltando de uno a otro de esos blogs que sólo eran capaces de manejar personas que sabían de informática.

En uno de esos blogs difíciles de manejar aparece por primera vez para mí y mi entorno "Un soplo en el corazón" de Family, contado de principio a fin por el autor, canción a canción.
El autor escribe y canta su día a día utilizando los discos que le han salvado la vida tantas veces como hilo argumental, hablando de cosas tan comunes como sus viajes en autobús hasta el trabajo, con el set de CDs elegido para la jornada de ese día.

El autor contando como, a pesar de ir con los auriculares de su discman con el volumen al máximo, sigue escuchando a las señoras cotillas de la fila de delante hablar sobre el programa del corazón del pasado fin de semana.
El autor sintiéndose un poco especial por estar escuchando a tope a Jarvis Cocker en un autobús lleno de gente hablando sobre la última jugada de la Pantoja.

7 años más tarde, el pasado sábado, en el Madrid PopFest la Cola Jet Set versionan varios temas de Family en una mezcla divertida, haciendo disfrutar al autor de aquel blog y a todos los que estábamos allí.

"Un soplo en el corazón" es el primer y único diso de Iñaki y Javier, Family.
14 canciones que hablan de forma sencilla de otras tantas cosas de las que te gustaría haber sido protagonista, y para nosotros, por aquel entonces, 14 canciones con frases que pueden hilarse para contarle a un desconocido qué pasaba por nuestras vidas y por nuestras minicadenas/emepetreses durante aquel año de estudiar con pereza y de agostos en la ciudad, el año de querer decir cosas como "me gusta mirar tu cara graciosa cuando bebes limón" y que suene tan bien como cuando lo dice Aramburu.

Todos nosotros cantando a Carlos Berlanga con "Carlos Baila", sin saberlo.
Aprendiendo a cerrar bien nuestro pequeño mundo para poder curar cualquier herida ("Al otro lado"), y observando cómo les estalla el corazón a las chicas sonrientes al ver a los chicos montando en motocicleta ("El Buen Vigía").
Y, quien más quien menos, descubriendo por fin la sintonía del programa de cadena 100 primero y los 40 después, "Viaje a los sueños polares", que nos mandaba en un viaje infinito, yendo hacia aquel lugar de infinitos abedules cuando pesen demasiao la rutina, el trabajo y la vida en la ciudad, con la tonta ilusión del que comienza un viaje a cualquier lugar.

Aramburu (tú, nosotros) con ganas de fiesta, deseando que llegase "El Bello Verano", con ganas de nadar en el mar y poder reescribir el final de aquel verano en el que fuimos novios, y dejar lejos los ordenadores y el álgebra binaria.

A nuestro alrededor todo el país convulso, y nosotros pensando que Aramburu te había perdido una tarde de abril de 10 años antes ("Yo te perdí una tarde de abril"), y llevaba desde entonces siendo un lagarto.

Después de ese disco, Aramburu siguió su trabajo como ilustrador, haciendo, entre otras cosas, las portadas de grupos como Los Planetas y La Buena Vida... y dando clases de surf en el norte. Dejándonos a nosotros con cara de circunstancias, desde entonces y hasta ahora, maltratando ese disco de nuestra estantería cada vez que nos da un soplo en el corazón.

Y con unas inexplicables ganas de nadar en el mar.

http://www.goear.com/listen/6f8f82c/el-bello-verano-family

Ya está aquí el Madrid Popfest 2011!

2011-03-01T21:00:00.003+01:00

Cada vez se acerca más el Madrid Popfest 2011 (11 y 12 de marzo) y en este blog cada vez tenemos más ganas de que llegue.

El Madrid Popfest es la primera edición en España de un festival de indiepop que se celebra en todo el mundo (Nueva York, Londres, Boston, Roma, etc) siempre organizado de manera independiente por gente cuyo único interés es promocionar a los grupos de indiepop, consagrados y no tan consagrados, aún a riesgo de perder dinero.

En el caso del Madrid Popfest los organizadores son parte de los miembros del foro de indiepop “People like us” (muy recomendable para estar al día de lo que se cuece en relación al indiepop y a un montón más de cosa sobre música en general) que arriesgan su dinero (una de las premisias de los popfest es que no hay patrocinadores, así que aquí ninguna marca de cerveza pone dinero) y dedican parte del poco tiempo libre que disponen a organizar este evento, por lo que tienen todo el apoyo y respeto de este blog.

Es importante apoyar iniciativas de este tipo porque, de otra forma, sería muy complicado poder disfrutar de los grupos extranjeros que participan en la fiesta y a los que no les resultaría rentable organizar giras por nuestro país. Además se apoya a un interesante conjunto de grupos nacionales que merecen mucha más atención de la que tienen, porque no siempre lo mejor del indiepop viene de fuera.

Para más información (y escuchar alguna canción de estos grupos), visitad su nueva y flamante web aquí. Para comprar abonos o entradas de día aquí.

¿Vais a dejar la oportunidad de ver en directo a Allo Darlin’ (mejor disco de 2010 para este blog), Tender trap (todo lo que haga Amelia Fletcher merece la pena), the Orchids, Colajet Set, Aias, Fred i Son y muchos más? Nosotros no.

Copio el cartel completo, despuées del salto, con los horarios para que os hagáis una idea de lo que ofrece este festival.

Viernes 11 de marzo:

Sala Clamores.

Apertura de puertas: 19:00.

19:30 : Los Autocratas.

20:30 : Horowitz.

21:30 : Zipper.

22:30 : The Orchids.

23:30 : Allo Darlin'.

Pinchadas en Fun House comenzando alrededor de la 1:00.

Djs: Bonnie & Clyde (Razzmatazz, BCN) y Miguelink (La [2] de Nitsa, BCN).

Sábado 12 de marzo:

Sala Clamores.

Apertura de puertas: 19:00.

19:30 : Aias.

20:30 : Fred i Son.

21:30 : The Blanche Hudson Weekend.

22:30 : Cola Jet Set.

23:30 : Tender Trap.

Pinchadas en Fun House comenzando alrededor de la 1:00.

Djs: Rocker (The Flatmates - The Rosehips, UK) y Madrid Popfest Djs: Desnatado (BCN) & 7iete Pulgadas (MAD).

Súper8 [Los Planetas, 1994].

2011-02-24T09:23:00.007+01:00

Década de los 90, uniforme gris, zapatos castellanos y Jota de los planetas cantando en la habitación de P.

Eso es lo que recuerdo cuando suenan los planetas cantando ¿Qué puedo hacer?, De Viaje, o Brigitte, todo porque Jo. grabó una cinta para P. con canciones de varios de los grupos que le gustaban, entre los que estaban los Stone Roses, Ride, Oasis y Los Planetas con estas tres que he mencionado y que abrían una de las caras de la cinta, que no dejó de sonar en esa enorme minicadena de doble pletina que ahora parece tan obsoleta.

Por eso, entre los discos que puedo recordar conocer primero se encuentra Súper8 de Los Planetas, y estas tres canciones en las que el chico pierde, gana, y se queda en ascuas.

1. Una canción en la que es que no: ¿Qué puedo hacer?

Nosotros nos sentábamos en la cama de P. y mientras, Jota se quejaba de que siempre iba al Amador por si aparecías porque ya no sabía qué hacer, él se pasaba por tu casa 20 veces y a mí sin llegarme los pies al suelo.

Todas las tardes la misma historia al llegar del colegio, y aunque por aquel entonces no sabía(mos) lo que era el Amador ni le daba mucha (ni poca) importancia a lo que Jota estaba contando en su canción, nosotros cantábamos qué puedo hacer si después de tanto tiempo no te dejo de querer, y si después de todo el tiempo que ha pasado si nos vemos no sé lo que hacer, sin tener ni la menor idea de lo que estábamos diciendo, que no era otra cosa que tú pasando de Jota y él mientras tanto escuchando a Ian Curtis y buscándote por Granada.

Cantábamos todo eso que sonaba tan bien, formando una imagen chocante y tonta con esa mezcla de niña-con-uniforme y canción sobre desastres amorosos, haciendo que algo no cuadrase en la foto.

Ya años después la letra cobra sentido para todos, acabamos entendiendo sin problema qué es lo que le pasa a Jota, que no es que sea un quejica y que ¿Qué puedo hacer? de los planetas es una de las mejores canciones del pop de los 90, porque tú al final no apareciste y Jota siguió yendo al Amador...

...Sólo por si las moscas.

2. Una canción en la que es que sí: De Viaje.

Cuando uno se enamora ve la vida como si nada pudiese estropear las cosas, aunque la dependienta del café te haya puesto perdido con un capuccino caliente, no te importa nada, te crees que la cajera antipática del supermercado te ha sonreído, y todo lo que está por llegar sólo puede ser fascinante porque a fin de cuentas estás enamorado.
Con la canción 1 uno terminaba preguntándose cuándo se iba a acabar eso de ir por los bares pensando en si te ibas a encontrar con la chica, pensando primero que a lo mejor conviene no salir por un tiempo, y pensando después que quizá no es tan malo ir cerrando los bares para ver si así se te quita el soplo del corazón... en esta lo que pasa es que Jota se ha vuelto a enamorar y está flotando, como les es propio a los enamorados.

Él, de tanto flotar, quiere irse lejos, porque a fin de cuentas, teniendo a la chica le sobra todo lo demás, incluyendo la sonrisa de la cajera antipática.

La Marta de 1994 sólo imaginaba a dos personas en un minicohete biplaza destino El Sol, sin terminar de sentirse cómoda con la idea de ir directos a una estrella incandescente, por mucho que fuese con la persona más importante del mundo.
Nosotros ahora, lejos de sorprendernos con la idea, asentimos con la cabeza, porque todos hemos querido alguna viajar a londres, roma o berlín con él/ella.

Y, si me apuras, hasta a katmandú.

3. Una canción en la que no sabemos: Brigitte.

En las canciones, como en la vida real, las cosas no son siempres blancas o negras, no siempre se sabe si el chico gana o si va a terminar perdiendo a la chica.
Lo primero que se escucha en Brigitte es a Jota escondiendo la cabeza bajo la almohada para ver si despierta de la pesadilla, esperando que todo sea un sueño, y que la chica no se haya ido.
'A veces pienso que tan sólo ha sido un sueño y que aún estás aquí' canta jota, que intenta por todos los medios hacerte entender que estás equivocada, que él no ha hecho nada y que tienes que volver, a ver si con suerte escuchas la canción y lo comprendes todo, a ver si con suerte vuelves a confiar en él...

A ver si con suerte todo ha sido un sueño...

Y nosotros nos quedamos todos expectantes, esperando que esta vez el chico gane, esperando que al terminar la canción tú te decidas por llamar a Jota.

Entrevista: The Lucksmiths

2011-02-20T13:42:00.005+01:00

(If you want to read this interview in english, please click here)

Hace unos 8 o 9 años, cuando escribía para el fanzine Starshy (cuando aún se hacían fanzines en papel) tuve el placer de entrevistar a Marty Donald de the Lucksmiths, justo antes de que el grupo terminase de grabar Naturaliste. Desde entonces, el grupo sacó “Naturaliste”, “Warmer corners”, el doble recopilatorio de rarezas “Spring a leak” y “First frost”. Luego el grupo decidió separarse e hizo una extensa gira de despedida por Europa y Australia, cuyo último concierto de despedida ha sido inmortalizado en el DVD “Unfamiliar stars”, publicado recientemente por Lost and Lonesome Recordings y Matinée Recordings, con un documental extra sobre los últimos tiempos del grupo. En este blog siempre hemos sido muy fans de the Lucksmiths (de hecho hicimos un extenso repaso a su discografía aquí y aquí), así que no podía dejar pasar la oportunidad de volver a entrevistar a Marty Donald, y preguntar todas esas cosas que quedaron en el tintero desde la primera entrevista hace ya tanto tiempo. Aquí tenéis el resultado, una extensa y sincera entrevista que resolverá a muchas de vuestras dudas sobre el pasado y quizá futuro de este gran grupo.

Intenta volver atrás en el tiempo, a tus primeros días en el grupo, y dime qué pensaría el joven Marty Donald que grabó “First Tape” si hubiera escuchado en esa época “First Frost”… ¿Se reconocería en esas canciones? ¿Y se reconoce el Marty Donald actual en “First Tape”?

Marty Donald: No estoy seguro de que hubiera pensado sobre “First Frost” hace tantos años. ¡Creo que lo hubiera encontrado un poco lento en algunas partes! Pero creo que hay suficientes nexos de unión entre nuestros primeros trabajos y las últimas canciones que escribimos, así que hubiera encontrado bastantes cosas que me gustaran en ellas. También me habría impresionado mi habilidad musical, ¡particularmente mi movimiento de dedos en “California in Popular Song”! He tenido que escuchar un poco las canciones de “First tape” recientemente, porque le encanta a mi hijo pequeño (¡aunque no más que “First frost”!) y no me gusta nada. Encuentro la mayoría de las canciones desesperadamente naive y vergonzosas. La única excepción es “Weatherboard”, que volvimos a tocarla para nuestros conciertos de despedida, y que creo que se mantiene sorprendentemente bien entre nuestros trabajos posteriores.

Piensa en la discografía pasada de the Lucksmiths; se que es difícil, pero por favor trata de coger sólo un disco y una canción favorita.

MD: Escoger una canción favorita es demasiado difícil. Hay muchas canciones que he escrito que me gustan por diferentes motivos. Creo que “Warmer Corners” es probablemente nuestro mejor disco (por razones de las que luego hablaré); ese fue con seguridad el mejor conjunto de canciones que escribí para The Lucksmiths. Así que si me presionas mucho probablemente elegiría una de estas: quizá “A Hiccup in Your Happiness”, “The Chapter in Your Life Entitled San Francisco”, o “Fiction”.

Después de ser tres en el grupo durante muchísimos años, al final se unió un cuarto miembro, Louis Richter. Creo que el sonido mejoró con él en el grupo, tanto en directo como en disco, ¿cómo decidisteis pedirle que se uniera y qué crees que aportó a la banda?

MD: Nuestros arreglos se hicieron gradualmente más complejos con el paso de los años, y empezamos a encontrarnos con que había más canciones que no podíamos tocar correctamente en directo si éramos tres en el grupo. Hemos tenido gente tocando la guitarra y los teclados y otras cosas con nosotros cuando hemos podido (Darren Hanlon y Drew Cramer, entre otros). Además de su propio grupo, Mid-State Orange (que a todos nos encantaba, y todavía nos encanta), Louis estaba tocando la guitarra con Anthony Atkinson (creo que debería señalar que él todavía sigue, y que ahora yo toco el bajo en el grupo). Cuando fueron de gira con nosotros al publicar “Naturaliste” y “A Little Distraction”, cogimos a Louis para que nos ayudara en algunas canciones. Inmediatamente encajó, tanto musical como personalmente (algo que no es fácil cuando un grupo ha estado junto durante una década o así) así que ya le teníamos. Creo que pronto se notó que para nosotros era mucho más divertido tocar con Louis en el grupo que sin él. Creo que nunca le pedimos oficialmente que se uniera; simplemente pasó. Y cuando empezamos a trabajar en las canciones de nuestro siguiente disco (“Warmer Corners”) su forma de tocar y su oído para la parte perfecta de guitarra nos dio un enorme empujón al resto. Ciertamente creo que la banda no hubiera durado tanto tiempo como duró sin que Louis subiera a bordo.

Hay algo que siempre me pasa con mis grupos favoritos, conforme van publicando más discos. Normalmente, los primeros que sacaron o los primeros que yo escuché se mantienen como favoritos y, aunque me encanten los nuevos, tiendo a pensar que los antiguos eran mejor, porque me sorprendieron y quizá los tengo un poco sobrevalorados. Ese era mi caso con The Lucksmiths, siempre pensé que mi disco favorito seguiría siendo “A good kind of nervous”, pero entonces publicasteis “Warmer Corners” y rompisteis esa regla no escrita así que, ¿cómo puede ser que después de tantos discos probablemente estuvierais aún en vuestro mejor momento creativo?

MD: ¡Estoy de acuerdo contigo! Mirando atrás, creo que hay unas cuantas razones por las que “Warmer Corners” es probablemente nuestro mejor disco. Como he mencionado en una pregunta anterior, creo que las canciones que escribí para ese disco son las mejores que, como grupo, había escrito. Había estado satisfecho con nuestro disco anterior, “Naturaliste”, pero más con las canciones que Mark y Tali escribieron, que pensé que eran las mejores canciones que habían hecho, que con las mías (aunque sigo estando orgulloso de algunas de ellas). Así que me recordaron que debía seguir presionándome a mí mismo como escritor de canciones también. Además hemos estado mejorando constantemente como músicos con el paso de los años (¡habiendo empezado desde una base muy baja!), y como mejorábamos también nos hicimos más aventureros y ambiciosos con nuestros arreglos. Y para “Warmer Corners” nos fue de gran ayuda tener a Louis en el grupo. Como he dicho antes, creo que después de ser tres en la banda durante tantos años, tenerle involucrado en el trabajo de esas canciones desde el principio (en lugar de simplemente entrar más tarde y añadir una línea de guitarra sobre la canción, como habíamos hecho en ocasiones anteriores) fue increíblemente importante. Sus partes son esenciales en esas canciones. Sólo estábamos divirtiéndonos más tocando esas nuevas canciones, y creo que eso se nota en el disco.

En mi opinión, “A chapter in your life entitled San Francisco” es, si no mi canción favorita de The Lucksmiths, al menos es una de las que creo que quedó más completa. Quiero decir que tiene un montón de diferentes sonidos o arreglos y que todos ellos encajan tan bien que el resultado final es fascinante, ¿qué recuerdas de la grabación de esa canción en particular?

MD: Otra vez estoy de acuerdo contigo. ¡Eres un oyente muy perspicaz! Estaba muy contento con la letra y la melodía cuando llevé la canción por primera vez al grupo, pero después de un tiempo tenía una sensación persistente de que no estaba del todo completa, de algún modo. No fue hasta que añadí la parte middle-eight que sentí que todo encajaba. Recuerdo más del proceso de meter arreglos a la canción que de realmente grabarla. Creo que fue la primera vez que nos sentamos con Louis y trabajamos en una canción todos juntos; recuerdo claramente que estábamos tocando la canción entera por primera vez en la habitación de invitados de la casa en la que yo vivía entonces, y Louis apareció con esa línea de guitarra ascendiente en la intro. ¡Estaba tan emocionado por como sonaba!

Esta canción es interesante porque (como tú señalas) tiene un montón de cosas sonando. Algunos elementos son cosas bastante convencionales que a menudo no usábamos por tímidez (la sección break-down, por ejemplo, o los tres estribillos, que casi nunca hice) pero otros son más inusuales, como el ritmo ausente en el estribillo. Sobre la grabación, recuerdo una decisión de último minuto de acortar la sección breakdown, que ayudó a fortalecer todo el conjunto, y preparar las tablas musicales para los preciosos arreglos de cuerda escritos por nuestro productor Craig Pilkington.

Es curiosa la diferencia entre los títulos de vuestros dos últimos discos, desde “Warmer corners” a “First frost”, ¿el cambio de clima fue a propósito?

MD: Cada título era apropiado para su disco, pero la conexión temática entre ellos es una coincidencia. Supongo que, de algún modo, “First Frost” se siente más “frío” o al menos más contenido. Lo grabamos en una cabaña de montaña en pleno invierno de Tasmania, levantándonos cada mañana con nieve o fuertes heladas, así que era probablemente inevitable que algo de esa sensación se filtrara en esas canciones.

Sé que hicisteis un comunicado sobre ello hace un par de años pero, ahora con el tiempo pasado para analizar, ¿podrías explicarnos un poco porqué decidisteis separaros?

MD: Al ir haciéndonos mayores, y encontrarnos con familias y trabajos de verdad y esas cosas, se hizo más difícil dedicar todo el tiempo y la energía necesaria al grupo. Imagino que era una cuestión de prioridades, y Tali eventualmente decidió que la suya ya no era el grupo. Ciertamente creí que debíamos separarnos antes de que el grupo se convirtiera en la última prioridad de nuestras vidas y la música que hacíamos empezara a resentirte consecuentemente. Después de 16 años, simplemente parecía como que había durado suficiente.

La portada de vuestro último single “Get-to-bed birds” muestra algunas palomas volando sobre un edificio con la palabra “Libertad”. En algún sentido, ¿es libertad una sensación que tuvisteis cuando decidisteis separar el grupo?

MD: De nuevo me temo que es coincidencia. A decir verdad, ¡esa interpretación no se me había ocurrido hasta que lo mencionaste! La preciosa imagen la hizo un buen amigo nuestro de San Francisco, Jaime Knight, que tocó en bandas como Poundsign y Still Flyin’, y es varios años anterior al single. Supongo que hay algo de sensación de libertad después de separarnos, es un trabajo duro en muchos sentidos, y como durante algún tiempo parecía que el final era inevitable, era un respiro terminar todo, pero no querría dar a entender que no habían muchas emociones positivas involucradas también.

Anunciasteis que os separabais antes de una extensa gira por Europa y Australia. ¿Cómo os sentisteis durante esos directos de despedida? ¿Os pasó por la cabeza, aunque fuera remotamente, la idea de que quizá no deberíais separaros al ver la respuesta de la gente?

MD: Nos lo pasamos genial en esas dos giras y tocamos algunos conciertos muy memorables. Saber que el grupo se acababa hizo que apreciáramos todo más, pero creo que también le dio a la gente algún motivo de “carga”. Fue gratificante y conmovedor a la vez recibir tantos mensajes de amigos y desconocidos contándonos cuanto han significado The Lucksmiths para ellos; especialmente en la recta final hacia nuestro último concierto en Melbourne, fue una época muy emocional para nosotros. Dicho esto, nunca sentí que estábamos tomando la decisión errónea, lo cual creo que es probablemente una buena señal de no lo hacíamos.

¿Qué cosas son las que más vas a echar de menos de estar en un grupo?

MD: Algunas de las cosas que echo de menos son muy obvias. Supongo que son: la emoción de tocar un gran concierto en una sala llena de gente, por ejemplo, o trabajar en una nueva canción con los compañeros del grupo y escuchar como toma forma. Pero hay otras cosas sobre las que no he pensado demasiado. He hecho tantos amigos en todas partes del mundo gracias al grupo, muchos de los cuales veía cada par de años cuando íbamos de gira; es sólo ahora, realmente, cuando empiezo a sentir que hace demasiado tiempo que no veo a alguno de ellos. También tengo que reconocer que, aunque mi novia de vez en cuando acepta jugar, echo de menos la cantidad de horas de Scrabble Cards (una versión de cartas del juego de mesa) que nos mantenía entretenidos de gira.

Yo no escribo canciones, pero me imagino que cuando alguien se ha pasado 16 años o más de su vida escribiendo y grabando canciones, no es fácil parar sin más, así que tengo que preguntarlo… ¿Todavía escribes canciones? ¿Las publicarás algún día con un proyecto en solitario?

MD: De nuevo, ¡eres muy perspicaz! No he dejado de escribir canciones. Siempre he tenido la vaga idea de que me gustaría intentar otras formas de escribir (como una novela o relatos cortos) y cuando la banda se separó perdí mi principal excusa para no haberlo hecho hasta entonces. Pero es una transición difícil después de tantos años de escribir canciones… No me he puesto ningún tipo de presión sobre mí mismo, lo cual ha hecho que las cosas se ralentizaran, pero tengo unas cuantas canciones nuevas, incluyendo una que me gusta de verdad llamada “Nora Creina”, que terminé casualmente ayer, y cuando tenga unas cuantas más decidiré que hacer con ellas. Aún así, la idea de un proyecto en solitario no me atrae demasiado.

¿Cual ha sido en tu opinión el mayor logro que habéis conseguido como grupo, o el que te ha hecho sentir más orgulloso?

MD: Estoy muy orgulloso de que consiguiéramos tocar nuestra música para gente de tantos rincones diferentes del mundo, desde ciudades obviamente emocionantes como Nueva York, San Francisco, Londres o Tokio a lugares muchos más oscuros en los que nunca había imaginado ir de gira, y que, con el paso de los años, tuvimos la oportunidad de tocar con tantos grupos que nos encantaban. Pero, más allá de eso, estoy orgulloso del hecho de que cualquier cosa que conseguimos, la conseguimos totalmente de forma independiente, en todos los sentidos de la palabra.

Navegando por internet encontré “Music to hold hands to”, un homenaje filipino a The Lucksmiths, ¿lo conocías? ¿Cómo te hace sentir saber que hay gente de tantas partes del mundo que les encanta tanto el grupo como para hacer cosas como ésta o sentirse hundidos cuando anunciasteis la separación?

MD: Sí, lo conocemos. ¡Es algo increíble! Me gustaría haber tenido la oportunidad de tocar allí. De algún modo, Australia aún parece apartada de cualquier otro lugar; cuando empezamos a ir de gira fuera de la isla (¡el siglo pasado!) no podía creer que había gente en el otro lado del mundo que podía cantar nuestras canciones en los conciertos. No estoy seguro de que haya dejado de ser novedoso nunca; ¡aún me sorprende un poco estar contestando preguntas para una web española! Desde un punto de vista artístico también, es muy gratificante darse cuenta que centrarse en los pequeños aspectos del día a día de la vida no tiene que llevar a “localismo” (nota del blog: usa la palabra “parochialism”, que es algo así como provincianismo o que da a entender que sólo se entenderá por la gente de un lugar concreto), que quizá puedes conectar mejor con gente de esa forma, sin importar el lugar o el idioma, que soltando universalidades superficiales.

Creo que vais a sacar un DVD con vuestro concierto de despedida, ¿qué puedes contarnos acerca de ese DVD? ¿Algún documental extra? (Nota del blog: el DVD ya ha salido, aquí lo podéis conseguir, pero la entrevista se envió antes)

MD: Queríamos grabar nuestro ultimo concierto para que lo vieran aquellos fans que no pudieran estar ahí para verlo, y como un documento de la carrera de la banda. Una amiga nuestra, Natalie van den Dungen lo grabó para nosotros. Además montó un documental corto (pero agradable) llamado “Darkening doorways”, que más o menos sigue nuestros ensayos y gira de despedida, así como nuestra última sesión de grabación para “Get-to-bed Birds”. Al no haber hecho nunca un DVD, nos llevó bastante montarlo todo, un sinfín de cuestiones técnicas nos retrasó. Acaba de salir, pero la respuesta que hemos tenido de la gente hasta ahora ha sido genial.

Tus letras tratan sobre gente normal viviendo en un mundo normal y eso hace posible que el oyente se sienta más cercano y conmovido por ellas, al menos a mí me pasa con muchas de tus canciones, pero me preguntaba ¿qué porcentaje de verdad y de ficción hay en tus letras?

MD: Generalmente hay mezcla de ficción y realidad en mis canciones; algunas se acercan más a la “verdad” que otras. Ciertamente no desnudo mi alma en mis canciones, pero normalmente escribo desde una perspectiva muy cercana a la mía, así que me alegro si la gente no puede diferenciar entre lo que me he inventado y lo que no; entiendo que eso significa que hago un buen trabajo. Aunque a veces me ha sorprendido cuanto interesa este asunto a la gente; mi canción “Fiction”, que se refiere a esto concretamente, está inspirada por una entrevista telefónica que hice una vez con una chica que estaba claramente decepcionada al saber que mucho de lo que escribía era inventado.

Cuando hicimos la primera entrevista nunca habíais tocado en España (posiblemente el lugar más lejos al que podéis ir), creo que desde entonces habéis venido en tres giras, una por cada uno de vuestros tres últimos discos, ¿qué recuerdos tienes de esos conciertos?

MD: Un par de mis mejores recuerdos de las giras vienen de España. Es un lugar maravilloso (¡aunque a veces agotador!) para tocar, y hemos hecho algunos buenos amigos en nuestras distintas visitas. De nuestra última gira, recuerdo (entre el típico recuerdo borroso de cerveza y comida deliciosa) nadar en el Mediterráneo, en Vilanova, mientras “The Chapter in Your Life Entitled San Francisco” empezaba a escucharse sobre las olas mientras probaban el equipo de sonido del festival. El concierto de la noche siguiente fue fantástico también. También tuvimos un concierto genial en Madrid, cuando nuestros queridos amigos “Still Flyin’” condujeron toda la noche y el día desde Holanda para poder vernos tocar en directo por última vez. Apuramos todo lo que pudimos; al final les vi entrar cuando llevábamos tres canciones del concierto. Fue una gran noche después también, aunque no recuerdo demasiado de eso…

¿Qué grupos actuales escuchas? ¿Sigue siendo Morrisey a quién más escuchas?

MD: Todavía escucho algo de los discos antiguos de Morrisey de vez en cuando, pero no he escuchado sus dos últimos discos. Los grupos que he escuchado y que más me han influenciado en los últimos años son americanas en su mayoría: Okkervil River, The National, The Silver Jews, Bill Callahan, y grupos así. Acabo de meterme con The Hold Steady, que es una salida de mis normales gustos de indie suave, pero detrás de los grandes riffs y solos de guitarra, Craig Finn es uno de los más destacables y ambiciosos letristas que he escuchado en mucho tiempo.

¿Qué canción, de cualquier grupo de todos los tiempos, te gustaría haber escrito?

MD: ¡Es muy difícil reducirlo a una sola canción! No diría que tengo una clara favorita, pero hay muchas canciones que me encantan y admiro por distintas razones. David Berman de The Silver Jews es probablemente el letrista que más a menudo he citado como mi favorito; “Random Rules” es posiblemente el mejor ejemplo de su genio. Pero en las mejores canciones de Bill Callahan (hay muchas, pero “Truth Serum” y “Dress sexy at my funeral” me vienen a la cabeza) hay un sentido de profundidad y sabiduría increíble que envidio particularmente. De los clásicos de pop más conocidos, me encanta “Everybody’s Talkin’”.

En nuestra entrevista anterior, sabiendo que eras seguidor de las películas de Woody Allen, te pregunté por sus trabajos más recientes. Es hora de actualizar la respuesta, ocho años han pasado y Woody Allena ha sacado 8 películas, ¿cuáles te gustaron más?

MD: Me temo que el amor que solía tener por el trabajo de Woody Allen ha disminuido considerablemente en los últimos años. Algunas de sus primeras películas (aunque no todas) aún aguantan bien, pero de las últimas películas, creo que sólo he visto Match Point. Creo que era bastante buena, pero recuerdo que daba un extraño giro de 90 grados en un punto, y se convertía en una película diferente que lo que sugería la primera parte.

Cuando vi la película Up de Pixar, inmediatamente pensé en vuestra canción Up y pensé que eso ya lo habías hecho vosotros, ¿no hubiera sido una canción perfecta para la banda sonora?

MD: Yo también pensé lo mismo cuando la película salió, aunque esa canción no es una de las que esté particularmente orgulloso. Recientemente vi la película con mi hijo, Tom; me gustó más que a él.

Intenta mirar atrás hacia vuestra discografía completa y dinos que te viene a la cabeza.

MD: Diría que probablemente la veo con tres fases distintas, con “A good kind of nervous” siento como el puente entre las dos primeras y “Why that doesn’t surprise me?” lo mismo entre la segunda y la tercera (sin embargo los recopilatorios como “Where were we” y “Happy secret” no encajan tan bien en ese esquema). Y, obviamente, me gusta cada fase sucesiva más que la anterior. Sin que me dé vergüenza realmente, no me convencen demasiado nuestros primeros discos, aunque hay canciones que me gustan, sobretodo en “What Bird is that” y “A good kind of nervous”. Hay canciones que me gustan mucho más de nuestro “periodo intermedio”, y (más concretamente quizá) menos canciones que no me gustan; en esa época, creo que empezamos a darnos cuenta de lo que queríamos hacer como grupo. Y en los últimos discos llegamos ahí.

Hace poco entrevistamos a Charles de Math and Physics Club, (aquí) y nos contó algo de sus giras con vosotros, ¿quieres contarnos alguna anécdota con ellos?

MD: Creo que son de las mejores personas que hemos tenido el placer de salir por ahí, pero no se me ocurre ninguna anécdota concreta de nuestras giras con MAPC. Creo que son muy sensatos para meterse en algunas de nuestras divertidas desventuras. Alguno de nuestros mejores directos con The Lucksmiths fueron con ellos, en su ciudad, Seattle, en un maravilloso pequeño bar llamado “the Sunset Tavern”, cuando Mark y Louis se bebieron algún tipo de infusión de hierbas alucinógena suave poco antes de salir al escenario. ¡Buenos tiempos! Pero creo que mi recuerdo favorito con MAPC viene de nuestro último viaje a EE.UU., en 2007. Habíamos tocado otro gran concierto con ellos (y con nuestros buenos amigos australianos Fred Astereo) en otro genial bar de Seattle llamado “the Cocodrile”. Mientras nos organizábamos para la obligatoria foto post-concierto, el normalmente afable y educado Ethan de repente se tiró a lo largo sobre el sofá, empapando a todo el mundo con cerveza. Un momento extremadamente divertido, que puedes encontrar conservado para la posteridad aquí:

¿Algo más que quieras decir a vuestros fans para terminar esta entrevista?

MD: No se me ocurre nada, aparte de darles las gracias por escuchar. Creo que ya he escrito demasiado.

Interview: The Lucksmiths

2011-02-20T13:24:00.003+01:00

About 8 or 9 years ago, while I was writting tof a fanzie called Starshy (when fanzines were still printed paper) I had the pleasure of interviewing Marty Donald from The Lucksmiths, just before the band finished the recording of “Naturaliste”. Since then, the band released “Naturaliste”, “Warmer corners”, a double compilation with rarities and b-sides “Spring a leak” and “First frost”. Then the band decide to break up and started a long farewell tour around Europe and Australia, which last ever farewell show was recorded and just released in a new DVD called “Unfamiliar stars” by L ost and Lonesome Recordings and Matinee Recordings, including a short documentary about the last days of the band. In this blog we’ve always been big fans of The Lucksmiths (we reviewed their whole discography in Spanish here and here) so we could let go the chance of interviewing Marty Donald once again and ask all those things that sprang to our minds since the previous interview. Here you have the result, a sincere an extense interview that would clarify a lot of you doubts about the past, and maybe future of this great band.

Try to go back to your first years in the band and tell me what the younger Marty Donald from “First tape” would have thought if he would have listened at that time “First frost”… Would he recognise himself in those songs? And does the older Marty Donald still recognise himself in “First tape”?

I’m not sure what I would have thought of First Frost all those years ago. I might have found it a little slow in places! But I think there are enough common threads running from our early work to the last songs we wrote that I would have found plenty to like in them. I would have been impressed by some of our musicianship, too — particularly my finger-picking in “California in Popular Song”! I’ve had to listen to the First Tape songs a bit lately, as my young son really enjoys it (no more than First Frost, though!), and I don’t enjoy it at all. I mostly find them hopelessly naive and embarrassing. The one exception is “Weatherboard”, which we revisited for our farewell shows, and which I think stands up surprisingly well amongst our later work.

Look back into the Lucksmiths discography; I know is hard but please choose just one favourite song and one favourite record.

A favourite song is too hard. There are many songs of mine I like for different reasons. I think Warmer Corners is probably our best record (for reasons I’ll get to later); that was certainly the best group of songs I wrote for The Lucksmiths. So if pressed I would probably chose one of those: maybe “A Hiccup in Your Happiness”, “The Chapter in Your Life Entitled San Francisco”, or “Fiction”.

After being three in the band for a lot of years, in the end a fourth member joined, Louis Richter. I think your sound improved with him in the band, both live and on record, how did you decide to ask him to join and what do you think was his contribution to the band?

As our arrangements became gradually more complex over the years, we had started to find that there were more songs we felt we couldn’t play properly live as a three-piece. We had a few people play guitar and keyboards and things with us whenever we could — Darren Hanlon and Drew Cramer, among others. As well as his own band, Mid-State Orange (who we all loved, and still do), Louis was playing guitar with Anthony Atkinson. (I should probably point out that he still is, and that I now play bass in that band.) When they toured with us around the time we’d released Naturaliste and A Little Distraction, we got Louis to help us out with a few songs. He immediately fitted in perfectly, both musically and personally — no easy thing when a band has already been together for a decade or so, as we had then. I think it very soon became apparent to all of us that it was much more fun to play with Louis in the band than without him. I don’t know that we ever actually officially asked him to join; it just seemed to happen. And when we came to working on the songs for our next record (Warmer Corners), his playing and his ear for the perfect guitar part gave the rest of us an enormous lift. I certainly don’t think the band would have lasted as long as we did without Louis coming on board.

There is something that always happens to me with my favourite bands, as they release more records. Usually the first ones or the ones I listen first remain as old time favourites and even if I love the new ones, I tend to think that the older ones were better, because they surprised me and I got them maybe a bit overrated. That was my case with the Lucksmiths, I always thought that my favourite record would always be “A good kind of nervous”, but then you released “Warmer Corners” and broke that unwritten rule, so how can it be that after so many records you were still probably in your best creative moment?

I have to agree with you! Looking back on it, I think there are a few reasons Warmer Corners is probably our best record. As I mentioned in an earlier answer, I think the songs I contributed to that record were, as a group, the best I had written. I had been pleased with our previous album, Naturaliste, but more with the songs Mark and Tali wrote for it, which I thought were easily the best things they had done, than with my own (although I remain proud of some of them). So I was reminded that I needed to keep pushing myself as a songwriter, too. We had also been constantly improving as musicians over the years (having started from a pretty low base!), and as we got better we also became more adventurous and ambitious with our arrangements. And for Warmer Corners, this was helped hugely by having Louis in the band. As I said above, I think after being a three-piece for many years, having him involved in working on those songs from the outset — rather than just coming in later and adding a guitar line over the top, as we had sometimes done in the past — was incredibly important. His parts are integral to those songs. We were just having more fun playing those new songs, and I think it comes across on the record.

In my opinion, “A chapter in your life entitled San Francisco” is, if not my favourite Lucksmiths’ song, at least is the one that I think is more complete. I mean that it has a lot of different sounds or arrangements and they all fit so well that the final result is amazing, what do you remember of the recording of that particular song?

Again, I tend to agree. You’re quite a perceptive listener! I was really happy with the words and melody when I first brought it to the band, but after a while I had a nagging feeling that it wasn’t quite complete, somehow. It wasn’t until I added the middle-eight section that it felt as though it all came together. I remember more about the process of arranging that song than actually recording it. I think it was the first time we sat down with Louis and all worked on a song together; I very clearly remember us playing over the song for the first time in the spare room of the house I lived in back then, and Louis coming up with that ascending guitar line in the intro. I was so excited about how it sounded!

The song is interesting, because (as you point out) it has a lot of things going on. Some elements are quite conventional things that we often shied away from — the break-it-down section, for example, or the three choruses, which I almost never did — but others are more unusual, like the missing beat in the chorus. We threw a lot of ideas at that song, and they mostly seemed to work, somehow. As for the actual recording, I remember a last-minute decision to shorten the breakdown part, which helped tighten the whole thing up, and souveniring the musical charts for the beautiful string arrangement written by our producer Craig Pilkington.

It seems funny the difference between the title of your last two records, from “Warmer corners” to “First frost”, was the change of weather made on purpose?

Each title feels appropriate for its record, but the thematic connection between them is a coincidence. I suppose in some ways First Frost feels like a “colder” or at least more subdued album. We recorded it in a mountainside shack in the middle of a Tasmanian winter, waking every morning to snow or heavy frosts, so it was probably inevitable that something of that feeling would seep into those songs.

I know that you made an statement about it a couple of years ago, but now with time passed and more time to analyse, could you please tell us why did you decide to split?

As we got older, and found ourselves with families and proper jobs and such things, it became more difficult to devote the necessary time and energy to the band. It was a question of priorities, I guess, and Tali eventually decided that his no longer lay with the band. I certainly thought we should end things before the band became an afterthought in our lives, and the music we made began to suffer accordingly. After sixteen years, it just felt as though it had gone on long enough.

The cover of your last ever single, “get-to-bed birds”, shows some pigeons flying over a building with the world Libertad, is freedom, in someway, a feeling you got when you decide to break up the band?

Again, I’m afraid, it’s coincidental. To tell you the truth, that interpretation hadn’t occurred to me until you raised it! The beautiful print was done by a good friend of ours from San Francisco, Jaime Knight, who played in bands like Poundsign and Still Flyin’; it predates the single by several years. I guess there was something of a sense of freedom after the band split — it was hard work in many ways, and because it had felt for some time as though the end was inevitable, it was a relief to be done with it — but I wouldn’t want that to suggest there weren’t many less positive emotions involved, too.

You announced that you were breaking up before a long European and Australian tour. How were your feelings during those farewell shows? Did is slightly cross your mind that maybe you shouldn’t break up with the response from the audience?

We had a great time on both those tours, and played some very memorable shows. Knowing the band was coming to an end certainly made us appreciate it all the more, but I think it also gave the audience something of a “charge”. It was both humbling and heart-warming to receive so many messages from friends and strangers telling us how much The Lucksmiths had meant to them; especially in the lead-up to our final show in Melbourne, it was a very emotional time for all of us. Having said all that, though, I never felt as though we were making the wrong decision, which is probably a very good sign that we weren’t.

Which things are you going to miss the most of being in the band?

Some of things I’ve missed are fairly obvious, I guess: the excitement of playing a great show to a room full of people, for example, or of working on a new song with bandmates and hearing it take shape. But there are others I hadn’t thought about so much. I’d made so many friends all over the world through the band, many of whom I got to see every couple of years when we toured; it’s only now, really, that it’s starting to feel like a long time since I’ve seen some of them. I also must admit that, although my girlfriend occasionally consents to a game, I miss the many hours of Scrabble Cards (a card game version of the board game) that kept us entertained on tour.

I don’t write songs, but I imagine that when someone has spend sixteen years or more of his life writing and recording songs it is not easy to just stop doing it so I need to ask… Are you still writing songs? And will you released them in a solo project?

Once again, very perceptive! I haven’t stopped writing songs. I’ve always had vague ideas that I would like to try other forms of writing (such as a novel or short stories), and when the band broke up I lost my main excuse for not having done it so far. But it’s a difficult transition to make after so many years of songwriting.... I haven’t put any pressure on myself, which has surely slowed things down, but I have a handful of new songs — including one I really like called “Nora Creina”, which I just finished yesterday, incidentally — and when I have a few more I’ll decide what to do with them. The idea of a “solo project” doesn’t really appeal to me, though.

Which has been, in your opinion, the highest achievement you made as a band? Or the achievement that made you prouder.

I am very proud that we managed to play our music to people in so many different corners of the world — from obviously exciting big cities like New York, San Francisco, London and Tokyo to more obscure places that I would never have imagined touring to — and that, over the years, we had the opportunity to play with so many bands we loved. But, beyond that, I am most proud of the fact that whatever we achieved, we did it entirely independently, in every sense of the word.

Surfing on the internet I found “Music to hold hands to”, a Filipino tribute to the Lucksmiths, did you know about it? How do you feel knowing that people from so many places around the world love the band so much to do things like these or feel devastated when you announced your breaking up?

Yes, we know about it. It’s kind of incredible! I wish we had had the chance to play there. In some ways, Australia still feels fairly removed from everywhere else; when we first began touring overseas — last century! — I couldn’t believe there were people on the other side of the world who could sing along with our songs. I’m not sure the novelty ever wore off, either; it surprises me a little even now to be answering questions for a Spanish website! From an artistic point of view, too, it’s very gratifying to realise that focussing on smaller everyday aspects of life doesn’t have to lead to parochialism; that maybe you can better connect with people that way, regardless of geography or language, than by spouting shallow universalities.

I think you are going to release a DVD with your final farewell show, what can you tell us about that DVD? Any extra songs or documentaries? (Note from the blog: this interview was send before the release of the DVD)

We wanted to record the last show for those fans who couldn’t be there to see it, and as a document of the band’s career. A friend of ours, Natalie van den Dungen, filmed it for us. She also put together a short (but sweet) documentary called Darkening Doorways, which sort of follows us through rehearsals and our farewell tour, as well as our last recording session for “Get-to-bed Birds”. Never having done a DVD before, it took us a while to get it all together; a seemingly endless number of technical issues set us back. It’s only just come out, but the responses we’ve had from people so far have been great.

Your lyrics usually are about ordinary people living in ordinary world and that makes it possible for the listener to feel so close to them and feel touched by them, at least it happened to me with a lot of songs, but I was wondering what percentage of truth is there in your lyrics and what percentage of them is fiction?

There’s generally a mix of fact and fiction in all my songs; some are closer to the “truth” than others. There’s certainly no element of soul-bearing in my work, but I usually write from a perspective very close to my own, so I’m happy if people can’t tell the difference between what I’ve made up and what I haven’t; I take that to mean I’m doing a good job. At times I have been surprised by how much this issue matters to people, though; my song “Fiction”, which addresses this directly, was inspired by a telephone interview I once did with a girl who was audibly disappointed to learn that a lot of my writing was invention.

When we did our first interview you had never played in Spain (probably the furthest place you can go), I think that since then you have toured in Spain three times, each tour with each one of the last three albums, what are your memories about that shows?

A couple of my fondest tour memories come from Spain. It’s a wonderful (if sometimes exhausting!) place to play music, and we made some good friends on our various visits. From the last tour, I remember — amidst the usual blur of beer and delicious meats — swimming in the Mediterranean at Vilanova as the “The Chapter in Your Life Entitled San Francisco” came wafting over the waves from the festival sound system they were setting up. The next night’s show there was fantastic, too. We also played a great show in Madrid, when our dear friends Still Flyin’ drove all night and day from the Netherlands so they could see us play one last time. We stalled as long as we could; I finally saw them walk in about three songs into the show. It was a fairly great night afterwards, too, although I don’t remember too much of that....

Which bands from nowadays do you listen? Is Morrisey still there as the artist you listen the most?

I still listen to some of Morrissey’s older stuff occasionally, but I haven’t even heard his last couple of albums. The bands I have listened to and drawn influence from the most in the past few years are mostly American: Okkervil River, The National, the Silver Jews, Bill Callahan, and the like. I have just gotten into The Hold Steady, which is quite a departure from my usual docile indie ways, but behind the big riffs and guitar solos, Craig Finn is one of the most remarkable and ambitious lyricists I have heard for a long time.

Which song, from any other artist of all time, do you wish you had written?

It’s too hard to narrow it down to a single song! I wouldn’t say I have an out-and-out favourite, but there are many songs I love and admire for different reasons. David Berman from the Silver Jews is probably the lyricist I’ve most often cited as my favourite; “Random Rules” is possibly the best example of his genius. But in Bill Callahan’s best songs — there are many of them, but “Truth Serum” and “Dress Sexy at My Funeral” come immediately to mind — there’s an incredible sense of depth and wisdom of which I am particularly envious. Of the better-known pop classics, I love “Everybody’s Talkin’”.

In our prior interview, knowing you were a fan of Woody Allen’s films I asked you about his recent works. It’s time to get updated, eight years have passed since then and Woody Allen has released 8 films (Anything else, Melinda & Melinda, Matchpoint, Scoop, Cassandra’s dream, Vicky Cristina Barcelona, Whatever works and You will meet a tall dark stranger) which ones did you like most?

I’m afraid the love I use to have for Woody Allen’s work has dimmed considerably in recent years. Some of his earlier films (though certainly not all of them) still hold up well, but I’m pretty sure of the films you list, the only one I’ve actually seen was Match Point. I thought it was quite good, although I remember it taking an odd 90-degree turn at some point, and becoming a very different film than the first part had suggested.

When I saw the film Up by Pixar, I immediately though about your song Up, and thought that you got there first, but wouldn’t it have been a perfect song for the soundtrack?

I thought of that too when the film came out, although that song is not one I’m particularly proud of. I watched the movie recently with my son, Tom; I liked it more than he did.

Say what comes to your mind when you think about the whole discography of the band.

Looking at our back catalogue in more general terms, I will say that I probably view it in three distinct phases, with A Good Kind of Nervous being a sort of bridge between the first two, and Why That Doesn’t Surprise Me being the same for the second. (Compilations like Where Were We and Happy Secret don’t necessarily fit so neatly into this scheme, however.) And, predictably enough, I like each successive phase more than the last. Without actually being ashamed, I don’t think all that much of our first few releases, although there some songs I like, particularly on What Bird is That and A Good Kind of Nervous. There are songs I like a lot more, though, from our “mid-period”, and (more to the point, maybe) fewer songs I dislike; by this time, I think we’d begun to figure out what we wanted to do as a band. And by the last few releases, I think we’d got there.

We recently made an interview to Charles Bert, from you record label mates Math and physics club (here in English), and he told us some anecdotes from your tours together, what can you tell us about them?

They’re some of the nicest people we ever had the pleasure of hanging out with, but I actually can’t think of a particularly good anecdote from our touring with Math and Physics Club. They’re too sensible to get themselves involved in any of our many amusing misadventures, I guess. One of the very best shows The Lucksmiths ever played was with them in their hometown of Seattle, at a wonderful little bar called the Sunset Tavern, when Mark and Louis and I drank some mild herbal hallucinogen shortly before taking to the stage. Good times! But I guess my favourite MAPC memory comes from our last trip to the US, in 2007. We had played another great show together (as well as with our close Australian friends Fred Astereo) at another great Seattle bar called the Crocodile. Arranging ourselves for the obligatory post-show photo, the normally mild-mannered Ethan suddenly flung himself full-length across the couch, drenching everyone in beer. An extremely funny moment, which you should find preserved for posterity here:

Anything else you would like to tell to your fans to end this interview?

Nothing I can think of, except to thank them for listening. I think I’ve typed enough.

Pinkerton. Weezer

2011-02-12T11:13:00.002+01:00

El pasado año 2010 fue un buen año para los fans de Weezer (sí, aún quedamos fans de Weezer). Durante esos doce meses la banda publicó un disco nuevo, Hurley, reeditó uno de sus mejores discos añadiendo caras b y rarezas, Pinkerton, y publicó otro disco más con descartes de toda la discografía del grupo, Death to false metal.

Sé que hay gente que cuando oye que Weezer saca otro disco no se preocupa ni en escucharlo, piensa que ya ahí no hay nada que rascar, pero yo sigo siendo fan del grupo y acabo comprando cada disco nuevo que sacan porque sé que, aunque probablemente ya han hecho lo mejor que podían hacer (y ellos mismos lo reconocen, sólo así se puede entender que tras sacar Hurley, en vez de hacer una gira de presentación de ese disco, hagan una gira en la que toquen íntegramente The Blue Album y el Pinkerton) siempre va a haber canciones que merezcan la pena. Vale que Rivers Cuomo rivaliza con Darren Hayman para ver quien es capaz de dejar menos demos y canciones olvidadas sin publicar, pero en todas esas canciones aún hay algunas que se pueden disfrutar.

Algún tendré que animarme a hacer un artículo con un repaso a la discografía completa de Weezer, porque es algo que creo que podría estar bien, pero hoy me voy a centrar sólo en Pinkerton, con motivo la reedición del año pasado. También algún día entraremos a discutir si la discografía reciente de Weezer es mejor o peor que la de Ash (que nos ha dado a veces para largas discusiones a los miembros de este blog), pero hoy ese no es el tema.

Vamos con Pinkerton. Si buscas información en Wikipedia sobre este disco verás que en su día fue un fracaso, de crítica y público, que hasta Rivers Cuomo llegó a renegar de él en su momento. Aún así, años después, la gente se dio cuenta de que el disco no estaba tan mal, que de hecho era un disco muy bueno, y al final entró en un montón de listas de lo mejor de la década. El propio Rivers Cuomo se reconcilió con el disco, sólo así se explica que lo tocaran íntegro en la gira del año pasado, y así, después de la reedición en dos discos de The Blue Album, le tocó el turno al Pinkerton.

El caso es que a mí el disco siempre me gustó, desde que lo escuché en una cinta grabada por mi hermano Carlos. Pero en aquellos días yo era aún un adolescente con mucha música por descubrir y que no prestaba atención a lo que otros decían sobre el disco. Para mí, era el nuevo disco de Weezer y, después de The Blue Album, ya era fan total del grupo, así que sólo podía esperar cosas buenas.

Pinkerton es un disco oscuro, con un sonido mucho más duro y directo que su predecesor. Era complicado darle una continuidad a The Blue Album sin que la gente se sintiera decepcionada, así que Rivers Cuomo no optó por seguir el mismo camino. En principio, el segundo disco de Weezer iba a ser Songs from the Black hole una opera rock que nunca llegó a ver la luz oficialmente. El grupo llegó a grabar un par de versiones del disco pero no quedaron convencidos y decidieron abandonar el proyecto. Algunas de las canciones aparecerían luego en Pinkerton o sus caras b, pero el proyecto se quedó ahí.

Rivers Cuomo es un tipo peculiar, parece un nerd metido a estrella del rock, y lo cierto es que eso es lo que es. Él no lo oculta (sólo hay que escuchar la letra de In the garage) y hasta parece que he llegado a estar orgulloso de ello (o eso parece de la letra de Pork and beans) pero no siempre ha sido fácil ser así.

Rivers escribió las canciones de Pinkerton en su primer año en Harvard, año en que lo pasó bastante mal, se sintió sólo y asustado, sentimientos agudizados por una operación a la que se sometió para corregir un defecto de nacimiento en una de sus piernas. Esa operación le obligó a pasar mucho tiempo cojeando, andando con la ayuda de un bastón y unos hierros sujetos a su fémur, tratando de mitigar el dolor con calmantes.

Todas esas sensaciones se plasman en las letras de Pinkerton, si en “Todo en un día” Ferris Bueller es el chico más popular que siempre consigue salirse con la suya, el Rivers que se ve reflejado en este disco parece más Malcolm, de “Malcolm in the middle”, el nerd perdedor con un toque gamberro (porque a pesar de todo, Rivers siempre ha tenido actitud roquera, se relacionada con los chicos de Jackass, etc) que se hace querer, pero siempre fracasa. En ese disco hay canciones sobre el novio pusilánime que acepta que su novia le ningunee y pase de él simplemente porque es todo lo que tiene y no quieres estar sólo (No one else); el joven al que le han roto el corazón ya un par de veces y no quiere volver a pasar por ello porque cree que no va a ser capaz de soportarlo (Why bother); el músico que a pesar del éxito de su disco se sigue sintiendo sólo y al recibir una carta de una fan japonesa cree enamorarse de ella, rayando en la obsesión, y recordando viejos traumas infantiles por culpa de tener una madre hippie (Across the sea); el tímido que intenta conquistar a la chica que cree perfecta para él y no tiene ningún éxito porque no sabe como acercarse a ella sin parecer ridículo (El Scorcho, canción favorita de Weezer de Elisabeth Morris de Allo Darlin’, según canta ella misma en su disco) el chico lesionado y acomplejado que se siente mayor y acabado y que añora los tiempos pasados (The good life) o el chico que busca conocer a alguien en una discoteca, ve a la chica de sus sueños, empieza a hacer castillos en el aire y hasta piensa ya en matrimonio, antes de darse cuenta de que la chica es lesbiana.

El sonido del disco, cómo he dicho antes, es mucho más sucio, más directo que el de The Blue Album, en el que todo parecía encajar armoniosamente. Pero eso no quiere decir que este disco no sea bueno, al contrario, merece muchísimo la pena. Mucha gente sigue considerando que el mejor disco de Weezer es el azul, pero yo tendría muchos problemas para quedarme con uno de los dos, porque los dos están llenos de canciones maravillosas. Vale que en Pinkerton no está Buddy Holly, ni Surfwax Amércia, ni No one else, pero tiene Across the Sea (quizá mi canción favorita de Weezer), The good life, Pink Triangle (estas dos tienen una versión acústica entre los extras de la reedición que no hace sino confirmar que son increíblemente buenas) o Butterfly.

En relación con las canciones extras, son las caras b de los singles del disco, algunas inéditas, y otras son canciones del disco en directo o en maqueta. Estos extras, y el nuevo libreto lleno de fotos, letras y notas sobre el disco quizá sean para muy fans (aunque muchas de esas canciones merecen la pena, entre otras, las canciones en acústivo), pero si no tenéis este disco todavía, comprar esta edición es lo mejor que podéis hacer.

El disco original dura 34 minutos y pasa en un suspiro. Lo cierra Butterfly, una canción acústica basada en la ópera Madame Butterfly de Puccini. Todo el disco está muy inspirado en esta ópera, desde el diseño, con una imagen de un artista de ukiyo-e, pasando por la mención a Cio Cio San (protagonista, junto a Pinkerton de la obra), o esa Geisha que se deja ver al trasluz en la contraportada de la edición original del cd (bastante más visible en la nueva edición, perdiendo parte del encanto, al igual que el mapa escondido debajo de la bandeja del CD). Nunca he visto la ópera de Madame Butterfly, pero por lo que he visto por Internet trata sobre un militar americano, B.F. Pinkerton, que conoce a una mujer japonesa, Cio Cio San, con la que mantiene una relación, luego la abandona y, cuando vuelve a por ella, se entera de que se ha suicidado. Ese es también el tema de Butterfly, preciosa canción acústica, que contrasta con el estilo más roquero del resto de canciones y que sirve de perfecto broche de un disco de esos que sabes que, por muchos años que pasen y muchos discos que conozcas y escuches, sabes que siempre te apetecerá volver a ponértelo.

Entrevista: Math and physics Club

2011-02-05T17:56:00.005+01:00

(If you want to read this interview in english, please click here)

Math and physics club (de ahora en adelante, MAPC) son una banda de indie pop, establecidad en Seattle (aunque sus miembros vivan en distintas ciudades de Estados Unidos), que debutaron en 2005 con dos preciosos EP para Matinée recordings que ya entonces llamaron nuestra atención. Dos años más tarde, en 2007, vio la luz su primer álbum, que contenía canciones tan maravillosas como “Darling , please come home”, “la la Lisa” o “April showers” (que desde entonces es una de mis canciones favoritas de siempre). Luego estuvieron un poco apartados del mundo de la música, pasaron de ser cinco miembros, a quedarse en tres, hasta que, en 2010, publicaron su primer 7”, con “Jimmy had a polaroid”, en la cara A, y que luego formaría parte de “I shouldn’t look as good as I do”, su segundo larga duración. Fue sin duda alguna, uno de los mejores discos del año 2010 (concretamente el noveno mejor disco en la lista de mejores discos del 2010 para este blog). Las canciones de MAPC son canciones de Indie pop, aparentemente sencillas, directas, sin artificios, cómo deben ser las canciones pop. Ellos hacen música porque les encanta, y los afortunados somos nosotros por poder disfrutar de esas canciones, porque no se necesita sobreproducción para que un disco llegue a emocionarte. Charles Bert, guitarrista y voz del grupo, ha sido tan amable de responder a las preguntas de este blog, y aquí tenéis el resultado.

¿Puedes contarnos cómo formásteis el grupo? ¿Por qué elegisteis ese nombre?

CB: James y yo somos amigos desde que éramos niños y hemos estado en alguna banda juntos, o hemos hablado de hacer una banda juntos, casi desde entonces. Se nos ocurrió el nombre antes de que tuviéramos al resto del grupo. Está basada en una frase de la película The Breakfast Club, que veíamos un montón en el instituto.

¿Qué bandas os inspiraron hace años para decidir empezar vuestro propio grupo?

CB: Tuvimos la suerte de crecer en un lugar con una gran escena musical. Pudimos ver regulamerte actuar a grupos como Beat Happening, The Posies, Young Fresh Fellows y Dharma Bums. Además Olympia es como la capital no oficial del DIY en el mundo, así que eso definitivamente tiene que pegársete.

En este blog nos encanta Matinée recordings y somos fans de muchas de sus bandas, ¿cómo os pusisteis en contacto con ellos? ¿Cuáles son tus grupos favoritos de Matinée?

CB: Aparte de tener una gran lista de grupos, yo era un gran fan de la estética general de Matinée. Podrías decir que alguien se preocupaba tanto del diseño como de la música. Fueron uno de los primeros sellos a los que les enviamos nuestra maqueta. Resultó que Mark Monone, de The Lucksmiths estaba instalado en casa de Jimmy Tassos en ese momento y estaban escuchando maquetas juntos. Afortunadamente para nosotros, a los dos le gustó nuestra maqueta, y Jimmy se puso en contacto con nosotros poco después para ofrecernos publicarla como un EP.

Verdaderamente soy fan de todas las bandas que hay ahora en el sello. Creo que los nuevos discos del año pasado de Northern Portrait, Bubblegum Lemonade y Electric Pop Group son todos brillantes.

MAPC en 2006

Publicasteis vuestro primer disco en 2006 y habéis estado en silencio desde entonces hasta el 2010, ¿puedes contarnos qué habéis estado haciendo en ese tiempo? ¿Tuvo algo que ver que el grupo pasase de tener cinco miembros a tener sólo tres? ¿Tendremos que esperar otros tres años para tener un disco nuevo?

CB: En 2007 fui padre de gemelos y el primer hijo de James nació poco después de eso, así que hemos estado más tiempo cambiando pañales que tocando música. Luego Saundrah se mudó a Dinamarca y empezó su propia familia, y Kevin estaba ocupado con su carrera como y escritor y con su propia familia. Aún así, conseguimos que Kevin tocase la batería en nuestro último disco y también tocará en algunos conciertos de este año (¡y Saundrah también!). Visto lo mucho que nos costó producir el disco, quizá sea nuestro último disco largo.

Es una pena, ¿quiere eso decir que de ahora en adelante, sólo podemos esperar por nuevos singles o EPs de MATPC o quizá podáis reconsiderarlo en el futuro?

CB: No quiero descartar nada, pero James, Ethan y yo vivimos en ciudades diferentes ahora, así que es difícil coordinarnos para ensayar y grabar juntos. Un EP o un single de cuando en cuando parece más posible. De hecho, espero que podamos sacar un nuevo single en algún momento de este verano.

Desde el nombre del grupo, Math and physics club, pasando por algunas de las letras sobre amor inocente de adolescents, todo parece remitir a los días del colegio o del instituto, ¿sientes nostalgia de esos años?

CB: Creo que mucha gente tiene una idea romántica de la juventud, especialmente cuando nos hacemos mayores. Me gusta escribir sobre esos días porque es algo por lo que todos hemos pasado, de modo que es fácil que la gente se vea a ellos mismos en esas historias.

“We are so DIY” parece una especie de manifiesto o guía para ser una banda de indiepop y ser feliz, ¿qué consejo le darías a las nuevas bandas de indiepop que quieren abrirse paso en la escena?

CB: Creo que James y yo nos escondimos en nuestro sótano demasiado tiempo por temor a exponernos ahí fuera, ¿sabes? Pero la comunidad indiepop te apoya mucho. Es fácil integrarte ayudando a montar conciertos de grupos de pop que pasan por tu ciudad. El mejor consejo que puedo dar es simplemente ser amable. Esto es algo que, la mayoría de nosotros hacemos por amor y a todo el mundo le gusta trabajar con gente con la que es fácil tratar.

En vuestro primer EP, teníais una canción llamada “When we get famous” optimista sobre las posibilidades del grupo. En el último disco tenéis “We are so DIY” en la que cantáis “we’ll never carry up the charts”, pero la canción suena optimista también, ¿han cambiado vuestras aspiraciones como grupo?

CB: No lo creo. ¡Nuestras únicas metas reales desde el principio eran publicar un 7” y tocar algunos conciertos en los que no tuvieramos que rogar a nuestros amigos y familiares para que fueran para tener público! Todavía estamos sorprendidos y agradecidos de que la gente nos escuche y venga a nuestros conciertos. ¡Cómo hacer eesta entrevista para un blog en España! ¿No es genial?

“I shouldn’t look as good as I do” contiene diez canciones en 25 minutos. ¿Crees que la canción de pop perfecta debería durar menos de 3 minutos, o es casualidad que las canciones que escribís sean cortas?

CB: Creo que las mejores canciones de pop duran menos de tres minutos. Después de eso sólo se suele repetir varias veces el estribillo o añadir versos innecesarios o, dios no quiera, ¡un puente! Creo que si ya has dicho todo lo que tienes que decir, lírica y melódicamente, en un minuto y medio eso es más poderoso que intentar estirarla y convertirla en algo que no es.

MAPC en 2010

Cuéntanos algo sobre la letra de “Everybody loves a show tune”, ¿estuvo alguien del grupo metido en musicales o quería hacerlo, o es sólo ficción?

CB: Nunca he hecho musicales pero siempre me ha fascinado la cultura teatral. Los chistes son tan predecibles, pero todo el mundo en el teatro se sigue riendo a carcajadas. ¿Es realmente tan gracioso? No me malinterpretes, a pesar de eso, ¡me encantan las canciones de los musicales! Para esta canción, tuve la primera línea en mi cabeza durante un montón de tiempo pero nunca pensé realmente en que se fuera a convertir en algo. Luego, un día llegó el resto de repente. Rara vez escribo letras con una historia lineal como esa, así que fue divertido.

Dos de las canciones favoritas de 2010 para este blog han sido “Jimmy had a Polaroid” que es vuestra y “Polaroid song” de Allo darlin’, parece que 2010 ha sido el año de polaroid en el indiepop. ¿Qué puedes contarnos acerca de “Jimmy had a Polaroid”? ¿Por qué la elegisteis para ser vuestro primer 7”?

CB: Ese disco de Allo Darlin’ es tan bueno, ¿a que sí? El título de Jimmy had a Polaroid apareció en mi cabeza poco después de la melodía. Jimmy Tassos es el dueño de nuestra discográfica y le encanta la fotografía, ¡así que supe que le iba a gustar al menos el título! Sobre publicarla como nuestro primer 7”, siempre hemos tratado de convencer a Jimmy de publicar vinilo otra vez, incluso desde que firmamos por Matinée, pero la gente no lo compraba demasiado. Por suerte para nosotros ¡el 7” ha vuelto! La canción es también la primera de nuestro disco y pensamos que parecía un single natural.

Grabasteis una versión de una canción de los Beach Boys en uno de vuestros EPs, he visto un video en directo en el que tocáis “Sally Cinnamon”, ¿qué otras versiones os gusta tocar?

CB: También hemos grabado una versión de “Superboy & Supergirl” de Tullycraft para un disco tribute del año pasado, y “Angel Gone” de Beat Happening para un single compartido en una discográfica de Barcelona, Tragadiscos. Hemos tocada “Shaking Through de REM en directo algunas veces y “A is for Alphabet” de the Razorcuts, que es una de mis versiones favoritas para tocar.

¿Cuál ha sido, en tu opinión, el mayor logro que habéis conseguido como grupo? O el logro que te ha hecho sentir más orgulloso.

CB: Creo que publicar nuestro primer EP está aún en lo más alto de mi lista. Hasta ese momento, no mucha gente fuera del sótano de James nos había escuchado realmente y, de repente, compartíamos discográfica con una de mis bandas favoritas, The Lucksmiths. Fur un sentimiento tan maravilloso recibir esa primera caja de CDs y abrirlos.

Hablando de the Lucksmiths, son (o eran) una de nuestras bandas favoritas también. ¿Cuáles son tus canciones favoritas de The Lucksmiths? Habéis tocado con ellos varias veces ¿alguna anécdota que quieras compartir con nosotros?

CB: “Guess how much I love you?” fue la primera canción que escuché de ellos. Un amigo me la grabó en una cinta recopilatoria, recuerdo escucharla mientras conducía a casa desde Seattle una noche y dándole a repetir una y otra vez, hasta que me aprendí la letra entera “Golden age of aviation” y “Under the rotunda” son de las mejores para mí, pero es una lista muy larga.

Creo que tocamos con ellos media docena de conciertos, y fueron algunos de los más divertidos que hemos hecho. La primera vez fue en Los Ángeles y se quedaron en un atasco de camino al local, pero tenían parte del equipo en su coche. Al final tuvimos que empezar el concierto antes de que ellos llegaran y recuerdo a Kevin tocando la batería sin platillos y Ethan sentado en medio del escenario porque no tenía correa para la guitarra. The Luckstmihs entraron en medio de la actuación con el resto del equipo. Fue nuestro primer concierto fuera de Seattle, así que ya estábamos bastante nerviosos. La noche no salió exactamente como hubiéramos querido, pero por supuesto todo eso se olvidó cuando empezaron su actuación. Son una de mis bandas favoritas en directo de siempre.

MAPC y The Lucksmiths juntos en 2007

¿Qué bandas actuales escuchas?

CB: Allo Darlin’ es una de mis favoritas de ahora, y tuvimos la suerte de poder tocar con ellos cuando vinieron a Seattle el año pasado. ¡Son tan buena gente también! Creo “Zorbing”, la canción de Stornoway’s del año pasado era brillante, y “Fifteen” de Standard Fare también. Siempre me encanta escuchar también lo que nuestros compañeros de Matinée están haciendo.

¿Qué canción, de cualquier grupo de la historia, te gustaría haber escrito?

CB: Esa es una pregunta muy difícil. Hay montones de canciones que me gustaría haber tenido el talento de haber escrito. Me vienen un par a la mente, particularmente por sus letras, son “Our town” de Iris Dement y “Nightswimming” de REM. Las dos son preciosas.

¿Hay alguna posibilidad de verso tocar en España en un futuro no muy lejano?

CB: Me encantaría tocar en España, pero no podemos hacer demasiadas giras con nuestras ocupadas vidas familiares. Estamos planeando algunos conciertos en el Reino Unido para este verano, pero, tristemente, creo que eso será probablemente lo más cerca de España que lleguemos.

Hay un gran debate ahora en España sobre la música e internet. Para algunas personas, parece que internet está matando la industria musical por las descargas ilegales, pero otra gente piensa que eso sólo hace daño a las bandas y compañías realmente grandes, y que, para las bandas y discográficas pequeñas, internet ofrece más cosas positivas (más gente conociendo los grupos, yendo a conciertos y comprando los discos directamente a ellos o a sus discográficas) que cosas negativas (gente descargando el disco gratis y no comprándolo). ¿Qué opinas de ello? ¿Crees que es perjudicial para MAPC y Matinée Recordings?

CB: Siempre he creído que es bueno para los grupos. Creo que un montón de gente que descarga música ilegalmente no se la comprarían tampoco si no pudieran descargársela gratis. Además es caro comprar muchos discos, así que la mayoría de la gente no puede permitirse comprar todo lo que quieren escuchar. Nosotros no nos vamos a hacer ricos de cualquier modo, a si que prefiero que más gente escuche nuestras canciones.

¿Quieres añadir algo más a vuestros fans para terminar esta entrevista?

CB: ¡Muchas gracias por escuchar nuestra música! Significa mucho para nosotros, especialmente con tanta buena música ahí fuera entre la que elegir.

xo Charles

Interview: Math and Physics Club

2011-02-05T17:39:00.005+01:00

Math and physics club (hereinafter, MAPC) are an Indie pop band based in Seattle (though the members live in different cities in the USA), they released two beautiful EPs in 2005 for Matinée recordings and they already caught our attention. Two years later, in 2007, they released their first album, with such wonderful songs as “Darling , please come home”, “la la Lisa” or “April showers” (since then, one of my favourite songs ever). After that, they remained a bit aside from the music scene, the band members were reduced from five to three, until 2010, when they released their first 7” “Jimmy had a polaroid” that later would be included into “I shouldn’t look as good as I do”, their second album. It was one of the best albums from 2010 (in fact, it was number 9 in the top ten of albums 2010 for this blog). MAPC songs are indiepop songs, apparently easy, direct, without tricks, as the best pop songs should be. They make music just because they love music, and we are lucky because we can enjoy those songs, because a record doesn’t need to be overproduced to be able to move you. Charles Bert, voice and rythim guitar in the band, has been kind enough to answer some questions for this blog, and here is the result.

Can you tell us something about how did you form the band? Why did you choose that name?

CB: James and I have been friends since we were kids, and we’ve either been in a band together or talked about being in a band together for nearly as long. We came up with the band name before we actually had any bandmates. It was inspired by a line in the movie The Breakfast Club, which we watched a lot in high school.

Which bands inspired you in the past to decide to start your own band?

CB: We were lucky to grow up in a place with a great music scene. We got to see bands like Beat Happening, The Posies, Young Fresh Fellows, and Dharma Bums on a regular basis. And Olympia is sort of the unofficial DIY capital of the world, so that definitely rubs off on you.

In this blog we love Matinée Recordings and we are big fans of a lot of the bands there, how did you get in touch with them? Which are your favourite bands from Matinée?

CB: Aside from having a great roster of bands, I was a big fan of Matinee's overall aesthetic. You could tell someone really cared about the artwork as well as the music. They were one of the first labels we mailed our demo to. As it turned out, Mark Monnone from The Lucksmiths was staying with Jimmy Tassos at the time and they were listening to demos together. Lucky for us they both liked it, and Jimmy contacted us soon after with an offer to release it as an EP. I truly am a fan of all the current bands on the label. I thought the new records last year from Northern Portrait, Bubblegum Lemonade, and Electric Pop Group were all brilliant

MAPC in 2006

You released your first album in 2006 and you have been silent since then until 2010, can you tell us what have you been to in the meantime? Was it because the band was reduced from 5 people to just 3? Will we have to wait another three years for a new album?

CB: I became a father of twins in 2007, and James’ first child was born shortly before that, so we’ve mostly been changing diapers instead of playing music. Then Saundrah moved to Denmark and started her own family, and Kevin got busy with his writing career and family too. We did get Kevin to play drums on our recent album though, and he’ll also be playing a few shows with us this year (and Saundrah too!). Given how long it took us to produce the last one, it may be our last proper album.

You say that the last album maybe be your last proper album, that a shame, so from now on can we only expect for new EPs by MATPC or you may reconsider it in the future?

CB: I don't want to rule anything out, but James, Ethan, and I all live in different cities now, so it's difficult to coordinate practicing and recording together. An EP or a single here and there feels more possible. In fact, I'm hoping we'll be able to release a new single sometime this summer.

From the name of the band, Math and physics club, since some of the lyrics about teenage and innocent love, everything seems to refer to school or high school days, do you feel nostalgic about those years?

CB: I think a lot of people romanticize youth, especially as we get older. I like to write about it because it’s something we’ve all been through, so it’s easy for people to see themselves in the stories.

“We are so DIY” seems like some kind of manifesto, or guidelines for being an indie pop band and be happy with it, do you have any advice to new indie pop bands who want to start in the music scene?

CB: I think James and I hid out in our basement too long being afraid to just put ourselves out there, you know? But the indiepop community is really supportive. It’s easy to get involved by helping put together shows for pop bands travelling through your town. The best advice I can give is simply to be nice. This is a labor of love for most of us, and everyone likes to work with people who are easy to deal with.

In your first EP you had a song called “When we get famous”, optimistic about the possibilities of the band. In the new album you have “We are so DIY” in which you say “we’ll never carry up the charts”, but that song sounds optimistic as well, have you changed your expectations for the band?

CB: I don’t think so. Our only real goals from the start were to release a 7” and play a few shows that we didn’t have to beg our friends and families to attend just so we’d have an audience! We’re still pretty amazed and thankful that people listen to us and come to our shows. Like doing this interview for a blog in Spain! How cool is that?

“I shouldn’t look as good as I do” contains 10 songs in 25 minutes. Do you believe that the perfect pop song should last less than 3 minutes? Or it is just chance that all the songs you write are quite short?

CB: I think the best pop songs are under three minutes. After that it’s usually just over-using the chorus or adding unnecessary verses or, god forbid, a bridge! I think if you’ve said all you want to say, lyrically and melodically, in a minute and a half then that’s more powerful than trying to stretch it into something it’s not.

MAPC in 2010

Tell us something about the lyrics of “Everybody loves a show tune”, was anyone in the band into musical theatre or willing to do so, or is it just fiction?

CB: I’ve never done musical theater, but I’ve always been fascinated by theater culture. The jokes are so predictable, but everyone in the theater still laughs out loud. Is it really that funny? Don’t get me wrong, though, I do love showtunes! For this song, I had the first line in my head for a long time but I never really thought it would become anything. Then one day the rest of it just came pouring out. I rarely write lyrics with a linear story like that, so it was fun.

Two of the favourite songs from 2010 for this blog have been “Jimmy had a Polaroid” by MAPC and “Polaroid song” by Allo darlin’, it seems that 2010 has been the year for polaroid in indie pop. What can you tell us about Jimmy had a Polaroid? Why did you choose it to be your first 7”?

CB: That Allo Darlin’ album is so good, isn’t it? The title lyric for Jimmy Had a Polaroid popped into my head soon after the melody. Jimmy Tassos is the head of our record label and he loves photography, so I knew he’d at least like the title! As for releasing it as our first 7”, we’ve actually been trying to convince Jimmy to start releasing vinyl again ever since we signed to Matinee, but people weren’t really buying it. Lucky for us the 7” has made a comeback! The song is also the opening track on our album and we just thought it seemed like a natural single.

You recorded a cover of a Beach Boys song in one or your EPs, I’ve seen a video of a live gig playing “Sally Cinnamon”, which other covers do you like to play?

CB: We’ve also recorded a cover of “Superboy & Supergirl” by Tullycraft for a tribute album last year, and Beat Happening’s “Angel Gone” for a split-single on former Barcelona label Tragadiscos. We’ve played “Shaking Through” by REM live a few times, and “A is for Alphabet” by the Razorcuts, which is one of my favorite covers to play.

Which has been, in your opinion, the highest achievement you made as a band? Or the achievement that made you prouder.

CB: I think releasing our first EP is still at the top of my list. Up to that point not many people outside of James’ basement had really heard us, and suddenly we were labelmates with one of my favorite bands, The Lucksmiths. It was such a cool feeling to get that first box of CDs and open them up.

Talking about the Lucksmiths, they are (or were) one of our favourite bands as well. Which are your favourite songs and albums by the Lucksmiths? You've played lived with them several times, any anecdote you would want to share with us?

CB: "Guess How Much I Love You?" was the first song I ever heard by them. A friend put it on a mixtape, and I remember listening to it while driving home from Seattle one night and hitting repeat over and over till I knew all the words. "Golden Age of Aviation" and "Under the Rotunda" are also highlights for me, but it's a long list. I think we played about a half dozen shows with them, and they were some of the most fun we've had as a band. The first time was in Los Angeles and they got stuck in traffic on the way to the venue, but they had some of the gear in their car. We ended up having to start the show before they arrived and I remember Kevin playing drums with no cymbals and Ethan sitting on the stage because he didn't have a guitar strap. The Lucksmiths walked in mid-set with the gear. It was our first show outside of Seattle, so we were already really nervous. Not exactly how we wanted the night to go, but of course all was forgotten when they started to play their set. One of my favorite live bands ever.

MAPC and The Lucksmiths together in 2007

Which bands from nowadays do you listen?

CB: Allo Darlin’ is one of my favorites of the moment, and we were lucky enough to get to play a show with them when they visited Seattle last year. Such nice people too! I thought Stornoway’s song “Zorbing” from last year was brilliant, and “Fifteen” by Standard Fare. I’m always excited to hear what our Matinee labelmates are doing as well.

Which song, from any other artist of all time, do you wish you had written?

CB: That’s such a hard question. There are loads of songs I wish I had the talent to have written. A couple that come to mind, particularly for their lyrics, are “Our Town” by Iris Dement and “Nightswimming” by REM. They’re both beautiful.

Any chance to see play here in Spain in a not-so-far future?

CB: I would love to play in Spain, but we’re not able to tour very much with our busy family lives. We’re planning to play a few shows in the UK this summer, but sadly that’s probably as close as we’ll get.

There is a strong debate in Spain about music and internet, nowadays. For some people it seems that internet is killing the whole musical scene because of the illegal download, but some people think that it is only harming really big bands and big record companies and that for the small bands and small record companies internet offers more good things (more people knowing the band, going to gigs and even buying their records directly from them or their record company, if they like it when they download it), than bad things (people downloading the album for free, and not buying it) what are your views about it? Do you think it is harmful for MAPC and Matinée Recordings?

CB: I’ve always felt like it’s a good thing for bands. I think a lot of people who illegally download music wouldn’t necessarily buy it even if they couldn’t get it for free. It’s also expensive to buy lots of records, so most people can’t afford to buy everything they want to hear. We’re not going to get rich either way, so I’d rather have more people listening to our music than less.

Anything else you would like to tell to your fans to end this interview?

Thanks so much for listening to our music! It means a lot to us, especially with so much great music out there to choose from.

xo Charles

The King is dead. The decemberists

2011-01-28T19:00:00.006+01:00

Que haya un nuevo disco de The Decemberists siempre es una buena noticia. Su anterior trabajo, the Hazards of love, aunque a mí personalmente me gustó, probablemente fuera el disco más flojo de la banda. En su contra jugaban que era un cambio importante en el sonido, mucho más oscuro y que, al tratarse un disco sin interrupciones, en el que todas las canciones estaban unidas, no era fácil de escuchar. Para disfrutar de the Hazards of love no podías cambiar de canción a canción, o escuchar las tres primeras y luego al día siguiente otras tres y así, porque el disco era un todo, que sólo se disfrutaba de verdad escuchándolo de principio a fin. El caso es que hoy día no siempre hay tiempo de escuchar los discos enteros, así que todos esos detalles convertían a the Hazards of love en un disco difícil, que requería una especial atención. Quizá ese fue el motivo de las críticas y ese fue el motivo de que the Decemberist hayan decidido dejar atrás ese sonido y esas pretensiones en su nuevo disco.

The King is dead es un disco de pop y de folk luminoso y directo. Si bien el grupo no es de los que piensa que la canción de pop perfecta debe durar menos de tres minutos, en este disco están más contenidos y no hay ninguna canción que dure 10 minutos, como había en sus anteriores trabajos. Para algunos esto será un alivio, para otros como yo, no tiene porqué ser así, porque yo sigo considerando que la mejor canción del grupo es the Mariner’s revenge song, que dura casi 10 minutos. Justo antes de the Hazards of love, the Decemberists sacaron una serie de 3 singles en vinilo bajo el nombre de Always a bridesmaid, cuyo sonido se acerca mucho a lo que es este nuevo disco.

Ya desde la portada, con ese amarillo brillante del sol de un nuevo día sobre un bosque tranquilo, se puede apreciar la diferencia con su anterior trabajo, que tenía una portada oscura, con una madeja de ramas y espinas amenazantes.

Este nuevo disco está lleno de canciones de pop y folk, con ciertos toques country de cuando en cuando, en el que predominan las guitarras acústicas, acordeones y armónicas. Son canciones más animadas, más alegres y más directas, salvo alguna excepción como Dear Avery. Probablemente sea el disco más comercial de the Decemberists (de hecho ha llegado hasta el número 1 en EEUU), pero es comercial sin renunciar a los sonidos que tenían en discos anteriores y que han conseguido que tengan una personalidad perfectamente definida. Las canciones de este disco recuerdan a las más animadas de sus anteriores discos, a July July de su primer trabajo, a Song for Myla Goldberg de Her Majesty, a the Sporting life de su obra maestra, Picaresque, o incluso a las canciones se primer y casi olvidado e.p. llamado Five songs.

Como siempre, uno de los puntos fuertes de the Decemberists son las letras, que en este caso hablan de compartir el dolor por la muerte de un hijo, de sobrevivir a un cataclismo que destroce medio mundo, del trabajo en una mina, o un himno a enero y al invierno en el que se echa de menos a la persona que quieres.

Además el disco cuenta con la participación en varias canciones de Peter Buck de R.E.M., grupo que además cita Collin Melloy como la mayor influencia en el sonido del disco.

En definitiva, si eres seguidor de the Decemberists desde hace tiempo, ya sabes lo que te vas a encontrar aquí, y seguramente te guste el disco, aunque no llegue a ser tan bueno como el Picaresque. Si no eres seguidor del grupo, seguramente este sea el disco más fácil para conocerlos y, si te gusta, tienes una discografía anterior maravillosa pendiente de descubrir.

Mis 3 favoritas: Calamity song, Rox in the box y This is why we fight .

Madrid Popfest

2011-01-16T18:32:00.001+01:00

Los días 11 y 12 de marzo de 2011 se celebrará en Madrid la primera edición del Madrid Popfest organizado gracias al esfuerzo de los miembros del foro People like us. El Popfest es un festival de indiepop que se celebra por todo el globo, desde Nueva York hasta Roma, organizado por pequeñas células independientes entre sí. Siempre desde una total autogestión, sin patrocinadores, aunque sin renunciar a colaboraciones puntuales con colectivos afines, los Popfest del mundo conspiran para reunir a toda clase de grupos, desde leyendas de Sarah o K records, hasta nuevas promesas de Cloudberry, Wee Pop y Slumberland.

En esta primera edición los grupos que actuarán son Tender Trap (grupo de Amelia Fletcher, ex Talulah gosh, ex Heavenly, ex Marine Research), Cola Jet Set, The Blanche Hudson Weekend, Papá Topo, Aias, Zipper, Horowitz, Fred i Son, The Orchids y Allo Darlin’ (disco favorito del 2010 para este blog).

Pronto se sabrán la distribución por días y horarios en la web del festival, aunque también habrá fiestas de presentación en Madrid y Barcelona.

Los abonos ya están a la venta aquí.

En definitiva, un cartel muy atractivo para un festival muy especial y muy recomendable, que esperemos que se repita año tras año. Allí estaremos nosotros si no pasa nada raro :-)

Darren Hayman: January songs

2011-01-05T20:30:00.001+01:00

Durante este mes de enero, Darren Hayman está escribiendo, grabando y publicando una canción al día. Luego cuelga las canciones en soundcloud de forma gratuita durante un par de días para que la gente las descargue y, pasado ese tiempo, las pone a un libra para descargar en bandcamp. Cómo el propio Darren dice, de grabar canciones así algunas canciones que no merecerán la pena, pero es posible que otras sí. Además, teniendo en cuenta que los dos últimos discos de Darren Hayman, Pram Town y Essex Arms, son realmente buenos y muestran que vuelve a estar en un período de inspiración importante, creo que lo conveniente sería darles al menos una oportunidad a las canciones.

Además en algunas canciones va a contar con colaboraciones muy interesantes como Gordon McIntiry de Ballboy, Elizabeth Morris de Allo Darlin', los exhefner Ant y Jack Hayter, Monster Bobby o una banda de flamenco. ¿A que suena al menos curioso?

Entrad al siguiente enlace: http://januarysongs.tumblr.com/ para ver toda la información. Además de las canciones, también sube la letra, ilustraciones y vídeos de la grabación, así que el blog le queda bastante completito.

Cómo ya han pasado unos días de mes hay algunas canciones que ya no pueden descargarse gratis legalmente, pero sí pueden seguir escuchándose gratis. Para los que, como yo, aún os gusta la música en formato físico, Darren ha dicho que no descarta que al final publique las canciones en un CD, aunque no es seguro. Mientras tanto, ¡poneos las pilas e id descargando las canciones día a día!

Discos favoritos del 2010

2010-12-27T09:00:00.009+01:00

Todos los blogs hacen al final del año una lista con los mejores discos y nosotros no íbamos a ser menos. Simplemente quiero aclarar que esta lista no es una lista de lo mejor del año, así en términos absolutos, porque eso es imposible decir. Es una lista de los discos que más me han gustado a mí, personalmente. Viendo listas en otros blogs veo que hay discos que aparecen como lo mejor del año que aún no he podido escuchar, los tengo pendientes, y no descarto que alguno de esos discos pudiera entrar en esta lista, pero no hay tiempo para escucharlo todo antes de que acabe el año, así que hay que decir basta en algún momento. De este modo, estos son, a día de hoy, mis discos favoritos del año 2010. Puede que en un par de semanas cambiara algún puesto de la lista, pero lo que no va a cambiar es que estos discos seguirán encantándome.

10. Belle and Sebastian write about love.

Belle and Sebastian lo tienen más difícil que otros grupos para entrar en esta lista. Siempre han sido una de mis bandas favoritas y eso pesa mucho. Es muy complicado que un nuevo disco de ellos me sorprenda a estas alturas. Cualquier disco nuevo que saquen lo compararé con los anteriores y acabaré pensando que es un disco muy bueno, pero que han hecho cosa mejores. Me queda la duda de si este disco, en vez de un disco de B&S fuese un disco de una banda nueva, hubiera subido muchos puestos en la lista, probablemente sí. Aún así, el disco es una maravilla, desde la canción que abre el disco “I didn’t see it coming” (mi favorita), pasando por la favorita de mucha gente “I want the world to stop”, “Sunday’s pretty icons” o “the Ghost of Rockschool”. Todas son canciones que muchos grupos soñarían con componer, y B&S tiene siempre unas cuantas en sus discos. En el apartado de duetos “Write about love” con Carey Mulligan (actriz de An education) gana la partida a “Little Lou, Ugly Jack, prophet John” con Norah Jones, aunque quizá sólo sea porque me gustaba más como suena la voz de Carey que la de Norah. Mis favoritas son: “I didn’t see it coming”, “I want the world to stop” y “Write about love”.

9. Math and physics club: I shouldn’t look as good as I do.

Math and physics club son una banda de indie pop de Seattle. Su disco de debut salió en 2006 y se convirtió rápidamente en uno de mis discos favoritos. Luego en 2007 sacaron un ep y en 2008 y 2009 la banda estuvo inactiva. De los cinco miembros que formaban el grupo en 2006 sólo quedan 3, los miembros fundadores, por lo que no han perdido el encanto de sus canciones. Son canciones de puro Indie pop, sencillo y directo al corazón. 10 canciones en menos de 30 minutos. Siempre me han recordado mucho a the Lucksmiths y eso sólo puede ser bueno. Canciones cortas sobre amor, sobre musicales o sobre recuerdos del pasado que demuestran que no es necesario cargar las canciones con arreglos y partes instrumentales de relleno para conseguir un buen disco. El disco se cierra con “We are so DIY”, todo un manifiesto sobre la filosofía del grupo, hacer canciones y pasarlo bien, “We are never gonna carry up the charts, but we’ll be the Indie starts that everybody hearts” o “I’ve got my casiotone we can do it own our on, everybody knows we are so DIY”. Mis favoritas son: “Jimmy had a polaroid”, “Everybody loves a showtune” y “We are so DIY”.

8. The Divine comedy: Bang goes the knighthood.

Con the divine comedy me pasa lo mismo que con B&S, es imposible escuchar sus nuevos discos sin comparar con los discos pasados, pero este disco me parece, sin duda, su mejor disco desde “Fin de Siecle”, y eso es mucho decir. Neil Hannon lleva muchos años en el mundo de la música y hace ya tiempo que dejó de experimentar y se dedica a lo mejor que sabe hacer, bonitas canciones, pose de caballero inglés y exquisitos arreglos para embellecer todo el conjunto. En Bang goes the knighthood hay canciones sobre los banqueros que provocaron la crisis económica, un caballero inglés que esconde un oscuro secreto, las discotecas indies, la vida de una chica en la Italia de la postguerra y, como no, canciones de amor que podrían haber formado parte del antiguo disco “A short album about love” como “Have you ever been in love” o “I like”. Como B&S, ya no nos sorprende que Neil Hannon haga canciones maravillosas, pero no por eso se dejan de disfrutar. Mis favoritas son “The complete Banker”, “At the Indie disco” y “Neapolitan girl”.

7. Arcade fire: the Suburbs.

Uno de los discos más esperados del año, y quizá por eso, de los que más difícil tenían agradar a todo el mundo. Siempre estarán los que digan que el Funeral es mejor, y es verdad, pero no por eso éste deja de ser un gran disco. Arcade deja un poco atrás los arreglos exagerados y barrocos y se centra en hacer canciones más sinceras y directas, o todo lo sencillas y directas que Arcade fire puede hacer las canciones. En realidad no tiene nada que ver con el pop directo y sencillo del que hablaba en el disco de Math and Physics club, pero si comparáis the Suburbs con los anteriores discos de Arcade fire, entenderéis a que me refiero. El disco podría estar mucho más alto en esta lista, pero su mayor defecto es que se hace muy largo. El disco tiene 16 canciones y dura más de una, lo que hace que sea complicado abarcarlo. No es un disco fácil, requiere varias escuchas con detenimiento hasta que consigues adentrarte en él, pero cuando finalmente te entra sólo puedes ver las cosas buenas que tiene. En mi opinión, este disco, con tres o cuatro canciones menos, sería el disco del año. Tal y como lo sacaron, se queda en el séptimo puesto de la lista, pero entra en la lista, y eso ya es garantía de que es un gran disco. Mis favoritas son “We used to wait”, “The spwawl II” y “The suburbs”.

6. The Drums

Hace no demasiado escribí una entrada en el blog en la que criticaba a the Drums porque su concierto en Madrid no me gustó demasiado, y ese concierto creo que le ha hecho bajar posiciones al disco en la lista, pero no puedo evitarlo, ahora otros discos me gustan más. Pero eso es señal de que el disco es muy bueno también, porque quizá si lo fuera directamente lo habría dejado fuera de la lista. Está claro que el fuerte de the Drums no son las letras, pero sí lo son las canciones pegadizas. Las guitarras y los sintetizadores se unen para formar canciones que no te puedes sacar de la cabeza desde la primera escucha, y pronto te encuentras cantando forever and ever sin parar. Aún así este es uno de esos grupos que sólo el paso del tiempo, y de los discos nos sacará de la duda de si son sólo un hype o si son algo más. Mientras tanto, este disco se disfruta de principio a fin, porque, ¿quién no se puesto a silbar la melodía de “let’s go surfing” sin darse cuenta después de oírla?. Mis favoritas son: “Me and the moon”, “Forever and ever amen” y “Let’s go surfing”.

5. She and him: Volume two.

Zooey Deschanel lo tiene todo para ser la musa indie por excelencia. Es guapa, es actriz de películas interesantes como 500 días de verano o Flakes, y encima tiene un grupo en el que canta, toca y compone las canciones. Y encima su nuevo disco está genial. Ella compone las canciones y Matt Ward las produce, y entre los dos han conseguido un disco redondo. Ya podría aprender Scarlett Johanson que para ser cantante y actriz no basta con ser guapa y conocida, que tener buena voz y buenas canciones es lo más importante. Desde que el disco se abre con “Thieves” y se cierra con “You can’t sleep” entras en su particular universo de nostalgia y melancolía, en ocasiones encierra momentos animados, pero la sensación que transmite es de tristeza, pero tristeza en el buen sentido de la palabra, en el sentido de canciones bonitas. Mis favoritas son: “Thieves”, “Lingering still” y “Brand new shoes”.

4. Los Campesinos!: Romance is boring.

Tercer disco de los Campesinos! y lo cierto es que cada vez están más lejos del pop colorista y alegre de You, me, dancing, con el que se dieron a conocer. Parece que lo digo en forma de crítica, pero para mí no lo es. Los Campesinos! han evolucionado y han encontrado un sonido propio dentro de ese unión que quieren hacer del twee pop y el harcore pop que ellos llaman tweecore, y lo cierto es que les queda genial. Las canciones son oscuras, con letras muy inteligentes aunque deprimentes en general, con personajes amargados o aburridos o simplemente patéticos. Unen guitarras ruidosas y descontroladas con xilófonos y violines de forma asombrosa. No es un disco tan instántaneo como fue su álbum de debut, en realidad sigue la línea de su segundo disco (o ep largo, que es lo que hay gente que lo entiende así) y lo lleva un paso más allá, y el resultado es muy recomendable. Si no os convence a la primera escucha, dadle una segunda oportunidad, merece la pena. Las letras son un punto fuerte del disco, leed la letra de “In media res” o “The sea is a good place to think of the future” y comparadlas con las letras de otros grupos, lo normal es que Los Campesinos salgan victoriosos. Mis favoritas son “The sea is a good place to think of the future”, “Straight in at 101” y “A hear rash in the shape of the show me State; or letter from me to Charlotte”.

3. Lucky soul: A coming of age.

Recuerdo que cuando salió el primer disco de the Pipettes mi hermano me dijo que escuchara el de Lucky Soul que seguro que me iba a encantar, y así fue. En ese momento no sabría decir cual de los dos discos me gustaba más, pero ahora el tiempo ha pasado y, como dicen, el tiempo pone a cada uno en su lugar. The pipettes han cambiado, tanto de miembros como de estilo, y su segundo disco no he podido escucharlo más de un par de veces. El de Lucky Soul en cambio, se ha convertido en uno de mis discos favoritos del año. Así que ya tengo ganador en ese duelo. A coming of age no tiene una canción tan destacable como single como Lips are unhappy pero el conjunto de las canciones es tan bueno que ni siquiera lo echas de menos. Las canciones siguen inspirándose en los grupos de chicas de los 60 y siguen siendo una delicia, incluso cuando tiene algún toque country (y a mí no me gusta la música country). El disco es una fiesta continua, una mirada al pasado que te deja con unas ganas perdidas de arrancarte a bailar. Mis favoritas son “White Russian doll”, “Up in flames” y “That’s when trouble begins”,

2. Kathryn Calder: Are you my mother?

Kathryn Calder empezó su carrera musical con Inmaculate machine, luego pasó a formar parte de the New Pornographers en Twin cinema y en 2010 vio la luz su primer disco en solitario “Are you my mother?”. A pesar de ello, este disco no suena ni a Inmacualte machine ni a the New Pornographers, y resulta muy recomendable. El disco fue grabado en su casa de su madre (utilizando en ocasiones instrumentos caseros, como una caja de kleenex, archivadores, que le añaden encanto al sonido), mientras Kathryn acompañaba a su madre durante una larga enfermedad terminal, a quien dedica el disco. Se podría pensar que el disco sonaría deprimente por la situación, pero no es así. El disco transmite melancolía, eso es cierto, desde la portada con el conejito buscando a su madre como las canciones, pero siempre hay un rayo de luz cuando es necesario, como en “Slip away” o “Castor and Pollux”, o “Follow me into the Hills”, que hacen que también sea un disco alegre por momentos. La voz de Kathryn (imposible de distinguirla de la de Neko Case en las canciones de the new Pornographers) inunda todas las canciones y se convierte en protagonista casi absoluta en temas como “Down the river” o “Arrow” (precioso el vídeo de esta última). En el disco cuenta con colaboraciones de Neko Case, Kurt Dahle y Todd Fancey de the New Pornographers y de miembros de Ladyhawke. Mis favoritas son: “Down the river”, “Arrow” y “Slip away”.

1. Allo, Darlin’.

Y llegamos al número uno de mi lista. Más Indie pop de toda la vida, supongo que es inevitable, porque al final es lo que más me gusta. Este año Amelia Fletcher ha sacado un disco de Tender Trap, en el que también está Elisabeth Morris de Allo Darlin’ y que ha sido uno de los discos que habría podido entrar en esta lista y no lo han hecho. Pero el espíritu de grupos como Heavenly, que tanto se echa de menos, creo que está mejor representado por este disco. Los juegos de voces en Dreaming recuerda a C is the heavenly option (igual que “Before 5” de When Nalda became punk, aunque sea casualidad que hayan coincidido en el tiempo). Curiosamente la voz de chico en esa canción es de Monster Bobby (cerebro y artífice tanto del primer maravilloso disco de the Pipettes, como del segundo disco que tanto me ha decepcionado). Otras canciones suenan a los primeros discos de Camera Obscura. Pero volviendo a Allo, Darling’, el disco es casi perfecto. “The polaroid song” (es el año de las canciones sobre Polaroid en esta lista, primero Math and Physics club y luego ésta) es sin duda la canción del año para mí, me resulta imposible sacármela de la cabeza cuando la escucho y visualizar el vídeo con el grupo bailando la canción, una auténtica joya que seguramente será un clásico instantáneo del Indie pop desde ya. Luego en “Kissed your lips” incluyen un homenaje a Weezer (grupo que yo aún sigo reivindicando en cuanto tengo ocasión) que hace que ganen aún más puntos. Pero aparte de la anécdota de citar a Weezer la canción también transmite un buen rollo que es de agradecer, aunque la letra pueda resultar cursi en ocasiones. El disco es corto, directo y al corazón, y lo único que puedes hacer es esperar a su segundo disco para poder confirmar que estamos ante una de las bandas de Indie pop que va a dejar huella para mucho tiempo. Mis favoritas son: “The polaroid song”, “Kiss your lips” y “Woody Allen”.

¿Por dónde íbamos? Homenaje a the Lucksmiths (parte II)

2010-12-23T17:40:00.001+01:00

Seguimos con la discografía de the Lucksmiths que aún quedan unos cuantos discos.

Tras el Happy Secret la banda sacó un ep, Staring at the sky, con 6 canciones que seguían la línea de las canciones de su anterior trabajo (no incluidas en ningún recopilatorio posterior). Destacan especialmente Smokers in love con ese estribillo con un “lalala” supercontagioso sobre armónica y The golden age of aviation, una de mis canciones favoritas del grupo. The Golden age of aviation se abre con el discurso de Amy Johnson, primera mujer que voló en solitario desde el Reino Unido hasta Australia, allá por el año 1930, cuando completó su hazaña y que, cómo su colega más conocida Amelia Earhart, falleció en un accidente de aviación y nunca se encontró su cuerpo. La letra de la canción habla de una pareja que no para de discutir y la chica está obsesionada con la vida de una aviadora famosa y el aeromodelismo, y que no consiguen entenderse. La canción está genial, el piano y el banjo llevan el peso de la canción, luego se unen los instrumentos de viento en la segunda estrofa para darle mayor cuerpo al tema. Sólo por esta canción este ep merece la pena.

El verdadero giro musical de la banda llegó con el siguiente disco largo, Why that doesn’t surprise me? En este disco las canciones son mucho más maduras, más pausadas, salvo excepciones como Synchronised sinking o Self preservation (dos de las mejores canciones del disco), que siguen recordando a las canciones más animadas del pasado como Frisbee o Under the rotunda. Además los arreglos con los teclados y las cuerdas abundan en comparación con los discos anteriores. El cambio no es tan exagerado como fue el Soidermesol para La buena vida, que acabó siendo una chica cantando con una orquesta detrás, pero siempre me ha recordado un poco a ese estilo. Las cuerdas se hacen notar especialmente en The great dividing range, otra canción sobre el amor a distancia, sobre una pareja separada por esa cordillera de Australia; Broken bones, con una parte instrumental sólo de orquesta; First cousin que une el sonido del banjo con los de los arreglos de cuerda; o la maravillosa canción que cierra el disco, The year of driving languorously. Éste último tema narra un viaje en coche en verano con tu pareja, buscando música agradable en la radio, sabiendo que cuando acabe el verano ella se irá lejos a ver lo que hay al otro año del océano y tú tratas de convencerla de que lo que tiene delante de sus ojos es mucho mejor. Siempre me ha encantado la frase de “we held our breath accross each bridge, till we were blue but I wonder if I wished the same as you, like a ten year old pretending summer isn’t really ending”. Por lo visto si mantienes la respiración mientras cruzas un puente en la carretera y consigues aguantar hasta el otro extremo del puente puedes pedir un deseo, el del chico es obviamente que ella no se vaya, y el de ella, probablemente es otro muy distinto.

El siguiente álbum de la banda es Where were we?, segunda recopilación de canciones para singles y recopilatorios. The lucksmiths siempre ha sido una banda que ha colaborado en multitud de recopilatorios en sellos de todo el mundo y estas recopilaciones son la única forma de tener todas sus canciones sin volverte loco (aún sacarían otra más en el futuro, y encima doble). Podéis pensar que esto es sólo para fans completistas y un tanto exagerados, y puede que tengáis razón, pero el caso es que algunas de las mejores canciones de the Lucksmiths sólo aparecieron en singles y no llegaron a formar parte de los discos largos del grupo. Así que si obviarais estos discos os perderíais auténticas joyas como las que tenía el Happy secret o las contenidas en este CD, como Myopic friends, A downside to the upstairs, Friendless summer, Even Stevens (canción a medias con the Ladybug transistor) o sobretodo T-shirt weather, una de las mejores canciones del grupo y favorita de los fans. ¿Quién no se ha sentido alguna vez feliz al levantarse y ver que por fin ha llegado el buen tiempo y puedes aprovecharlo al máximo? Esa sensación es la que transmite T-shirt weather.

Naturaliste es más contenido en cuanto a arreglos de cuerda. Se puede decir que es un disco que funde lo mejor de las canciones de los primeros discos con el estilo del Why that doesn’t surprise me? Camera shy habla de lo que poco que le gusta al cantante salir en fotos y cómo nunca se ve bien en ellas; the Sandringham line de huir para encontrar algo mejor en otro lugar; Midweek midmorning sigue con la temática de aprovechar el buen tiempo de T-shirt weather, con el placer añadido de que es un día laboral entresemana el que puedes aprovechar; There is a boy that never goes our homenajea a los Smiths, principal referencia del grupo (nunca han ocultado que es su mayor influencia); Stayaway stars, una de las mejores canciones del disco culpa a las luces de la ciudad que te impiden observar las estrellas y The shipwreck coast cierra el disco, con una canción hipnótica, con un toque melancólico, sobre una visita a un lugar de Australia con ese nombre, que os podéis hacer una idea de lo tétrico que puede llegar a ser.

Después sacaron otro ep de 6 canciones (no incluidas en ningún recopilatorio posterior), A little distraction, que sigue la línea marcada por el Naturaliste y que, con canciones como Transpontine, Successlessness o Little distraction demostraban que el grupo estaba sin duda en su mejor momento.

A estas alturas, the Lucksmiths habían sacado ya 5 discos largos, dos recopilatorios de singles, sus primeras maquetas, tres eps y un montón de canciones sueltas en singles. Hay una cosa que me ocurre muy a menudo con mis grupos favoritos. Siempre valoras más los primeros trabajos con los que los descubriste, acaban siendo tus preferidos, y por mucho que saques cosas nuevas y te gusten, siempre piensas “los antiguos eran mejores”, quizá porque los tienes más idealizados, o les has cogido más cariño con el tiempo o yo que sé. Por eso me quedé tan sorprendido cuando the Lucksmiths sacaron Warmer Corners, porque desde las primeras escuchas me pareció el mejor disco del grupo, y con todo lo que habían publicado, eso es mucho decir.

En Warmer corners se unió a la banda otro guitarrista, Louis Richter y ese cambió le vino genial al sonido del disco. Warmer corners consigue aunar todo lo bueno de los primeros discos del grupo, espontáneos, frescos, pegadizos, con la madurez y los arreglos que aparecían en las referencias más recientes de la banda. Desde el comienzo del disco, con A hiccup in your happiness, canción sobre cómo afrontar los primeros días después de una ruptura, las guitarras ganan protagonismo y fuerza y se mezclan a la perfección con los arreglos de cuerda o de viento. En The music next door los juegos entre las guitarras envuelven toda la canción y el estribillo final con el Paparapapa se queda en la cabeza durante días. Sunlight in a jar es otra de las canciones aceleradas, que se canta casi sin respirar y que pronto se convierte en otra de las favoritas de siempre. Young and dumb te recuerda que aún nos queda lo mejor por vivir y que tenemos que aprovechar el momento. Great lenghts habla de los esfuerzos estar con la persona que quieres y como todo merece la pena cuando lo consigues. Pero para mí, la canción que ejemplifica la perfección a la que llegan the Lucksmiths con este disco es The Chapter in your life entitled San Francisco. La canción habla, una vez más, del amor a distancia, de luchar por mantener viva la relación a pesar de la distancia, pero lo principal es la música. Si escuchas esta canción con detenimiento ves que todo encaja a la perfección, que está lleno de pequeños detalles como punteos de guitarra, teclados, arreglos de cuerda, de viento y que todo se une para componer una canción maravillosa. Hay veces en que los arreglos sobrecargan una canción y desmerecen el resultado final, pero en esta canción, todo está dónde debe estar, en su justa mirada, y cada arreglo brilla por separado, para hacer brillar todo el tema. Quizá el grupo tengan canciones que me gustan más por diversas razones, pero the Chapter in your life entitled San Francisco creo que, tal y como está grabada, es perfecta, que ni le falta ni le sobra nada, que por mucho que quisieran grabarla otra vez, no conseguirían mejorarla en absoluto. En definitiva, todo el disco es fascinante, y lo único que podías pensar es en cuando sacarían más canciones.

Antes del último disco largo de la banda sacaron otra recopilación de singles, canciones para recopilatorios, remezclas y tomas en directo, Spring a leak. De nuevo merece la pena tenerlo porque si no te perderías canciones increíbles como From Macauly Station (quizá la mejor canción triste de la banda), Rue Something, Absent votes, The thought that counts o Requiem for the punters club, aunque este disco sí es más para fans completistas que para el público en general.

First frost fue el último disco de the Lucksmiths, poco después anunciaron que se separaban. El disco, sin llegar al nivel de Warmer corners, es muy bueno, quizá más pausado, y te deja un regustillo amargo al pensar que es la despedida. Cuando un grupo sigue haciendo canciones tan buenas como Good Light, A sobering thought, the town and the Hills o How we met piensas que no deberían dejarlo nunca. Todo el disco tiene un tono más melancólico, desde la portada hasta los propios temas, supongo que es porque lo habían anunciado, pero es cierto que suena a despedida. Parece mentira que después de tantos años y tantas canciones, fueran capaces de seguir emocionando a sus fans con su música y sus letras.

A modo póstumo se publicó un último single del grupo, Get-to-bed-birds. Single de 1000 copias numeradas (no recuerdo que número es la mía) con una preciosa portada con unos pájaros volando sobre un edificio presidido con la palabra “Libertad”, en castellano. Contenía dos canciones, la primera que le da título al single y la cara b es The World of professional golf 1994. Get-to-bed-birds es, según Marty Donald, la última canción que escribió para la banda y habla de la vuelta a casa tras una Nochevieja muy alegre, a través de un barrio en el que había vivido y sirve de perfecta despedida para la banda porque, según sus propias palabras “marca el fin de algo y un nuevo comienzo”. Además en el 2011 saldrá publicado Unfamiliar Stars, un DVD del último concierto de la banda en Melbourne.

Pues este es el final del artículo, con toda la discografía de the Lucksmiths. Cómo conclusión sólo decir que el grupo tiene una discografía envidiable, que ya quisieran muchos otros grupos con mayor nombre tener tantas buenas canciones durante tanto tiempo, y que merecían mucho más reconocimiento del que tuvieron. Por suerte, sus canciones siempre estarán ahí para recodarnos todo lo bueno del grupo.

Single digital y cuestionario de When Nalda Became Punk

2010-12-19T18:21:00.002+01:00

"Con el paso del tiempo muchas cosas cambian, se nos agria el carácter, situaciones que antes pasábamos por alto ahora nos molestan... y entonces nos planteamos si estamos siguiendo el camino correcto o si es que nos estamos haciendo mayores. Por suerte siempre nos quedan las canciones para recordarnos quienes somos realmente. "

Este es el texto de presentación que acompaña el single digital de When Nalda became punk en el Club7 de Discos Bubbletone que desde el pasado 16 de diciembre está disponible en descarga gratuita.

Podéis descargaros el single, incluyendo un pdf con la portada y los créditos por si queréis montaros vuestro single en CD-r en el siguiente enlace:

http://www.bubbletonediscos.com/club7/esp-releases.html

El single está formado por dos canciones: Before 5 y Moderns, you should stay home. Ambas canciones formaban parte de la última maqueta de la banda, pero algunas partes se han vuelto a grabar y mezclar y lo cierto es que las canciones han quedado mucho mejor con la nueva producción, con un sonido mucho más conseguido.

El Club 7 de Bubbletone discos ofrece cada mes uno o dos singles digitales, totalmente gratuitos de grupos de indie pop, nacionales e internacionales, que merecen mucho la pena. Es una iniciativa muy atractiva para descubrir nuevos grupos. When Nalda became Punk es la 5 referencia, pero también podéos descargaros los singles de Skittle Aley, the Arctic Flow, Fireflies y The Yellow Melodies.

Además, la revista japonesa P+M Magazine realizó un pequeño cuestionario a When Nalda became Punk en su último número. Podéis descargaros la revista completa, que tiene un diseño increíble, sobre fotografía y música principalmente, además de un recopilatorio en mp3 de un montón de nuevos grupos de indie pop muy recomendables, en el siguiente enlace:

http://onimaga.com/

Para los que no dominéis el japonés, os pongo la traducción del cuestionario al castellano por si tenéis curiosidad de saber que dice:

Q1. Presentación de la banda:
Soy Elena, una chica de Galicia (España), escribo canciones lo-fi de indie pop con el nombre de When Nalda became punk.

Q2. ¿Cómo formaste el grupo?
Desde que aprendí a tocar la guitarra cuando tenía 16 años empecé a escribir canciones que no solía enseñar a nadie por vergüenza, hasta que un día después de mucho tiempo me decidí a subirlas a myspace, los comentarios positivos de la gente me animaron a seguir grabando y subiéndolas

Q3. ¿Quiénes son los artistas que más te gustan o más te han influenciado?
Me gustan muchísimos grupos indies, sobre todo británicos de los 90, hoy en día escucho más de todo, pero creo que el grupo que más me ha marcado es Belle and Sebastian

Q4. ¿Cuál es el aspecto más interesante de tu grupo?
Creo que la espontaneidad de las canciones, el no disponer de muchos medios hace que las canciones estén menos disfrazadas y por lo tanto sean más sinceras.

Q5. ¿Qué trabajo recomendarías de tu grupo?
No tengo una discografía muy extensa, dos maquetas y alguna colaboracion esporádica, así que me quedo con la nueva maqueta.

Q6. ¿Qué es lo que más valoras del mundo de la música?

Las melodías por encima de todo lo demás.

Q7. ¿Cuál fue el primer cassette, disco o CD que compraste?
Un recopilatorio doble en cinta de los Beach Boys. No lo compré yo, pero lo pedí como regalo de cumpleaños cuando era muy pequeña.

Q8. ¿Cuál es tu disco favorito?

The boy with the arab strap de Belle and Sebastian.

Q9. ¿Cuál es tu lugar favorito?

Para viajar Londres, auqnue hay muchos sitios en los que no he estado que lo podrían ser.

Q10. ¿Cuál es tu sueño para el futuro?

Grabar un disco y formar un grupo para empezar a hacer conciertos.

Un secreto alegre: homenaje a The Lucksmiths (parte I)

2010-12-07T18:22:00.001+01:00

Este blog ha estado parado mucho tiempo y durante ese parón han pasado muchas cosas que habríamos comentado de haber estado activos. Una de ellas es que en 2009 se separaron una de mis bandas favoritas, the Lucksmiths, así que esta entrada es mi pequeño homenaje a estos australianos que me han hecho pasar tan buenos ratos con sus canciones y sus conciertos. La voy a dividir en dos partes porque con la amplia discografía de la banda la entrada sería demasiado larga, así que hoy pongo la primera parte y, en un par de días la segunda.

Para mi la discografía de the Lucksmiths tiene dos etapas claramente diferenciadas, básicamente formadas por los discos que habían publicado antes de que yo los conociera los discos publicados desde entonces, aunque también creo que entre Happy secret y Why that doesn´t surprise me? el grupo cambió, por lo que la división me parece acertada. Así, la primera va desde la primera maqueta hasta el recopilatorio Happy secret. Os aviso que cuando hablo de las letras, en algunos casos sé exactamente de qué van porque hacen referencia a libros o hechos reales, pero en otros casos se trata simplemente de mi interpretación de las letras, así que es posible que a vosotros os inspiren otras cosas, pero eso es lo bonito de las canciones, ¿no?

Conocí a the Lucksmiths hace un montón de años, pero no recuerdo el año exacto. Sé que fue un año que mi hermano Carlos, que había visto un concierto de ellos en Londres se compró en Benicássim el Happy secret (primer recopilatorio de singles y canciones de recopilatorios del grupo). Recuerdo estar en la playa ese mes de agosto escuchando ese disco y quedarme maravillado desde los primeros versos “First things first I have a happy secret, the next bit is worse I intend to keep it that way”. El disco pasó en un abrir y cerrar de ojos (creo que dura unos 27 o 28 minutos, no lo he mirado concretamente) y para entonces ya era fan.

En septiembre se acabó el verano (aunque Airbag diga lo contrario) y volví a Murcia y mi hermano a Madrid. Volver a Murcia significaba volver a tener acceso a Internet (no es que veranease en el pueblo de Cuéntame, pero no tenía Internet en la playa) y me puse a investigar sobre la discografía de The lucksmiths. Eran tres australianos, Marty Donald (guitarrista y principal compositor), Mark Monone (bajo y compositor de algunos temas) y Tali White (voz, batería, aunque no fuera una batería completa y también compositor de algunas canciones y líder de los también recomendables The Guild league).

Fue entonces cuando me di cuenta de que los conocí tarde porque ya tenían un montón de discos. Me puse a ver en la web de su sello en Australia y vi que los discos no estaban muy caros (el cambio del dólar australiano al euro parecía bueno) así que pensé que sí iba a tener que pedir discos a Australia, seguramente me saldría un pastón de gastos de envío, por lo que cuantos más mejor. Hablé con mi hermano y él pensó lo mismo, así que hicimos un pedido conjunto a la extinta Candle Records de dos copias de los 6 CDs que tenían publicados hasta entonces (menos el Happy secret que ya lo tenía mi hermano y sólo pedimos una copia para mí) dos copias más de un CDEP Staring at the sky. Supongo que el australiano que llevaba el sello se debió de quedar alucinado con el pedido, pero nosotros estábamos encantados.

Cuando llegó el pedido había tanto disco que era complicado asimilarlo, había que ir escuchando poco a poco, desde el principio.

First tape era, como su nombre indica, la primera cinta que sacaron The Lucksmiths, es una maqueta y el sonido no es demasiado bueno, pero si eres muy fan se puede disfrutar. Las canciones son en general muy aceleradas, amateur y los arreglos brillan por su ausencia. Sólo guitarra, bajo y batería (aunque la batería la tocaba el cantante de pie y no era una batería completa, algo que le daba mucha personalidad al sonido del grupo en toda su carrera) y ocasionalmente armónica. Aún así, estas primeras canciones ya marcan las pautas de lo que iban a ser el grupo en su carrera, con canciones rápidas y pegadizas entre las que de vez en cuando se colaba alguna más lenta (Weatherboard fue la primera ocasión en la que componían una de esas tantas canciones lentas que crecían con cada escucha), con letras de amor(incluyendo una felicitación de cumpleaños), de distancia, del tiempo y de crímenes (sí, de crímenes, hay gente aficionada a crímenes famosos y Marty Donald, principal compositor del grupo, lo es). Todavía no sé tomaban muy en serio y simplemente eran jóvenes haciendo las canciones que les apetecía, sin preocuparse demasiado por el sonido.

Boondoggle fue su primera referencia oficial (First tape fue reeditada más tarde) y era un ep con 8 canciones que sigue la línea de la maqueta, pero con un sonido un poco mejor. Sigue siendo amateur y acelerado, sobretodo en la última canción que tiene hasta un toque de ska, y también creo que es un disco muy para fans, porque aún está lejos de lo mejor que hicieron, pero canciones como Summertown (“She said I love when its sunny, but the sun refused to shine” o Umbrella ya presagiaban lo que serían los siguientes discos.

Después vino The green bicycle case. ¿Qué grupo de pop puede ponerle de nombre a su disco el de un caso de asesinato real? Pues the Lucksmiths pueden y el caso es que el tono general del disco no es ni lúgubre ni deprimente, sino alegre y desenfadado. Las letras en este disco tienen muchas referencias literarias o de la vida real como the Tichborne Claimant, que habla del caso real de farsante que se hace pasar por un rico heredero desaparecido hace años a pesar de que no se parece en nada a él, o Thomas y Martha que habla del impacto que le causó a Thomas Hardy ver la ejecución pública de Martha Brown, o William and Mary, que está basado en un inquietante y muy recomendable relato de Roald Dahl sobre un hombre que consigue que conserven su cerebro vivo después de muerto, con un solo ojo para vigilar a su esposa. La música empieza a ser más pausada y el grupo se acerca más al indiepop de toda la vida que será una constante el resto de su carrera.

What bird is that? Seguía la línea de su predecesor pero era un punto más calmado, más reflexivo. Letras dedicadas a una librera con la mente de Sharon Stone pero el corazón de Danielle Steele, a Jenifer Jason Leigh, al golf, a los amigos, a un borracho o a un tipo que viste horrorosamente. Pero las letras ya no son tan amateur, ya empiezan a contar cosas que te llegan, que crees que hablan de ti, porque ese es el verdadero punto fuerte de este grupo, las letras cotidianas, de amor, de soledad y de echar de menos a la gente que quieres, que escuchas, compartes y piensas ¿Por qué no se me habría ocurrido a mí? Claros son Shine on me (“I like the way that she looks at me I like every little bit of it, when she is here I’m always happy, when she is not I’m happyish”) Frisbee (“Today the sun is shinning and I feel a million dollars, and I don’t need reminding that I own eleven cents” o Twenty two (“Funny old birthday, I’ve talked to no one, is she counting her loose change? At the end of the ocean, I want her to phone me, I’m a little lonely”)

Y llegamos al disco A good kind of nervous, para mí el mejor disco de la primera parte de su carrera y que está ahí ahí con el Warmer corners como favorito de toda su discografía. El disco lo abre Caravanna, una preciosa canción lenta, evocadora, sobre una pareja que vive aburrida en una caravana malgastando sus días pensando en lo que podría ser su vida, en los lugares que podrían visitar si alguno de los dos aprendiera a conducir y llevara la caravana lejos de ahí (algo parecido a Caravan song de Darren Hayman, pero muchos años antes). Luego viene Under the rotunda, uno de esos hits instantáneos, pegadizos que tan bien se le dan a la banda; canción ideal para animar un fin de semana “It’s already Friday and soon it will be Friday night”. La canción describe las cosas que podrían hacer cita ideal, cosas que por muchas veces que hayan hecho las podrían seguir haciendo, si la chica se decide a quedar. Los arreglos de trompeta del estribillo junto con los coros femeninos le añaden un toque especial para redondear una de las mejores canciones del grupo. En World encyclopedia of the Twentieth Century murder Marty Donald confiesa que, aunque suene raro y le de vergüenza, es aficionado a los crímenes famosos (ya había avisado en discos anteriores y ahora lo reconoce) pero que no está mal de la cabeza. The invention of ordinary things vuelve al ritmo lento mientras describe una tarde aburrida de rutina con tu compañero de piso después de unos cuantos desengaños amorosos (“she is telling me she is tired of relationships, and I’m bending bits of wire into paperclips”). Guess how much I love you, es sin duda una de las mejores canciones del grupo, de las más emocionantes. El ejemplo perfecto de cómo una canción sobre el amor a distancia puede hacer que te identifiques con ella aunque no hable realmente de ti (“and when I spoke to you, you said I’ll see you but I haven’t seen you for ages, and your voice sounded so small, the loneliness of a long distance phone call”). La canción habla de lo que siente al pensar en ella todo el día a pesar de que estén lejos, en como se anima un poco cuando consigue hablar con ella pero como todo vuelve a cambiar cuando cuelgan el teléfono y ve que la distancia sigue ahí (“On a map the gap’s three fingers but is more than that”). Up habla de la historia real de una persona que se aburría y lo único que le ocurrió para salir de la monotonía fue atar un montón de globos a una silla y salir volando, ¿os suena? Pues sí, pasó antes que la peli de Pixar, y también antes del sacerdote brasileño, y los Lucksmiths lo contaron. El disco lo cierra Little Athletics, preciosa canción con una melodía que se te mete en la cabeza y se queda allí durante toda la tarde. La canción habla de dos amigos que salen de relaciones fallidas a ahogar sus penas y no se les ocurre otra cosa que echar una carrera hacia casa, sintiendo que su amistad quizá puede convertirse en algo más. El reprise de la canción se convierte en el broche perfecto para un cerrar un disco casi perfecto.

Después de este disco recopilaron algunos singles y canciones recopilatorios en el CD Happy Secret, que si no fuera porque es recopilatorio, también podría considerarlo entre los mejores discos del grupo. Desde Untidy towns se percibe que estas canciones muestran un sonido más trabajado, con más coros, arreglos de piano, de armónica para hacer perfectas canciones de pop que no llegan a los 3 minutos. Edward Sandwich Hand te cautiva con los silbidos del estribillo mientras habla de la desesperación de la semana laboral mientras esperas que llegue el fin de semana, o el verano para alejarte de la rutina. The art of cooking for two, otra de las mejores canciones del grupo recuerda con los buenos tiempos como compañero de piso de una chica que ahora se va con un chico que encima es un poco molesto, rememorando las noches de cocina juntos mientras ella hace la mudanza. A great parker es otro ejemplo de las maravillosas canciones tristes con letras aparentemente simples pero inteligentes que sabían hacer los australianos. Una llamada triste a una amiga para que venga a hacerte compañía en una tarde hastío, en la que la resaca y el cansancio te hacen sentir sólo, te asomas a la ventana y ves que delante de tu casa a un pequeño sitio libre, y aunque te habías reído de ella diciendo que era una mala conductora intentas convencerla de que lo decías en serio, que aparca muy bien y que si se da prisa puede coger ese sitio y estar contigo, y puede que ser más que amigos. Son pequeñas cosas que, aunque a ti no te hayan pasado, te llegan y piensas en que a ti también te podrían pasar.

En unos días, seguiré el resto de discos de The lucksmiths, que también merecen mucho la pena.

An evening with Neil Hannon: The Divine Comedy en Guimaraes.

2010-11-30T11:37:00.003+01:00

Siendo fans desde hace tantos años de The divine comedy no podíamos dejar pasar la oportunidad de ir a su concierto en Guimaraes (Portugal) estando a sólo una hora y cuarto de Vigo (por cierto, que las fotos que ilustran esta reseña son del Festival Vigo Transforma del mes de julio pasado, porque sacamos mejores fotos allí que en Portugal, pero la escenografía era la misma).

Además, descubrimos una ciudad en la que no habíamos estado y que quizá no hubieramos visitado por otro motivo. Guimaraes es una ciudad pequeña de unos 52.000 habitantes en su núcleo central (según Wikipedia) pero su centro histórico es Patrimonio de la Humanidad y merece la pena visitarlo porque tiene mucho encanto, encima se come muy bien y barato, así que es un lugar a recomendar. También hay un castillo del siglo X y un enorme pazo del siglo XV muy bien conservados. En fin, dejemos la recomendación turística y vayamos a lo importante para este blog, que es la música.

Neil Hannon actuó el sábado 27 de noviembre en el Centro de Artes y Espectáculos Sao Mamede. La sala de la actuación era un auditorio con una platea para gente de pie con capacidad para 850 personas y dos balcones con asientos dónde cabían unas 500 personas más. No estoy seguro de si se vendieron todas las entradas pero si no se agotó el papel, poco faltó.

Con diez minutos de retraso apareció Neil Hannon por la izquierda del escenario vestido con traje de chaqueta y corbata, bombín y maletín de ejecutivo de la city del siglo pasado. En el escenario le esperaban únicamente un piano, una guitarra y una copa de vino. Sé que hay gente que le daba rabia que en esta gira de The divine Comedy viniera él sólo y no con banda, y en parte tienen razón, porque Generation sex no es lo mismo sin los arreglos de cuerda del final o Tonight we fly suena mejor cuando la batería va marcando el ritmo de la canción, pero Neil Hannon tiene carisma y canciones de sobra para acutar en solitario y cautivar a todo un auditorio, que además estaba entregado de antemano.

Abrió el concierto al piano con Assume the perpendicular de su último trabajo, Bang goes the Knighthood, para poco a poco ir desgranando temas de toda su discografía, alternando temas al piano y a la guitarra, disculpándose de cuando en cuando por no ser excesivamente hábil con la guitarra.

Entre canción y canción buscó la interacción con el público con comentarios sobre el rescate de Grecia e Irlanda y preguntándose si Portugal sería el siguiente, pidiendo a la gente que aplaudieran, que chasquearan los dedos o que respondieran a los coros con los acordes de la Marsellesa en The frog princess. Pocas palabras en Portugués, sólo cosas como buenas noches o muchas gracias, pero no importaba.

El concierto estuvo más centrado en su último disco (5 canciones), el Fin de siecle (4), Victory for the comic muse y Casanova (3 canciones de cada uno). Además tocó una canción de cada uno de sus otros discos, así hasta un total de 21 canciones (al final de esta reseña pongo el setlist, ordenado por discos, porque no recuerdo muy bien el orden de todas las canciones, por si tenéis curiosidad). A destacar Perfect lovesong, un a canción del Regeneration disco que, si bien es el que menos me gusta de The divine comedy, tiene grandes canciones que me hubiera gustado escuchar sin la producción que aparece en la versión publicada.

Las canciones más aplaudidas y coreadas fueron los grandes clásicos como Everybody knows (except you), Becoming more like Alfie, Tonight we fly o National Express, pero también canciones de sus trabajos más recientes como A lady of a certain age, At the indie disco o I like.

Como curiosidad, versioneó "Don't you want me baby" de The human league, según sus palabras "como premio por haber estado aplaudiendo durante tres minutos" mientras tocaba At the indie disco.

La parte final del concierto enlazó Generation Sex, Snowball in negative y Tonight we fly (una canción que nunca me cansaré de escuchar) al piano antes del habitual parón antes de los bises.

Cuando salió otra vez, con el público entregado, cerró la noche con The frog princess, en la que el público colaboró con silbiditos en el estribillo y los ya mencionados coros de la marsellesa y National Express, según el propio Neil Hannon su canción más conocida (fue el single de The divine comedy que más alto llegó en las listas de ventas británicas) y que sirvió para que todo el auditorio cantara el Paparapapa al unísono.

En definitiva, una velada muy agradable a solas con Neil Hannon, más de hora y media de concierto que aún así sabe a poco, porque tiene tantas canciones buenas que te hace pensar que ojalá se deje caer pronto otra vez por estas tierras.

Setlist:

Liberation: - The pop singer fear of the pollen count.

Promenade: -Tonight we fly.

Casanova: -Songs of love. -Becoming more like Alfie. -The frog princess.

A short album about love: -Everybody knows (except you).

Fin de siecle: -Generation Sex. -National Express. -Sweden. - The certainty of chance.

Regeneration:- Perfect lovesong.

Absent friends: -Our mutual friend.

Victory for the comic muse: -A lady of a certain age. - The plough. - Snowball in negative.

Bang goes the knighthood: -The complete banker. -At the indie disco. -Assume the perpendicular. -The lost art of conversation. -I like.

Versión de Don't you want me, baby de The human league.

(Lo que otros dicen) Sobre When Nalda became punk

2010-11-23T16:44:00.001+01:00

When Nalda became Punk (antes conocida simplemente como Nalda) es una banda muy cercana a este blog (de hecho de vez en cuando se pasa con su oso polar a jugar con la nieve acumulada aquí en Silsoe) tanto que sería de muy mal gusto hacer una crítica de su nueva maqueta porque no seríamos objetivos y, aunque tratasemos de serlo, yo tampoco me fiaría de una buena crítica de una banda en un blog tan próximo a ella.

Pero no por ello vamos a dejar de hablar de WNBP aquí, porque cuanta más gente escuche sus canciones, más posibilidades habrá de que le guste a la gente, ¿no?

Aquí podéis escuchar o descargaros toda la maqueta con las letras y la portada:

whennaldabecamepunk.bandcamp.com

Ahora, en vez de hablar de las canciones, simplemente voy a recopilar una serie de enlaces para que podáis leer o escuchar lo que otra gente, no relacionada con la banda, piensa de la nueva maqueta. Ellos sí deberían ser objetivos :-)

Críticas de la maqueta:

- En Lito music: www.litomusic.com/2010/10/when-nalda-became-punk-html

- En todos los paraguas de Londres: todoslosparaguasdelondres.blogspot.com

- En la página de la Nadadora: http://lanadadora.blogspot.com/2010/10/time-to-meet-your-family-when-nalda.html

-En indie.mp3.co.uk: http://indiemp3couk.wordpress.com/2010/10/06/when-nalda-became-punk-time-to-meet-your-family/

- En the Jangle Box: http://thejanglebox.wordpress.com/2010/10/27/when-nalda-became-punk-time-to-meet-your-family-2010/

WNBP en la radio:

- En Disco Grande de Radio 3: http://blogs.rtve.es/discogrande/2010/10/27/siempre-hay-nuevos-descubrimientos

Luego el programa de puede descargar desde la web de rtve.es.

- En Rayos C en tus oídos de Scanner Fm: http://rayoscentusoidos.blogspot.com/2010/10/programa-281-del-4-al-10-de-octubre-de.html

- En el Maketón de los 40 principales Vigo: http://www.maketon.com/cargaivoox.php?np=424901

- En Toxicosmos: www.toxicosmos.com (en la fonoteca, programa 3 de noviembre de 2010)

Pues nada, si os apetece, ya sabéis dónde encontrar las canciones de When Nalda became punk.

The Pains of being pure at heart 1 The drums 0

2010-11-19T11:16:00.006+01:00

Si @ra habló el otro día de que Belle and Sebastian "escriben sobre amor" yo hoy voy a escribir sobre "los dolores de ser puros de corazón", más conocidos como "the pains of being pure at heart" (de ahora en adelante, the pains a secas, que si no es muy largo :-)) y the drums.

Hace un par de semanas, antes de ver a the drums en Madrid, y habiendo visto a the pains en La Coruña este verano (concierto que fue divertido porque las canciones están genial, pero sonaron fatal), A-Punk me preguntó qué disco me gustaba más, si el de the drums o el de the pains. Yo le dije que el de the pains, que las canciones me gustaban más, me me parecían más pegadizas y que transmitían mucho más buen rollo.

El caso es que justo esta semana hemos tenido la ocasión de ver los conciertos de cada uno. El viernes pasado tocaron los drums en Madrid, en la sala Heineken, y ayer tocaron the pains en Santiago en la sala Capitol, así que ha sido un momento genial para comparar a los dos grupos.

The pains of being pure at heart

Ambos grupos tienen bastantes cosas en común. Ambos fueron los grupos revelación del año en el que sacaron su disco, son jóvenes, vienen de Brooklyn.

The drums tienen muy buenas canciones y su disco está genial (y el ep summertime también). Forever and ever amn, let's go surfing, me and the moon, down by the water, don't be a jerk johnny... tienen un montón de hits, eso es indiscutible. También tienen sus pegas, como ser el grupo que más puede decir la palabra forever en un sólo disco. Además, cuando escuchamos un grupo que canta en español solemos ser más quisquillosos con las letras que cuando cantan en inglés. Por ejemplo imaginaos si un grupo español cantase esto:

"Nosotros, nosotros estamos enamorados,

y para siempre,

y no vamos dejar de estarlo,

lo estaremos para siempre.

Y todas las estrellas en el cielo,

y todas las flores en el campo,

y todas las flores en la Tierra,

nunca podrán separarte de mi corazón."

Seguramente diríamos que son unos ñoños de narices, unos cursis y que menuda letra. Pues ese es el principio de la letra de Forever and ever amen, que es uno de los singles de the drums. A mi me encanta esa canción, pero está claro que las letras no son lo suyo (la de let's go surfing es otro ejemplo) así que se salvan porque las canciones son muy pegadizas y porque son de Brooklyn, porque si fueran de aquí y cantasen en español, sería mucho más complicado que gustaran.

The drums

Luego está el directo. En Madrid sonaron fatal y eso que llevaban un montón de cosas grabadas, teclados, bajos, silbidos... La voz del cantante apenas se oía, y a veces cuando se oía no afinaba demasiado (aunque afinaba mucho más que el de the pains). Encima su actitud en el escenario no me convence. Son los típicos que llevan una pose de estrellitas, de modernos, a los que el hecho de haber triunfado un poco ha hecho que se le subiera a la cabeza. No se comunican con el público en absoluto y el cantante trata de imitar los movimientos espasmódicos de Ian Curtis y poco más. Bueno, en resumen, que el concierto me decepcionó, por lo mucho que me gusta el disco y lo poco que me transmitieron en directo. Sólo con la última canción, "Down by the water" consiguieron gustarme del todo.

En cambo the pains. También son jóvenes neoyorquinos, pero parecen chicos normales, con los pies en el suelo, que no pretenden aparentar nada que no son, que simplemente les importa hacer las canciones que les gustan, sin más alardes. Tampoco son unos virtuosos y el cantante desafina también más de la cuenta (mucho más de la cuenta), pero en Santiago sonaron genial (gran parte del mérito también es de la sala Capitol), las guitarras en su sitio y el teclado y los coros también (sin necesidad de llevar nada grabado), sonaron con mucha fuerza y así el público respondió saltando y bailando con todas las canciones. Además, a pesar de ser tímidos, hacían un esfuerzo para comunicarse con el público y consiguen caer bien. Las letras tampoco es que sean pura literatura, pero son cortas (conocen sus limitaciones) y directas, pero no son tan empalagosas como las de the drums, se nota que son de chicos jóvenes con ganas de pasarlo bien (ellos mismos han dicho que no quieren llenar estadios, que siguen siendo una banda de indie pop de Brooklyn de mierda, así que no se lo tienen muy creído) y pegan con sus canciones, ni la música ni las letras son pretenciosas y el conjunto es maravilloso. Tienen muchísimos hits, "contender", "this love is fucking right", "young adult friction", "come saturday", "say no to love", "everything with you", tantos que por muy malo que pueda ser su segundo disco ya han dejado una huella que muchos grupos no podrán dejar en años de carrera.

Resumiendo, el disco de the drums mola, el de the pains mucho más (quizá es que es más mi estilo) y si mañana tocasen the drums aquí, me lo pensaría antes de ir al concierto, y si tocasen the pains, ya tendría mi entrada. A ver que pasa con los segundos discos de cada grupo.

Os dejo un vídeo de cada uno par que juzguéis vosotros mismos, pinchad en el nombre del grupo para seguir el enlace:

The drums

The pains of being pure at heart

WRITE ABOUT LOVE - Cupido, eres un cretino -

2010-11-10T22:14:00.011+01:00

El último disco de "Belle & Sebastian" se llama Write About Love y creo que eso es precisamente lo que voy a hacer esta noche, aunque sea de una forma un tanto destructiva. No es que yo sea tan radical y suela pensar así, pero, esta noche una amiga me ha contado una historia y me ha entrado mi vena psicópata.

En primer lugar, tengo que decir que acabo de oir en Spotify un anuncio del hombre este que se ha dedicado a poner en Facebook la estupidez esa de “30 días para conquistar a Julia”, que me pone de los nervios, con lo cual, empezamos bien.

Creo que todos deberíamos vivir el amor de una forma sumamente egoísta y el problema es que no lo hacemos… la culpa de esto la tienen las comedias románticas que vemos desde los 13 y todo ese rollo sentimental-pasteloso que roza la cursilería sobremanera, y que se basa fundamentalmente en la desacertada frase “es más bonito dar que recibir”. Que va. Lo primero que hay que hacer es pensar en uno mismo, porque Cupido es un ser despreciable que no tiene piedad. Y si él no tiene piedad con nosotros… tenemos que cubrirnos las espaldas bien.

Cupido se dedica a disparar flechas sin ton ni son, porque, como nos pasa a la mayoría, lleva muchos años trabajando en lo mismo y, lógicamente, está muy quemado (todo ello unido al hecho de que la explotación infantil no debe ser muy agradable). Así, el va únicamente a cumplir sus horas y hace su trabajo sin interés, pero, especialmente, lo hace sin fijarse, lo que provoca unos desastres de dimensiones considerables…

Vamos a ver, niño, si a chico A le gusta chica B, ¿por qué demonios le disparas a chica B una flecha cuando está pasando Chico C por delante? ¿Tan difícil es fijarse un poquito y que seamos todos felices?

Si marido A y mujer B han caído en la rutina y sus vidas son un auténtico infierno… ¿tanto cuesta re-disparar un par de flechas más?

Y, sobre todo, ¿Dónde te has dejado las “anti-flechas” o “las flechas del olvido” para poder sacar a alguien de tu sistema rápidamente? Todos sabemos que las tienes, pero eres tan egoista que no quieres compartirlas con nadie. Hasta hicieron una película sobre eso, “Olvídate de mí” y no deberíamos descansar hasta que alguien invente algo parecido. Alguien que paga para que le borren de la mente los recuerdos de otra persona porque, literalmente, no puede vivir con esos recuerdos, es de los pocos conceptos que encajarían en la definición de estar realmente enamorado.

Bueno, en fin, hablando de lamentaciones, yo lamento que mis padres de pequeña me prohibiesen cosas tipo salir por la noche, sexo, drogas, alcohol, etc y que en todo ese afán moralista psicótico que les dió, no se les ocurriese incluir lo siguiente: “Hija mía, ver comedias románticas es malísimo, no sabes el daño que te pueden llegar a hacer cuando seas mayor, porque, vas a pensar que lo normal es que aparezca un chico en la puerta de tu casa con un radiocasete con villancicos y unos carteles diciéndote que eres PER-FEC-TA y que te va a querer hasta que mueras, cuando, en realidad, lo que te va a pasar es que la persona que te interesa te va a hacer llorar hasta que tengas ganas de arrancarte los ojos y acabarás tratando como prioridad a alguien que te trata a ti como una opción”.

Como véis, otra entrada en la que no escribo sobre música, cine o libros, pero ya os avisé que no me dejaseis editar a mí sola. Aunque tengo que decir que he citado un disco, he hecho referencia a una película y Cupido es un personaje literario.

Hayao Miyzaki

2009-04-06T20:13:00.010+02:00

Siguiendo el ejemplo de Ara y su repaso a los mejores momentos de la filmografía de Tim Burton, hoy voy yo a hacer un repaso de los mejores momentos de la filmografía de Hayao Miyazaki, otro de mis directores favoritos (tal y como le pasa a Araceli, y a mi mismo, con Tim Burton, me encantan las películas de Miyazai, así que no voy a poner lo peor de cada película porque a mi me gustan todas).

Además, este mes de abril (concretamente el día 24 de abril) se estrenará en España su última película, Ponyo en el Acantilado, así que es un buen momento para rendirle homenaje a este director japonés.

Lo mejor de Nausicaä del valle del viento: para mí la mejor escena de la película es cuando Nausicaä recuerda un momento de su infancia en el que está intentando proteger a un Ohmu y los adultos se lo impiden, me parece una escena que transmite muy bien el mensaje que lleva toda película. De todos modos, lo mejor de Nausicaä no está en la película, sino en el manga dibujado por el propio Miyazaki, dónde lleva la historia mucho más lejos y llena a todos los personajes de un montón de matices y características que no caben en una película.

Lo mejor de El castillo en el cielo: la escena que sale en esta foto, cuando la chica cae del cielo y el chico la recoge en sus brazos. También me encantan la isla de la Laputa y los robots la habitan.

Lo mejor de Mi vecino totoro: el personaje de Totoro es lo mejor de la película, no en vano se convirtió en el logo del Studio Ghibli y es la película de Miyazaki con más merchandising con mucha diferencia. ¿Viendo la película quién no querría haber podido conocer a Totoro en su infancia? Mi escena preferida es cuando las niñas salen a esperar a su padre en la parada del autobús con el paraguas y se lo entregan a Totoro (¡hay que ver la ilusión que le hace Totoro el regalo!

Lo mejor de Niki la aprendiz de bruja: el cambio de nombre de la edición en castellano... ¿de verdad la niña no se puede llamar Kiki como en el original? No creo que los niños piensen en el doble sentido (también es curioso como en el castillo en el cielo, el protagonista dice que está deseando encontrar la isla de Lapunto, mientras señala un mapa en el que se ve clarísimo que dice Laputa, por algo me gusta ver las películas en japonés, aunque no me entere de nada!). Ahora más en serio, la parte en la que Kiki decide irse de casa volando con su escoba y su radio.

Lo mejor de Porco Rosso: sin duda lo mejor de la película es la ambientación de la película, como si fuera una película de cine clásico, llega un momento que el detalle de que el protagonista se ha transformado en un cerdo pasa totalmente desapercibido porque toda la historia te envuelve.

Lo mejor de la Princesa Mononoke: todo. Es mi película favorita de Miyazaki, así que me resulta bastante difícil quedarme con algo.

Lo mejor de El viaje de Chihiro: me encanta la variedad de personajes y su diseño. El viaje en tren de Chihiro con el Sin cara, o el vuelo con Haku... las bolitas negras que se encargan del carbón, la verdad es que, visualmente, el viaje de Chihiro me parece una auténtica maravilla.

Lo mejor de El castillo ambulante: el diseño y el movimiento del castillo de Howl, está genial encontrarse algún día ese castillo en las montañas! También me encanta la escena en la que Howl se lleva volando a Sophie, el perro de Suliman, el espantapájaros...

Twin Peaks (sin spoilers)

2009-03-26T22:29:00.019+01:00

Al hablar de Twin Peaks a todos nos viene a la cabeza la famosa frase "¿Quién mató a Laura Palmer?" y la imagen de esa carretera con el letrero que nos anunciaba la llegada al misterioso pueblo. Esas imágenes que sólo veía gracias a las promos que hacía Tele5 de la serie, se me quedaron grabadas a pesar de que yo era demasiado pequeña para ver esas "cosas de mayores" y mi tiempo se lo dedicaba a otras que parecían mucho mejores como Padres Forzosos o Campeones.

Desde entonces siempre se ha considerado una de las mejores series de la historia, una auténtica serie de culto, y como todo buen friki que se precie, no podía dejarla pasar. Así que ahora, 18 años después, creía que era un buen momento para rescatarla del olvido y vivir todos esos misterios que tenían a tanta gente enganchada.

La primera impresión que tuve a medida que la serie iba avanzando fue que ese "¿Quién mató a Laura Palmer?" nos pudo confundir en cierto modo sobre lo que realmente es Twin Peaks. Cómo mucha otra gente, creía que todo se centrataba en descubrir quien era el asesino y así concluiría todo lo demás. Ahora sé que ese "incidente" sólo era una trampa para envaucarnos y atraparnos poco a poco en ese extraño pueblo para acabar descubriendo más tarde que una vez allí nos dejaría huella para siempre.

Una cosa parecida le pasó al Agente del FBI Dale Cooper, destinado a resolver el caso de una adolescente asesinada en un tranquilo pueblo inundado de cordialidad. Cooper se convierte en el personaje principal que va hilando las diferentes historias y su extricta metodología de trabajo lo hace adentrarse cada vez más entre los habitantes de Twin Peaks, hasta llegar a convertirse en uno de ellos. Todos esconden secretos y un lado oscuro, sus historias se cruzan como una maraña que nunca tiene fin y pronto te das cuenta de que Cooper es el único que es el que parece ser. Entre tanto misterio y confunsión, también hay sitio para el humor, unas veces más negro que otras pero siempre inteligente que nos ayuda a retratar la población de Twin Peaks: como las interminables historias entre Andy y Lucy, algunos excéntricos hábitos de Cooper, el estrafalario personal del FBI que se deja ver de vez en cuando (incluyendo a David Lynch como el singular Agente Gordon), Lady Leño, los extraños bailes de Leland Palmer y otras muchas que no comento por no estropearle a nadie la serie.

Para sorpresa de muchos (entre los que me incluyo) el famoso asesino se conoce en la mitad de la serie, y las tramas siguen con ese tono cómico más acentuado. En este momento parece que muchas tramas se enredan más de la cuenta para prolongar la serie, David Lynch deja de dirigir los episodios (sólo dirige la primera temporada), todo va perdiendo fuerza y las famosas imágenes misteriosas que nadie parece entender, cada vez son menos. Según los rumores, tras estos capítulos se esconden varios problemas y enfados entre Lynch, Frost y la productora, el motivo era que Lynch no quería descubrir al asesino, Frost lo quería hacer al final y la productora a mitad de serie, y como suele pasar casi siempre, los que ponen el dinero ganan. Por otro lado, también se rumoreaba que a los actores no les había sentado demasiado bien que Lynch dejara de dirigir la serie en la primera temporada.

A pesar de estos altibajos, la serie consigue mantener su interés hasta el final, es verdad que no es tan intensa, pero a mi parecer, incluso en esta etapa está bastante por encima de la mayoría de series que se emiten hoy en día. Normalmente con las series pasa que cada escena tiene su explicación y tiene una finalidad, con Twin Peaks no sucede así, y creo que eso es lo que la hace tan especial. Hay escenas que aparecen por el mero hecho de desconcertarnos, de crearnos inquietud, no tienen porque llevarnos a ninguna conclusión, no hay nada obvio y nada definitivo, porque aquí no hay buenos ni malos. A pesar de esto, parece inevitable cogerle cariño a algunos personajes más que a otros. Sólo avisar que eso puede ser un grave error porque Twin Peaks no es de esas series y, sin decir más, el último capítulo lo retoma David Lynch, y ya sabemos lo que eso significa.

Tim Burton

2009-03-24T00:22:00.013+01:00

Tras quince minutos buscando como abrir un documento de Word en mi relativamente nuevo ordenador (lo tengo desde julio pero estoy lejos de parecerme a los protagonistas de “IT crowd”) he comprendido claramente por qué el Windows Vista va a tener bastante poco éxito (y que no me cuenten el rollo de que se parece al sistema Mac porque eso es una patraña, como dice Elena).

El caso que me he puesto a reflexionar sobre Tim Burton, más que nada porque he visto la foto de Jack que me mira sonriente cada vez que abro “Ayer nevó en Silsoe”, y, tras leer “lo mejor” y “lo peor” de varias películas unas cuatro entradas más abajo, he decidido poner “lo mejor” de algunas de las películas que he visto de Tim Burton (como me ponga con todas nos dan las uvas, y la parte de “lo peor” me la voy a saltar porque sinceramente, no se me ocurre nada malo que decir de una película de Tim Burton, ya sabéis, la objetividad no es una característica muy acentuada de mi personalidad):

Lo mejor de Beetlejuice: evidentemente, el baile al final de la peli en las escaleras y Winona Ryder con 12 años vestida de siniestra (o igual tenía más, pero parecían 12).

Lo mejor de Eduardo Manostijeras: la película entera, y si, si os habéis dado cuenta que es mi preferida, elemental querido Watson, no sois tampoco mega-inteligentes… pero bueno, por mojarme un poco, reconozco que me encanta lo de… “De donde viene la nieve?”, “Avon llama a tu puerta” o, poniéndonos un poco más cursis, aquello de “lo hice porque tú me lo pediste” y sin mencionar que cómo es humanamente posible que Johnny Depp esté guapo con la cara entera pintada de blanco y un pelo estropajo tremendo.

Lo mejor de Pesadilla antes de Navidad: ir a verla en 3D, hacernos una foto con las mega-gafotas y mandársela a Marta por el móvil poniéndole de título… “Venimos del futuro a lavarte la ropa”… bueno y un poco más la canción “What’s this?” que es tremendamente genial (casi como “Human”!) la enoooorme sonrisa de Jack y el Conejo de la Pascua que secuestran en lugar de Papa Noel.

Lo mejor de Mars Attacks: Cuando se cargan el Taj Majal, esa escena me puede…

Lo mejor de Big Fish: el momento “amo a Sandra Bloom” con el campo de flores, incluyendo cuando tiran a Ewan como bala humana por un cañón con un casco y él con una sonrisa de imbécil porque se ha enterado de cuál es el color preferido de su Sandra… pero se lleva el premio ganador el final de la película, cuando el hijo pragmático, que odiaba las fantasías, se inventa la última historia, y, como dijo mi prima una vez, creo que nunca nadie será capaz de escribir nada parecido al final de Big Fish.

Lo mejor de Charlie y la Fábrica de Chocolate: sin duda, el viaje de Johnny Depp a la selva al principio de la película!!

Lo mejor de la novia Cadáver: Que la parejita se llamen Victor y Victoria , eso sí, me dió mucha pena que la novia cadáver se quede a vestir santos al final de la peli...

Lo mejor de Sweeny Todd: que el negocio de las “hamburguesas” les va tan bien que al final su local acaba teniendo hasta terraza en verano!

Que viva Brandon y esas plumas que lleva en el video de "Human"

2009-03-23T01:52:00.010+01:00

Cuando te cuentan que una persona con un nombre tan estrambótico como "Brandon Flowers", ciudadano americano de las Vegas (estado de Nevada), se le ocurrió la idea, brillante como su ciudad de origen, de crear un grupo con tres amigos (o más bien conocidos), llamarlo "The Killers" en homenaje a una batería de una banda ficticia, y empezar tocando en los Casinos de allí, suena un poco a guión de película barata que solo ponen en el cine Golum... pero que se lo cuenten al señor Flowers, que ha llenado el Palacio de los Deportes dos noches seguidas.

Yo creo que todos los grupos de música tienen un disco en particular que sale mejor que los demás, y no en términos de calidad musical, que yo la verdad que no entiendo mucho, sino pensando en cual será el disco de tal grupo más recordado por la gente dentro de 10 años, aquel que consigue grabar ciertas letras en la mente de muchas personas para siempre, y poner la carne de gallina a veces.

Se que habrá muchos defensores de "Hot Fuss", por canciones como "Mr. Brightside", más conocidas, o "All these things that I've done", que aunque sea menos conocida a algunos nos gusta más ("I got soul but I am not a soldier"). También está "Somebody told me" y aunque debería enfadarme me hace cierta gracia la comparativa que hace Chepi de la letra de esa canción con mi vida, porque dice que mis "novios" parecen niñas (ya te vale, que estuviste meses con el cachondeo).

Pero yo personalmente me quedo con "Sam's Town" porque a mi la canción de "Read my mind" me tiene robado el corazón... no sé si es por el video, que me encanta que sea en Tokio o el monstruito ese verde que se pasea por ahi, o por aquello de "Oh well I don't mind, if you don't mind' Cause I don't shine if you don't shine"

Bueno, el caso que esta noche el Palacio de los Deportes se ha llenado de música con los acordes y letras de "Day and Age", y creo que la diversidad de gente que ha ido (mezcla de pijillos, pi-hippies, niños de colegio con unos padres muy tolerantes, macarrillas y alternativos) se ha alegrado de no haber re-vendido su entrada.

Podría vivir en un starbucks

2009-03-07T20:53:00.004+01:00

Se que aunque mi entrada tenga un nombre que parece el título de una película, no lo es, y que la temática del blog es música, cine o libros, pero espero que mis compis de blog y creadores del mismo, todo sea dicho, me perdonen por el hecho de ser mi primera entrada o me perdonen porque por fín he escrito algo en este blog, pero prometo, aunque no lo creeréis de momento, que esta será la primera de una larga lista de futuras entradas relacionadas con libros, cine o música, y, por eso mismo, voy a tomarme el lujo de desvariar un poco (ya os avisé que no deberíais haberme dado acceso a editar directamente yo sola!)

Bueno, el caso que ya me estoy animando y quiero gritar a toda la humanidad, o a la gente que lea este blog, que para mí el starbucks es como el móvil, una cosa que al principio consideras inútil e incluso un poco snob, y que al final acaba siendo una parte tan grande de tu vida que el día que te lo quiten vas a considerar seriamente el suicidio.

No, en serio, sé que todos pensamos (y muchos lo siguen pensando) que pagar 3 euros y medio por un café es prohibitivo, pero creo enérgicamente que les echan algún tipo de droga o sustancia adictiva a los cafés (o por lo menos al que me pido yo siempre), porque no es normal que estés un día a las 4 de la tarde en tu casa (o en la oficina a veces) y de repente te acuerdes de tu bebida starbuckiana favorita y dejes todo lo que estás haciendo, sea importante o no, o te levantes del sofá (que eso cuesta mucho) y tu mente está totalmente cegada o en blanco y no puedes pensar hasta que no has ido a comprarte una, lo que hace que a veces vayas al starbucks de enfrente de tu casa con el clásico pijama de rayas, pantuflas y un abrigo monísimo encima.

Bueno, y ahora voy a pasar a enumerar una serie de razones que creo que justifican pagar más de 3 euros por un café, y también lo hago un poco por explicar con cierta racionalidad que la afirmación de "podría vivir en un starbucks" no la haría una persona loca, sino una persona que ha valorado seriamente los pros y contras de un local y ha llegado a una conclusión fundada e inteligente:

1. Me gusta el starbucks por que los nombres de los cafés tienen todos más de cuatro palabras y la gente que no va mucho nunca se acuerda de "cual fué el café que pedí la última vez, que estaba tan bueno" ... pero lo mejor es cuando tu, que sí te acuerdas del nombre de tu bebida (como olvidarlo, si ya os he dicho que para mí tiene efectos parecidos a las drogas duras) dejas al de al lado boquiabierto cuando, después de su turno de pedir en caja, en el que ha desvariado un rato, diciéndole a la camarera... bueno, pues el café ese que lleva chocolate y nata (por dios, todos los adictos sabemos que el 90% de los cafés de allí llevan chocolate y nata, en fin no lo vuelvo a traer al starbucks que me avergüenza)... llegas tu y dices:

"yo quiero un tazo chai tea latte tall, con doble shot de chai, leche normal, hielo y para llevar"

y la camarera te mira con admiración en plan, por fín un adicto al que no le tengo que hacer siete preguntas antes de cobrarle el café, y tu amigo te mira como

a. Si estuvieras hablando chino
b. Si estuvieras loca

2. Paso a la segunda razón... por 3 euros en el starbucks puedes tirarte en un sofa toda la tarde, cuatro horas, y muchos momentos de conversaciones post-salida sábado y muchas risas con mis amigas han pasado en starbucks, por tanto, yo tengo muy buenos recuerdos... y personalmente a mí el ambiente del starbucks me da mucha paz mental... con lo cual, si yo pago 3 euros y puedo estar allí toda la tarde tirada en el sofa como si estuviera en el salón de mi casa pues no me parece tan caro.

Y si hay gente que se gasta 3 euros en tabaco, que es peor (además, en el starbucks no dejan fumar porque estropea el aroma de los cafés y eso es otro punto a favor) ¿no puedo gastarme yo lo mío en mi adicción particular sin que la gente me mire como si estuviera lanzando dinero por un puente?

3. Cuando vas a un starbucks te encuentras a todo tipo de gente... pijos, alternativos, macarrillas, pi-hippies, rockeros, siniestros, adolescentes, parejas, gente sola, gente mayor, etc... estoy harta de que todos los bares de Madrid estén clasificados según cómo sea la gente que va allí y quizá es por que en el starbucks no hay música pero va todo tipo de gente y me gusta... es como el movimiento que queríamos iniciar de palestinas para todos, pues algo así... por qué los bares tienen que ser de tal o cual tipo de gente?? Yo personalmente querría un Madrid en el que todos los sitios fueran como el starbucks, que nunca sabes qué te vas a encontrar

Eso sí, tengo que decir, en favor de mi primo, que me parece FATAL que no tengan coca-cola, para que veais que también soy un poco objetiva en este asunto.

Bueno pues eso, que se que muchos pensaron cuando abrieron en Madrid el primer starbucks... esto no va a tener éxito ni de broma porque es carísimo, y va a ser que cada dos meses abren uno nuevo en otra esquina de Madrid asi que no debo ser la única que opina así...

Nick and Norah's infinite playlist

2009-02-15T13:13:00.016+01:00

A la hora de traducir los títulos de las películas que vienen de fuera, aquí en España tenemos una larga tradición en la que siempre hemos tratado de ser bastante "creativos", y el que le ha caído a esta peli es muy poco afortunado: Nick and Norah: Una noche de música y amor, así que prefiero quedarme con el original (Nick and Norah's infinite playlist).

En esta época del año en la que las nominadas a los Oscar acaparan toda la atención, esta película pasará totalmente desapercibida, y sinceramente no creo que se merezca ninguna nominación de la academia, ni si quiera la de algún festival de renombre. Nick y Norah es una comedia romántica bastante convencional en la que se dan esa serie de situaciones que sólo suelen pasar en las películas y que probablemente desde el principio todos sabemos como va a acabar. La historia transcurre durante una noche en la zona del Lower East Side de Nueva York, donde Nick y sus compañeros de grupo intentan averiguar en donde será el concierto secreto del grupo indie de moda, Where´s Fluffy?. Nick conoce a Norah y a partir de ahí se van dando cuenta de toda la música que tienen en común.

Lo bueno de esta película está en que todos los convencionalismos no son capaces de anular ese encanto especial que la protege de principio a fin y la rescata de caer en el olvido. Gran parte de la culpa de esto lo tienen Michael Cera (conocido por su papel en Juno, después de esta peli me declaro fan, sólo espero que no se encasille, todavía es muy joven) que da vida a Nick y la exquisita banda sonora perfectamente escogida para acompañar a esa noche que a todos nos gustaría haber vivido alguna vez.

Nick y Norah es un homenaje a la música, a la cultura indie y a la noche de Manhattan, así que si nada de esto va contigo, probablemente esta película no tenga nada que decirte. Durante la película se esconden numerosas referencias a canciones y grupos tanto en los diálogos como en posters, carteles en los pubs, pequeños guiños para los aficionados a la música indie. Para los que tengáis curiosidad aquí va el tracklist completo de la banda sonora (incluyendo una inédita de Vampire Weekend):

Chris Bell – “Speed Of Sound”
Devendra Banhart – “Lover”
Bishop Allen – “Middle Management”
Vampire Weekend - Ottoman”
The Dead 60s – “Riot Radio”

Takka Takka – “Fever”
The Submarines – “Xavia”
We Are Scientists – “After Hours”
Band Of Horses – “Our Swords”
Army Navy – “Silvery Sleds”
Richard Hawley – “Baby You're My Light”
Shout Out Louds – “Very Loud”
Paul Tiernan – “How To Say Goodbye”
The Real Tuesday Weld – “Last Words”
Mark Mothersbaugh – “Nick & Norah’s Theme”

Pram Town. Darren Hayman and the Secondary Modern

2009-02-03T20:32:00.007+01:00

Harlow es una pequeña ciudad cerca del aeropuerto de Standsted, en los alrededores de Londres. Harlow fue una de las "New towns" fundadas en Inglaterra después de la segunda guerra mundial.

Estas New Towns son ciudades que se construyeron de la nada, siguiendo una estructura totalmente planeada y preconcebidas, de forma que cada conjunto de viviendas de la ciudad tuviera cerca sus pequeñas tiendas, sus plazas con sus estatuas y sus zonas verdes para poder relajarse. Además, una carretera bordea todo lo que es la ciudad y en cada cruce te encuentras su correspondiente rotonda.

La idea es que Harlow fuese la ciudad perfecta para que allí vivieran familias con niños y que tuvieran todo lo que necesario para crear un núcleo urbano autosuficiente. El Daily Mirror llamó cariñosamente a Harlow "Pram Town" (ciudad cochecito de bebé) en referencia a la cantidad de familias jóvenes que vivían allí.

Pero la posibilidad de conseguir crear la ciudad perfecta así sin más, con unos diseños en papel de como debería ser todo lo que compone una ciudad es un poco utópica. Las ciudades, como las personas, evolucionan y se desarrollan de formas inesperadas, y el resultado final no suele ser el que se ha planeado. Por ello, Harlow dejó de ser esa idílica ciudad y pronto empezaron a salir grietas en el cemento, las tiendas pequeñas empezaron a cerrar y muchas familias decidieron irse de allí, de forma que Harlow ha acabado siendo uno de más de las ciudades dormitorio que rodean Londres.

Ese es el escenario que escoge Darren Hayman para su tercer disco, una ópera folk sobre un pez grande encerrado en un estanque demasiado pequeño para él. Darren Hayman no vivió en Harlow, pero sí en una ciudad parecida cerca de allí. En cuanto pudo escapó a Londres, pero el protagonista de esta historia no llegó nunca a decidirse a salir de ahí.

Pram Town es el tercer disco de Darren Hayman en solitario (cuarto si se cuenta el recopilatorio de singles "Great British Holidays ep") y es, sin duda, su disco más completo. Su primer disco era un conjunto de buenas intenciones pero que aún no tenía muy claro como plasmarlas. El segundo disco tenía buenas canciones, pero el intento de hacerlo tan espontáneo y directo (algunas canciones fueron grabadas en sólo un par de intentos, el mismo día que los músicos que ayudaban a Darren aprendían las canciones) hacía que no llegase a cuajar. En cambio, en Pram Town, Darren Hayman tiene muy claro lo que quiere ofrecer y ha reunido una orquesta folk (según sus propias palabras) para plasmarlo.

Un disco de Darren Hayman, siempre va a tener buenas canciones, con letras cercanas y cotidianas normalmente sobre personajes que según se mire pueden considerarse unos perdedores y que te llegan a emocionar de lo sincero que suenan. Las comparaciones con los discos de Hefner siempre van a estar ahí, pero realidad es que Hefner es (glorioso) pasado y que Darren Hayman and the Secondary Modern son un agradable presente.

La pega que se le puede poner a Darren Hayman es que parece que tiene que sacar rápidamente las canciones que compone en vez de dejarlas madurar un poco antes de sacar un nuevo disco. No obstante, eso y la explotación del pasado(las reediciones en doble cd de cada uno de los discos de Hefner) parece ser la única forma de poder vivir de la música sin estar dentro del mainstream. Siempre he pensado que Hefner merecieron mucho más de lo que consiguieron, pero el mundo de la música no suele ser justo.

Pero como ya he señalado antes, este es el mejor disco de Darren Hayman desde Hefner y eso es suficiente para que sea mejor que muchos de los grupos que suenan por ahí con mucho más éxito. Quien haya visto a Darren Hayman en directo, o en sus vídeos, o en la entrevista que se incluía en el DVD que acompañaba el recopilatorio de eps, verá que Darren Hayman está muy lejos de ser una estrella de la música (y que no va tan repeinado como aparece en las fotos promocionales de Pram Town). Al contrario, es un tipo corriente que si lo vieras por la calle no podrías adivinar a que se dedica, es un poco como sus personajes y eso hace que sus canciones te suenen tan cercanas y puedas identificarte con ellas.

Mis 3 favoritas: Pram Town, Amy and Rachel y Compilation Cassette.

Sally go Lucky!

2009-01-12T23:04:00.008+01:00

Está claro que las opiniones que se tienen aquí en Silsoe son totalmente subjetivas y nada certeras. Hace poco escribía sobre las películas que menos me habían gustado en el 2008 y no dudaba en incluir a Happy go lucky y decir que su protagonista, Sally Hawkins, no se merecía los premios que le habían dado y así tan feliz me había quedado. Pero ahora no puedo hacer otra cosa más que avergonzarme, Sally acaba de recibir el Globo de Oro como mejor actriz de comedia/musical por su interpretación en Happy y todo el mundo parece estar de acuerdo.

Esta noche pasada quedó demostrado que la poca idea sobre cine que creía tener es más bien nula y que es muy probable que acabe confundiendo ajos con cebollas cada vez que se me ocurra hablar de alguna peli. Así que no me hagáis mucho caso la próxima vez que escriba sobre algo de la gran pantalla, si es que lo mío siempre ha sido la música, no se para que me meto...

En realidad, todo lo que escribimos aquí es totalmente subjetivo, así que, entre nosotros, sigue sin convencerme nada ni Poppy, ni Happy, ni Sally... pero si esa gente que sabe tanto le da el Globo de Oro será porque se lo merece y desde aquí le felicitamos efusivamente. Por otra parte, nosotros éramos partidarios de Pe y ella no se llevó nada, su papel en Vicky, Cristina, Barcelona es bastante divertido pero en fin, todavía quedan los Oscar, y quien ríe el último....

¡¡Felicidades Sally!! Happy go Lucky!

Ayer nevó en Madrid

2009-01-10T19:02:00.004+01:00

Pues este invierno no sólo nieva en Silsoe. Ayer cayó una nevada considerable en Madrid.

Mirando las estadísticas de la gente que entra en el blog siempre encuentras cosas curiosas. Ayer a las doce de la mañana recibimos una visita procedente del Instituto Nacional de Metereología de Madrid, justo el día en que Madrid se colapsaba por la nieve.

Ahora nos asalta la duda, la persona que entró, ¿de verdad estaba interesado en los contenidos del blog? o ¿quizá buscaba información sobre las nevadas de Silsoe? El caso es que la última entrada que teníamos ayer en el blog era sobre el nuevo disco de Snow Patrol, así que tal vez estaba buscando información sobre la patrulla quitanieve, vete tú a saber...

A continuación algunas fotos de Madrid nevado, las fotos no son nuestras, una de ellas es de Joa Gomes y las otras son de alguno de los lectores de elpais.com.

A hundred million suns. Snow Patrol

2009-01-05T16:01:00.007+01:00

Los primeros rayos de sol de la mañana empiezan a asomar por los huecos que deja la madera de una vieja ventana. Estáis los dos tumbados en la cama con la mente todavía a caballo entre el sueño y la realidad. Ella saca sus cálidas manos de entre las mantas y las posa sobre el frío radiador que hace meses que está estropeado. Te pone las manos en el cuello y tú murmuras que te deje dormir un poquito más. Pero en realidad no quieres que pare y ella lo sabe, así que no se detiene y desliza sus manos por tu cuello y tu espalda.

En ese momento, piensas en ella, en vosotros, en como cuando tus ojos se cruzan con los suyos pierdes hasta las habilidades más simples, como la capacidad de decirle que todo lo que quieres es os quedéis en ese momento para siempre. Te imaginas al borde del oceano que baña las costas irlandesas, gritando tan alto que te oigan hasta en América, que todo lo bueno que te ocurre es por ella. Te dan ganas de abrir las ventanas de par en par de forma que los rayos de sol bañen todo su cuerpo y puedas observarla mientras la luz recorre su cara y su cuerpo.

Pero en el fondo sabes que estos momentos no duran para siempre y,dos semanas más tarde, te encuentras sólo en casa, organizando un montón de cajas polvorientas que encierran recuerdos y fotos de un tiempo que parece demasiado lejano y que no te explicas como es posible que se haya acabado. Miras una y otra vez las fotos y te dan ganas de llorar y sólo puedes pensar que alguien debería quitarte esas fotos de las manos para poder calmar tu dolor. Relees cartas que, aunque llevan su firma, sabes que ella ahora no las escribiría, que piensa en ti de otra manera.

Mientras haces la limpieza, encuentras un pelo que, por su color y longitud, sabes que tiene que ser de ella. Te lo anudas alrededor del dedo tan fuerte que se te pone azul y empieza a palpitar. Entonces te das cuenta que los latidos que sientes en tu dedo ya los conoces, que es el ritmo de los latidos de su corazón que tantas veces has sentido mientras estabas con ella. Y ese latido, con su rítmo casi musical, se convierte en tu única fuente de energía.

Te preguntas en que pasaría si cuando toda esta tormenta acabase no pudieras estar con ella igual que estabas antes, como siempre habías deseado. Sin embargo, después de que se hubiera puesto el cielo oscuro y frío y lloviera tanto y tanto que la inundación te impedía ver nada más que no hubiera sido ella, te das cuenta que en los peores momentos de angustia y desesperación por la tormenta, ella se agarró a ti como si fueras un bote salvavidas y tú quieres que ella sepa que fue el tuyo, porque eso es lo que sientes.

La luz de cien millones de soles y estrellas os ilumina y pensáis que estaba claro que algo tenía que saliros bien de una vez.

Lo que acabo de escribir no es mío. En realidad es una especie de resumen de la historia que se puede encontrar en el último disco de Snow Patrol y que, en mi opinión, debería ser su mejor carta de presentación. ¡Un disco que tiene unas letras tan bonitas tiene que ser bueno a la fuerza!

"A hundred million suns" es un disco oscuro la mayor parte del tiempo, pero nunca es una oscuridad total, siempre hay cien millones de pequeños soles o un fuego o quizá un rayo que ilumina toda esa oscuridad y desesperanza y te hace ver que todas las cosas buenas siguen ahí, aunque las circunstancias no te dejen verlas.

Snow Patrol siguen inspirados desde que publicaron "Final straw" años atrás y, posteriormente, "Eyes Open". Éste último incluía la canción "Chasing cars", que les ha colocado en la frontera entre la música alternativa y la música mainstream. Están en ese lugar que ocuparon no hace demasiado Coldplay y este disco puede ser el que les dé el empujón definitivo hace un lado o hacia otro.

A mi personalmente me da igual si tiene más o menos éxito. De hecho, me alegro por ellos y quiero que tengan todo el éxito del mundo. Mientras tengas canciones tan buenas como las que tiene este "A hundred million suns" (y también tenían "Final Straw" y "Eyes open"), sería un poco idiota que el grupo dejase de gustarte porque le gusta a todo el mundo, ¿no?.

Mis 3 favoritas: "Crack the shutters", "Set down your glass" y esa composión final para cerrar el disco, de 16 minutos divididos en tres partes, que se llama "The lightning strike".